Mark Cousins nació en Brefast en 1965, es un director y crítico cinematográfico, inquisitivo, inquieto, global y entusiasta que ha sido presentador ocasional y ha buscado mostrar una perspectiva diferente sobre el cine.
En 2009, Cousins y la actriz Tilda Swinton crearon un proyecto en el que montaron un cine portátil en un camión de 33.5 toneladas. Este camión recorrió las tierras escocesas. Esta iniciativa termino convertida en un festival de cine independiente itinerante. El resultado se plasmó en un documental llamado “Cinema is everywhere”.
En 2011 Cousins realiza “The Story of Film: An Odyssey”, su documental más famoso y controvertido hasta este momento “Nuestra historia del cine es una “Road movie” donde buscamos a la gente innovadora, a las personas y las películas que dan vida al arte sublime que es el cine. “ Así define el propio Cousins su documental.
Seis años de preparación le llevó a Cousins producir esta serie documental. La serie de 15 horas de duración, en 8 capítulos está basada en un libro del propio autor escrito en el año 2004.
Para realizar el documental, el crítico y director cinematográfico contó con un corto presupuesto. Trabajaba con un cuaderno de viaje en el que tenía apuntados todas sus notas. Como un trotamundos fue grabando por todo el mundo. Trabajo con poco dinero porque quería conservar la independencia, realizar un trabajo en el que no tuviera que comprometerse con nadie.
Las motivaciones que han llevado a Cousins a realizar su propia versión de la historia del cine es la certeza de que la industria cinematográfica se ha convertido en un negocio y la necesidad de mostrar un cine universal en el que no caben las “etiquetas” que hemos conocido hasta ahora.
El director con una voz envolvente y un ligero acento irlandés recorre medio mundo para mostrar cuales son las innovaciones que han creado estilo y han supuesto un cambio en la forma de realizar cine.
El estilo poético acentuado por su propia voz susurrante y la nueva visión de la historia del cine, más como un aficionado que como un estudioso del séptimo arte, no ha gustado a algunos expertos en cine.
El planteamiento que realiza Cousins sobre la necesidad de modernizar los planteamientos de la historia del cine son validos y el documental resulta realmente interesante y emocionante.
En 2013 Cousins vuelve a realizar un documental titulado “una historia sobre los niños y el cine”
http://www.youtube.com/watch?v=v6caIr0LdyU
Se trata de la primera película del mundo acerca de los niños en el cine mundial. Es un apasionado y poético retrato de las aventuras de la infancia – su surrealismo, la soledad, la diversión y los aspectos destructivos visto a través de a través de 53 grandes películas de 25 paises. Incluye películas clásicas como ET el extraterrestre y El Globo Rojo y también docenas de obras maestras (muchas dirigidas por mujeres) que son casi desconocidas. Habrá que esperar que salga en Dvd.
Mientras tanto no os perdáis su historia del cine. Espero los comentarios.
En el año 2011 el director coreano Park Chan- Wook pasaba a la historia por ser el primer cineasta en grabar una película filmándola únicamente con dos teléfonos móviles iPhone. La película “Night Fishing , de 30 minutos de grabación fue producida por 80 personas.
La llegada masiva de los teléfonos móviles y Smartphone a los bolsillos de los usuarios ha llenado la red de películas amateurs. No importa cómo se realiza la película, si se filma con teléfonos móviles, cámaras Reflex o cámaras semiprofesionales. Tampoco importa el formato. La red está repleta de cortometrajes, largometrajes, videoclips o incluso webseries. Lo único que importa es la creatividad y la ilusión por comunicar.
A pesar de que puede parecer una nueva práctica, no estamos ante la primera generación de cineastas amateurs.
A finales de los años 50, cuando las cámaras Super 8 llegaron a los hogares norteamericanos, sucedió un fenómeno cultural que tendría consecuencias transcendentales en la historia del cine. Grupos aislados de adolescentes saldrían a la calle a grabar con su cámara. Pusieron de moda lo que se ha denominado las “Blackyard Monster Movies”. Se trataba de películas caseras de terror grabadas sin presupuesto y con muy pocos medios.
Los adolescentes echaban mano a todo lo que encontraban para que sus películas de miedo y ciencia ficción tuvieran un aspecto profesional. Efectos especiales en Stop Motion, maquillaje rudimentario y mucha imaginación.
J.J. Abrahams en “Super 8” (2011) realizaría un homenaje a todos estos niños. La película producida por Steven Spielberg es la más autobiográfica de las películas de Spielberg. Aunque paradójicamente no fuera dirigida por el propio realizador.
En “Super 8” aparecen elementos de la vida del “joven Stevie” que ha sido uno de los famosos directores creadores de estas celebres “Blackyard Monster movies”. Además de la afición de estos niños por el cine, en la película aparece el descarrilamiento de un tren. Steven Spielberg tenía una maqueta de tren el garaje de su casa. El juego favorito de Spielberg era hacer descarrilar el tren. Una de las primeras grabaciones del realizador sería su tren de juguete saliendo de las vías. El tercer elemento que forma parte de la biografía de Spielberg, fundamental en la película, son las alienígenas. El realizador estaba obsesionado con la ciencia ficción y los monstruos desde muy pequeño.
Spielberg llegó a convertirse en uno de los más famosos directores de cine de la historia. No puede decirse que fuera el único surgido de esta práctica, que duró hasta mediados de los años 70. Otros nombres, realmente importantes, forman parte de esta generación de cineastas que comenzaron grabando con su Super 8. Todos ellos formaron una nueva generación en la que han integrado películas de ciencia ficción, terror con espectaculares efectos especiales.
A pesar de que se ha apuntado como principal causa del fenómeno cultural a la comercialización de las cámaras portátiles hay otras circunstancias que propiciaron la práctica.
A finales de los años 50 en pleno auge de la televisión, los canales programaban sesiones de cine en las que se emitían dos y tres películas de ciencia ficción y fantaciencia. Las sesiones estaban dirigidas por personajes mediáticos, grandes agitadores que se disfrazaban, interrumpían las emisiones y contaban historias de miedo convirtiendo los programas en auténticos shows que causaban furor entre los adolescentes.
Vampira y Zacherely son dos de los presentadores más famosos.
Maila Nurmi, más conocida por Vampira, es una de las presentadoras más famosas de los shows de los monstruos de los 50. Tal como relata David Skoal en “Monster Show”, (un libro obligado para los amantes del cine clásico de terror), Vampira , con su gótica imagen y una sorprendente cintura de avispa , llegó a imponer su moda. Una corta relación con James Dean y su presencia en todos los círculos de famosos de la época la llevo a conseguir una gran popularidad. Tim Burton en “Ed Woods” guarda un papel para este famoso personaje.
Otros de los famosos presentadores de esa época era John Zarcherle. Zacherley (nombre con el que era conocido) apareció por primera vez en el papel de enterrador en un programa de televisión. Esto le marcaria para toda su carrera posterior. Cejas arqueadas, dientes puntiagudos y una risa profunda formaban parte de su papel de agitador animador de las sesiones de miedo. Los fans lo conocían por el “Cool ghoul”.
En la actualidad Zacherle continúa viviendo en su casa de Nueva York.
La enorme popularidad de los shows se extendió a la música. Una canción de Bobby Picket llamada Monster Mash , se convirtió en uno de los grandes éxitos entre los adolescentes de Norteamérica.
En este contexto, James Warren, un editor con olfato para los negocios decide publicar una revista de un solo número que recogería toda esa cultura tan de moda. Se puso en contacto con Forrest Ackerman, un coleccionista de ciencia ficción, imprescindible en cualquier evento relacionado con la Sci fi (termino creado por el propio Ackerman) para juntos lanzar un número único de la revista.
La revista Famous Monster of Filmland se publica en 1958 con una edición de 2000 ejemplares. Contaba con innumerables fotografías pertenecientes a la impresionante colección de Forry. La revista tuvo un éxito rotundo. Se realizaron varias ediciones más y se decidió lanzar nuevos números.
La publicación tuvo su mayor apogeo durante los años 60. Forrest Acerkman (del que hablaremos en otra próxima entrada) fue el elemento fundamental para que la revista tuviera el alcance y la influencia que tendría en los niños de esa generación.
Innumerables jóvenes y niños se convirtieron en fans de la publicación. Esta les hablaba de sobre las películas de monstruos y ciencia ficción que estaban reponiendo en la televisión y las películas que veían en las sesiones matinales de sus ciudades. Los” Matinee” que tan bien describe Joe Dante en su película del mismo nombre.
La publicación mostraba el “making off” de las películas y promovía concursos de cine de monstruos. Además, ponía a disposición de los lectores, a través de una tienda por correo, todo lo necesario para realizar películas, maquillajes, caretas y hasta cámaras en formato super 8.
La respuesta de los lectores no se hizo esperar. Los jóvenes comenzaron a crear filmaciones caseras que enviaban a la revista. La revista no tenía la posibilidad como tenemos aquí de mostrar los resultados, pero premiaba los mejores trabajos y mostraba fotografías de las películas ganadoras y de los ganadores. Uno de los primeros niños-cineastas que realizaría películas de cine fue Don Glut. Pueden verse videos de esas primeras películas realizadas de una forma totalmente artesanal en youtube. “Atom Man vs Martian Invaders (MPC Fireball XL5 Toy)” es una de ellas.
http://www.youtube.com/watch?v=RbimXDkGQQM
Don Glut igual que muchos de estos niños continúo dedicándose al cine, aunque de otra manera. Actualmente escribe guiones y ha escrito muchos libros sobre el cine de fantaciencia.
Con más éxito que Glut oscarizados especialistas en efectos especiales, guionistas, productores y directores de televisión se han dedicado al cine alentados por la revista y por supuesto una legión de directores de cine que posteriormente han querido mostrar su gran conocimiento del cine de ciencia ficción de los años 50 y de fantaciencia de los años 20 hasta los 60. Los nombrados Spielberg, Lucas, Landis y Dante así como Tim Burton, Peter Jackson, Guillermo del Toro y el propio Alex de la Iglesia.
Nos quedamos con “Super 8” y la historia que Steven Spielberg quiso contarnos sobre sus recuerdos de la infancia.
“El amanecer del planeta de los Simios” la secuela del planeta que trata sobre los la lucha de simios y humanos por establecer sus dominios arrasa en las taquillas de los Estados Unidos. La película en formato 3d ha recaudado 73 millones de dólares en ventas el fin de semana pasado.
«El planeta de los simios» con sus cuatro secuelas, y sus dos series de televisión, así como su montaña de productos de merchandising se ha convertido en un fenómeno cultural.
Para poder comprender el éxito de la nueva versión de la serie hay que comenzar desde el principio. La historia comienza con la película “El planeta de los Simios” en 1968. Ese mismo año se estrenaba “2001 Una odisea del espacio“(Stanley Kubrick).Ambas películas marcaron un antes y un después del género de la ciencia-ficcion al marcar un realismo, verismo y verosimilitud que no existía hasta entonces.
El origen de esta saga mítica se la debemos a la visión de dos hombres; el novelista Pierre Boulle y el productor de Hollywood Arthur P. Jacobs.
Jacobs, nacido en 1922, comenzó su carrera como mensajero en Metro Goldwing Mayer. Su gran ingenio le hizo destacar y lograr un puesto en el departamento de relaciones públicas. Su deseo de promoción le condujo hasta la Warner Bross. Terminó creando su propia empresa de relaciones públicas.
Entre sus clientes se encontraban celebridades como James Steward, Gregory Peck , Judy Garland y Marilyng Monroe.
Fue Marilyn la que ayudo a Jacobs a saltar de publicitario a productor, a principios de los sesenta, al aceptar protagonizar su película “A Way to go”. Marilyn nunca llegó a protagonizar la película. Su muerte truncó toda esperanza, pero no impidió que el productor siguiera adelante con el proyecto. La producción se convirtió en una película taquillera lo que le supuso un gran trampolín para su carrera de productor. Jacob no tuvo problemas para producir su siguiente proyecto, Doctor Doolitle, con la estrella Rex Harrison. Fue durante la preproducción de esta película cuando surgió la idea de crear una nueva película de animales con un concepto diferente. “El planeta de los simios”
Jacob adquirió la obra del autor francés que hablaba de dos astronautas que viajaban a un planeta que estaba dominado por simios muy inteligentes que manejaban a los humanos.
Durante los siguientes meses se trabajó en el diseño del planeta donde Vivian los simios. Siete artistas fueron realizando diseños para los escenarios de la película. Trabajaron en los conceptos principales y en la historia. Crearon un libro lleno de las diferentes líneas que serviría de guía. Se contactó con Rod Serling , el guionista de las series de televisión “Twiling zone”, que comenzó a realizar la adaptación.
Un año después, con todos los diseños y la historia completa, Jacob comenzó a recorrer las major para conseguir la financiación. Contaba con el apoyo de Charlton Heston. Fue el propio actor el que recomendó a Franklin Schaffner como director.
A pesar de que el proyecto contaba con nombres prestigiosos, los estudios no terminaban de ver el proyecto posible. Nadie podía entender cómo se podían crear efectos especiales que fueran realmente realistas, temían que todo resultara ridículo. Finalmente Richard Zanuck creyó en el proyecto y le dio una oportunidad para que realizara una prueba. La prueba de rodaje costó 5.000$ . El famoso Edward Robinson, maquillado como un simio se ofreció a realizar la prueba. El experimento sirvió para dar el visto bueno a la película.
El maquillaje era una parte muy importante, había que buscar al mejor. Alguien con experiencia en prótesis. John Chambers.
John Chambers maquillando a un actor
Chambers era un veterano médico de la segunda guerra mundial. Durante la guerra había a comenzado a experimentar con prótesis con heridos. A finales de los 50 ya estaba trabajando para la industria emergente de televisión. Enseguida llego a lo más alto de la profesión. Chambers contó prácticamente con la mayor parte del presupuesto de la película. Casi un millón de dólares. El médico tuvo que idear un maquillaje personalizado. Los gestos con la prótesis tenían que resultar realistas. Su imaginación y dotes artísticas lograron hacer realidad la civilización de los monos.
Jacob ahora se enfrentaba a un nuevo problema. El presupuesto se había cubierto con el maquillaje, no sería posible crear la civilización futurista que había creado Serling.
El guión se modificó para poder abaratarlo. El guionista Michael Wilson, introdujo los cambios necesarios para crear una sociedad prehistórica. Los simios pertenecerían una sociedad primitiva. Los caballos sus medios de transporte. Sus casas serían cuevas. El nuevo guión se centraría más en los personajes que en las ideas de ciencia ficción.
La nueva sociedad creada por Wilson resultó ser uno de los pilares fundamentales de la historia. A lo largo de la película se representa con realismo el compendio de la evolución y la historia de la humanidad. Podemos encontrar la imagen de los primeros hombres que viven como animales salvajes, nombres de los simios de la antigua roma. Enfrentamiento de ideas tradicionales frente a modernismo y numerosas herramientas modernos.
Para crear escenarios, el diseñador se inspiró en los escenarios de Turquía en los que están cavadas las casas en las rocas.
La película contenía un fuerte mensaje político. La sociedad americana se encontraba inmersa en plena guerra fría. A esto se añadía el movimiento antivietnam. La película intentaba concienciar hasta donde los valores clásicos podían llevar a la sociedad. El fantasma del apocalipsis nuclear estaba presente. También la contracultura de los sesenta, representada en los simios interpretados por Roddy Mcdowally Kim Hunter. (Zira y Cornelliuos, los simios que les ayudaban).
Toda la película se realizó en locailzaciones de Norteamérica. Este video muestra los lugares escogidos y la forma en la que se realizaron los escenarios sobre ellos.
En 1970 Jacob realiza “El regreso del planeta de los simios”, la segunda parte de la película, mostraba como para el hombre la bomba nuclear se había convertido en el objeto de adoración. Taylor y Nova, en esta ocasión con Brett, un astronauta que había ido en busca de los astronautas perdidos. Todo terminaría con una nueva explosión nuclear. El hombre de nuevo se destruye por culpa de sus ansias militaristas.
http://www.youtube.com/watch?v=63xvNzKzByM
A pesar de que generalmente las películas con jergas políticas envejecen mal, en el caso de El planeta de los Simios el mensaje se ha ido adaptando a las diferentes épocas. El mensaje actual de estas cintas se relaciona con los problemas raciales y las diferencias sociales.
Las cinco películas de “El planeta de los simios” tienen un fondo moral consistente que habla del entendimiento entre los individuos de la sociedad que choca contra las locuras de los lideres que les representan.
En 1971 Jacob realiza su tercera película de la saga“Huida al planeta de los simios.” En ella Zira y Cornellius, los simios viajan en el tiempo al planeta tierra a intentar detener el apocalipsis nuclear. En un homenaje a “Ulimatum en la tierra”( Wise, 1971) los simios vuelven a la tierra con intención de avisar lo que puede suceder si no frenan el armamento. Los simios no logran cumplir el objetivo con el que viajan a la tierra.
http://youtu.be/8poa1_KT3Bo
En 1972 en “La conquista del planeta de los simios”, los simios tienen la oportunidad de vengar el comportamiento que han recibido de los hombres en “Huida al planeta de los Simios”, a pesar de eso, el simio determina que puede decidir y no comportarse como un “humano”
La quinta entrega de los simios, “La batalla del planeta de los simios” es sin duda la peor de todas ellas, La saga había llegado al final. La magia había desaparecido, únicamente un pequeño papel de simio de John Huston salvaría la película.
El productor Arthur P . Jacobs participó en las cinco películas. Murio el 25 de junio de 1973, el mismo año que se estrenó la última.
http://www.youtube.com/watch?v=oUw5hiWTOE8
En 1974 se realiza la serie de televisión “Un planeta de los simios” Protagonizada por el único actor que había intervenido en todas las películas de la saga hasta el momento. “Roddy McDowall”(Cornelious) En la serie McDowall realiza el papel de un chimpancé llamado Galeno. Intervienen tambien dos astronautas interpretados por Ron Harper y James Naughton. La serie se estrena en CBS y dura solamente 14 capitulos
En 1975 llega a tv la serie animada. “El retorno al planeta de los Simios” Los dibujos animados presentan la civilización más avanzada, fiel a la novela original de Boulle. La serie estuvo formada por 13 capítulos.
En 2001 Se estrena la película de Tim Burton “El planeta de los simios. Sería la primera película en la que no actuara Roddy McDowall, fallecido tres años antes. La película protagonizada por Mark Wahlbeg y Helena Bonham_Carter, recibió innumerables críticas por un guión flojo y un final sin sentido.
Charlton Heston sí realizaría un cameo en homenaje a las películas originales de la saga. El maquillador Rick Baker, (La guerra de las galaxias,) realizaría un trabajo espectacular con los simios.
En 2011 la película “El Origen del planeta de los simios” de Rupert Wyatt que cuenta una historia previa a la novela de Boulle resulto un gran éxito. La razón principal la combinación de espectaculares efectos especiales, mezclado con un ritmo trepidante. La película logra transmitir emociones en el espectador manteniendo elementos de la saga clásica.
“El amanecer del planeta de los simios” (Matt Reeves) estrenada en EEUU, previsto su estreno en nuestro país el próximo mes de agosto promete ser mejor que la anterior. Los críticos norteamericanos la consideran inteligente, fuerte y con el compromiso que mostraban las primeras de la saga. Con la ventaja añadida de una nueva tecnología CGI que permite efectos realmente asombrosos.
Desde los comienzos del cine, a finales del siglo XIX, la pintura ha servido de inspiración para el cine. Muchos directores han reconocido la influencia que el arte estático ha tenido en sus películas.
La visión artificial de la pintura, la perspectiva, la luz y el ambiente ha servido para que algunos cineastas se apoyaran en cuadros clásicos para crear el ambiente de su historia o su escenografía.
Conocido es el caso del cine expresionista con una marcada influencia del expresionismo pictórico; decorados estilizados, iluminación contrastada, gestos y expresiones de emociones y sentimientos por encima de la realidad.
No es el expresionismo el único movimiento que ha dejado huella en el cine, Autores de todas las épocas han servido como modelo para cineastas del siglo XX o contemporáneos.
Alfred Hitchcock en “La ventana indiscreta” realiza una reflexión sobre la soledad de la vida en las ciudades. Lo hace con una visión voyeur, observando el comportamiento ajeno. En la película se pueden reconocer rasgos de la pintura de Edward Hopper, el pintor de la soledad de la vida norteamericana.
De la misma manera que en Hopper en su cuadro “Ventanas en la noche” se ilumina el interior de los apartamentos produciendo una sensación de humanidad enjaulada, en “La ventana indiscreta “ Hitchcock nos muestra el aislamiento en las grandes ciudades.
La casa de “Psicosis” de Hitchcock tiene un gran parecido con “La casa junto a la via del tren” de Edward Hopper. La característica principal de esta casa es que no está ubicada en ningún sitio concreto, no hay nada que nos de información del lugar en el que nos encontramos. Esto enfoca la curiosidad hacia el interior de la mansión, solamente importa qué está sucediendo en el interior.
Ciertos pintores resultan especialmente “cinematográficos” por las características de su pintura. Doré es uno de ellos. Su gran imaginación y talento para las composiciones dramáticas lo convierten en un “pintor de fotogramas”.
Sus composiciones están formadas por un solo foco de luz en el centro del cuadro. El foco crea un punto culminante y al mismo tiempo un fondo oscuro que permite contrastar y crear ambientes épicos.
Gustave Dore nació en Estrasburgo. La mayor parte del tiempo trabajó en Francia. Sus ilustraciones más famosas fueron las realizadas para “El infierno de Dante” (1861) “Las aventuras del Baron Munchausen” (1862) “Don quijote” (1862), “Atala” (1864) y “La biblia” (1866).
Doré influyó sobre famosos pintores como Van Gogh y sobre muchos ilustradores del siglo XX.
No sólo inspiró a pintores, Cecil B.De Mille quedó tan impresionado por las imágenes bíblicas de Gustave Doré que tomo varios de sus grabados para usarlos en varias de sus películas. Algunas ilustran escenas exóticas de “Los diez mandamientos”(1923) o “Sanson y Dalila” (1949)
Influencia de Doré también podemos encontrarla en “King Kong” (1933) en concreto en los escenarios del interior de la isla de la Calavera. Fueron las ilustraciones de “Atala” (1864) las que sirvieron de inspiración.
Otros pintores prácticamente desconocidos han servido como inspiración para el cine.
John Martin es un pintor inglés prácticamente desconocido en España. Su uso de la profundidad y la luz, así como su imaginación romántica lo convierten en una buena fuente de inspiración para escenarios fílmicos. Martin ha realizado espectaculares escenas apocalípticas.
Nació en Northumberland, en el norte de Inglaterra. Realizó su primera exhibición a los 23 años. Su obra “Sadak in Search of the waters of Oblivion “(1812) ha servido de inspiración para “La Isla misteriosa” (Hubbard, 1929).
La luz y la perspectiva de ”Joshua Commanding the Sun to Stand still” (1816) sirvieron de base para los escenarios de “Los últimos días de Pompeya” (Schoedsack, 1935)
”Joshua Commanding the Sun to Stand Still” John Martin
Otro de los pintores, desconocidos que han influido en la escenografía de películas épicas es Joshep Michael Gandy. (1771-1843)
Gandy, fue un artista inglés, visionario arquitecto y teórico de la arquitectura. Más conocido por sus pinturas imaginativas a pesar de que gran parte de su vida profesional la dedicó a trabajar para el arquitecto John Soane.
Su pintura más famosa, “Jupiter Pluvius” fue exhibida en 1819. Sus acuarelas y oleos estaban llenos de arquitectura espectacular.
“Jupiter Pluvius” ha sido una gran influencia para el diseñador y animador de Stop motion Ray Harryhausen. En los diseños realizados para su película “Jason y los argonautas” (Chaffey, 1963) se pueden ver la huella del arquitecto-pintor ingles.
Dibujos realizados para la película «Jason y los Argonautas.»
No solo los escenarios están influenciados por la pintura. El propio Harryhausen reconoce en el pintor americano Charles Robert Knight (1874-1953) una gran referencia para el diseño de sus animales.
Knight fue un pintor pionero en la colaboración con paleontólogos. Colaboró con su amigo Henry Fairfield Osborn, presidente del museo americano de Historia natural , en la reconstrucción de los fósiles localizados por paleontólogos y zoólogos. .
Knight era un pintor meticuloso que utilizaba métodos nuevos. Realizaba modelos en tres dimensiones antes de dibujarlos y texturizarlos en un lienzo.
Los diseños de la película “The Lost Word “ y “King Kong” son dos de los ejemplos donde se ven pinturas de Knight como “Before de dawn”.
Se ha descrito también la influencia del pintor Caravaggio en escenas de Martin Scorsese en cuanto al tratamiento de la oscuridad, la luz y la composición. Nos quedamos con un video en el que el propio Scorsese habla sobre el pintor.
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