Doctor Sueño es el nombre de la continuación de El Resplandor, novela que Stephen King escribió en el año 1977 y que fue llevada al cine por Stanley Kubrick.
El escritor norteamericano además ha anunciado que en este año publicará dos novelas más. El prolífico novelista ha vendido más de 350 millones de libros. Se considera que es el escritor que ha sido llevado más veces al cine. .
Decía Clide Baker que hay dos libros en todas las casas norteamericanas. Una es la biblia la otra un libro de Stephen King.
El pequeño Stephen
Stephen King fue criado al borde de la pobreza por una madre trabajadora después de que su padre abandonara a la familia cuando Stephen contaba con dos años. Desde pequeño, King estaba fascinado por los monstruos de la cultura popular que leía en tebeos y en revistas. Su afición por escribir surgió cuando en unas cajas del trastero de su casa King descubrió los textos que su padre escribía.
Cuando terminó la universidad, King sobrevivía dando clases en ingles y escribiendo relatos cortos para revistas masculinas. Vivía en una caravana, escribía en una mesa con máquina de escribir que había ocupado el sitio de la lavadora.
Cuando en 1973 King escribió Carrie, su vida cambió. Los derechos de Carrie se compraron en 1973 por una cantidad astrológica. Se publicó con una primera edición de 30.000 ejemplares. En el año 1984 sus libros ya se comercializaban con una tirada de un millón de ejemplares.
King triunfó con Carrie al explotar la conciencia de esos años en America. Carrie cuenta la historia de una extraña alumna de nueva Inglaterra que se arrastra ante la dominación de su madre. La adolescente tiene un talento latente para la telequinesia. Mueve objetos y es capaz de despertar una energía desbordante. El problema es que Carrie no controla su extraño don. Cuando experimenta su primer ciclo menstrual Carrie, que no sabe que es lo que le está pasando, sufre un ataque de histerismo al pensar que va a morir. Sus compañeras le acribillan y pasa a ser el objeto de sus bromas.
La obra culmina durante el baile de fin de curso, allí Carrie es objeto de una novatada de muy mal gusto que supone el detonante de que sus poderes psíquicos se descontrolen. A través de sus poderes va a vengarse de sus compañeros y de media ciudad.
Para King la inspiración vino de una vecina suya que era una chica peculiar. Estaba obsesionada con los sorteos y concursos. La chica ganaba cosas extrañas, como el suministro de lapiceros, o un coche de colección, el cual permaneció durante años en el jardín. King recuerda que esta chica termino ahorcándose un día de verano.
Para el novelista, el fanatismo religioso de Carrie en realidad es una metáfora de la obsesión de miles de americanos por hacerse ricos de la noche a la mañana. King consideraba que la adolescencia es un momento donde se llevaban a cabo los ritos de iniciación que llevarían a los adultos a convertirse en lo que son. Estos ritos de iniciación sirven de abono en muchos casos para género de terror. Sirvan de ejemplo las mutaciones del hombre lobo o los ritos vampíricos.
Muertos vivientes
A mediados de los 70, la sociedad acababa de atravesar una aguda recesión económica que zarandeo el sueño americano. Por entonces, las clases medias y bajas habían comenzado a perder terreno de manera perceptible. Los muertos vivientes de George Romero llenaban los circuitos de películas de medianoche, se trataba de una alegoría acerca de las diferencias sociales, los que tienen y los que no (los muertos vivientes y los vivos) luchando por sobrevivir.
Stephen King ha querido representar a los miles de americanos que mantienen viva la fantasía cultural de la metamorfosis cultural.Todas las obras de King tienen en común su lenguaje populista, una prosa cercana al dialogo trascrito con una informalidad de la dicción casi total. El novelista sabe que muchos de sus lectores no lee ni escribe mucho.
Stephen King
El aspecto de King es el del clásico mito de transformación norteamericana. En las presentaciones siempre aparece vestido informalmente con vaqueros y deportivas dispuesto a hablar y beber una cerveza.
El hecho de que las obras de King sean capaces de despertar emociones y que la obra se base tanto en imágenes, ha hecho inevitable que fueran llevadas al cine.
Desde el año 1976 hasta la actualidad se considera que hay cerca de 60 películas que están basadas en obras de Stephen King, todas ellas con diferente suerte y calidad. La mayoría de ellas no han alcanzado ni de lejos el éxito comercial de sus novelas.
Excepción a esta norma supuso la primera novela llevada al cine, adaptación de Brian de Palma de Carrie (1976). De Palma se tomo cierto número de libertades con la historia y mejoró el producto con secuencias hitchokianas, la escena de la ducha la, el bautismo de sangre en el baile.(rodada en cámara lenta) y creó una nueva muerte para la madre de Carrie, en la película crucificada con utensilios de cocina. La novela ha sido llevada al cine en dos ocasiones más.
El resplandor (1980) de Stanley Kubrick fue una decepción tanto para los fans de King como de Kubrick, a pesar de que como todas las creaciones de Kubrick ha terminado siendo una película de culto para los fans del director.
Stephen King nunca comprendió esta adaptación, consideraba que los personajes de Kubrick eran fríos, más parecidos a hormigas que a hombres. Para King el director no había acertado ni con Wendy Torrance ni con el mismo Jack Torrance, personaje que él consideraba el mas autobiográfico de toda su creación.
Firestarter (Ojos de Fuego 1983) contó con Drew Barrymore, al niña de ocho años que había emocionado al mundo en E.T., Barrymore representó a una niña con poderes sobrenatural que le permitían encender fuegos con una simple mirada. Un reparto plagado de estrellas como George C. Scott, Martin Sheen, Lousie Fletcher, Art Carney, Heather Locklear y los impresionantes efectos especiales salvaron una película mediocre.
Christine la novela llevada al cine por de John Carpenter. fue vendída a la productora antes de ser publicada. Cuando los productores vieron la obra terminada encontraron en la obra de King una de sus novelas más flojas e inconsistentes. King había escrito la novela a golpe de drogas y Rock and Roll. El comienzo de cada capítulo contiene la letra de una canción de Rock por la que hubo que pagar muchos derechos de copyright. A pesar de ser una obra menor de Carpenter, la película tiene un par de escenas brillantes.
Cujo tambien de los años ochenta es una adaptación de una novela corta un director con menos talento como es Lewis, aunque a pesar de ser previsible responde a las expectativas típicas de terror.
The dead zone de David Cronenberg cuenta la historia del profesor Johnny Smith,(Christopher Walken) que descubre al despertar de un coma que tiene la capacidad de ver el futuro al tocar a las personas y que puede cambiarlo.
La novela La zona muerta fue enviada a Hollywood poco después de su publicación en 1979, varios guionistas y directores estuvieron involucrados en su producción antes de que Cronenberg se hiciera cargo del proyecto en 1982. Cuando llego a manos del director canadiense, Stephen King había intentado escribir un borrador del mismo guión. El guión del escritor necesitaba una adaptación que realizaron el propio Cronenberg y Boman.
Aunque la violencia se mantiene en la película, es menos gráfica y excesiva que la del libro. A pesar de que muchos críticos alabaron positivamente la adaptación de Cronenberg la película no tuvo el impacto popular que se merecía.
Perseguido 1983 es una película Basada en una de las novelas cortas que King escribió bajo el seudónimo de Richard Bachman, The Running Man, ofrece una visión futurista en el que los criminales deben luchar en shows imitando la lucha de gladiadores en juegos televisados y de éxito. A pesar de que estaba protagonizada por Arnold Schwarzenegger y dirigida por Paul Michael Glasser, la película pasó sin pena ni gloria druante los años 80.
En 1984 se estreno los chicos del maíz, basada en un cuento corto de King, la película de serie B, generó 14 millones de dólares de beneficios. Se realizaron varias secuelas. Hoy en día está considerada una película de culto.
Mucho mas intimista y personal es Stand By Me, de Rob Reinar. basada en la novela The body es una historia de adolescentes con un escritor y sus amigos de la secundaria, que se embarcan en un viaje poco probable para localizar el cuerpo de un niño desaparecido. A través de esta tarea, aprenden más sobre los demás y sobre sí mismos.
Esta adaptación es una pieza muy emotiva que explora diversos temores y ansiedades de la gente. La película ofrece una interesante perspectiva de la pureza y la inocencia de la amistad a una edad más joven. La película fue nominada al óscar a mejor guión adaptado.
En La mitad oscura (1993) de George Romero, Timothy Hutton interpretó a un escritor de novelas de terror en una clásica táctica autobiográfico de King.. Esta novela, además de llevarse al cine fue desarrollada como aventura gráfica por Symtus.
La película Misery 1990 es una de las cintas de más éxito de entre todas las adaptaciones de King. Protagonizada por James Caan y Kathy Bates, la cual ganó un oscar como mejor actriz fue dirigida por Rob Reiner y pasó a ser una de las adaptaciones más taquilleras.
En 1994 llega la que posiblemente es la mejor película adaptada de una obra de Stephen King, Cadena perpetua.(The ShanwShark Redemtion) Se trata de la Historia de un banquero de éxito injustamente Condenado a cadena perpetua por asesinar a su esposa. La película está ambientada en la Década de 1940, según la novela corta de King «Rita Hayworth y la redención de Shawshank».
Además de absorbente historia, gran parte del mérito de la película consiste en la dirección Frank Darabont y las interpretaciones igualmente conmovedoras de Tim Robbins y Morgan Freeman, la película es un pedazo de obra cinematográfica. A pesar de que no consiguió ningún óscar, recibió 7 nominaciones el mismo año que triunfó Forrest Gump.
Menos suerte tuvo Verano de corrupción (1998), una Adaptación de la novela de King centrada en un chico de secundaria que fascinado con el nazismo, se obsesiona con un anciano solitario que resulta ser un antiguo comandante de las SS. Su obsesión le lleva a cometer varios asesinatos.
La novela de King se aleja del terror para crear un thriller psicológico.
En The Green Mile» (1999) Darabont vuelve a adaptar una novela de King, en este caso ambientada durante la Gran Depresión. The green Mile muestra la vida de los guardias de la prisión y los presos en espera de ejecución. La eminente ejecución de un hombre negro acusado de asesinato y violación de niños incita a un dilema moral para los que descubren que tiene un don especial que logra sanar.
La película recibió nominaciones al Oscar a la mejor película, guión adaptado, sonido y actor de reparto.
Darabont despues de estas dos grandes películas vuelve a realizar una adaptación del cine en los años 2000 en la niebla. Una película de terror en la que lo terrible no son los seres de dos patas que están al acecho, es la propia naturaleza humana El guión adaptado por Darabont desarrolla cada personaje cuidadosamente demostrando que existe realmente química entre el director y el escritor.
En la ventana secreta (2004) de David Koepp de nuevo el protagonista, como en el resplandor, Misery o stand by me es un escritor, en este caso es Johnny Depp el solitario aislado a causa de su trabajo que se va a enfrentar a sucesos extraños. Koepp no convenció a nadie con esa adaptación que comienza de una forma brillante pero termina con un final previsible, decepcionante.
En los próximos dos años hay previstas 12 nuevas adaptaciones de las obras de Stephen King entre series largometrajes y cortos para cine y televisión. Destacan Cell de Tod Williams, interpretado por John Cusack y Samuel L. Jackson, así como The 10 o clock people, adaptación de Tom Holland. The Talisman será otra miniserie de tv que se espera que se estrene en el año 2015. En la misma línea que La Cúpula , una de las series de más éxito en los últimos años en Estados Unidos.
Esta vez nos quedamos con una pregunta.
¿ De entre todas las películas adaptadas de obras de Stephen King, cual es tu favorita?
Esta nueva versión de Frankenstein, se narra desde una perspectiva nueva la situación del conocido personaje dos siglos después de que el doctor Víctor Frankenstein le diera vida. Unas manipulaciones genéticas han permitido que el monstruo perviva desde su creación hasta la actualidad.
Las versiones de novelas y personajes de éxito han sido una constante en la historia del cine. Los productores saben que se enfrentan a un negocio seguro y los directores en ocasiones quieren realizar su propia versión de las historias que les han marcado su infancia.
Entre los personajes que han sido representados en más ocasiones nos encontramos con tres que han sido resucitados, repetidos, renovados en todos los formatos posibles. Los tres provienen del mundo de los “monstruos” y de novelas con varios siglos de antigüedad. Nos referimos a Frankenstein de Mary Shelley, Drácula de Bram Stoker y Doctor Jekill y Mr. Hide de Robert Louis Stevenson.
Comenzamos la primera entrega con el monstruo de Frankenstein
La génesis literaria de Frankenstein tiene lugar en 1816 cerca de Ginebra en Villa Deodari , durante una reunión en la que se encontraban Percy Shelley con su segunda esposa Mary, George Gordon, Lord Byron y el médico de Byron. Doctor Polidori.
Ginebra
Una noche, alguien sugirió que sería divertido inventarse alguna historia de fantasmas. Lord Byron narró un fragmento centrado en un Vampiro, que después se consideraría un preámbulo de “Drácula” de Bram Stroker. El doctor Polidori la desarrollaría como novela popular (aunque es bien sabido que se trataba de una historia de Byron). Esa noche, además, se habló del origen eléctrico de la vida y de la reanimación de cadáveres.
Mary Shelley
La joven Mary Shelley, que entonces tenía 17 años, tuvo una visión clara. Vio a un pálido estudiante de medicina arrodillándose junto a la criatura que acaba de crear. Era un fantasma inerte que movido por un extraño motor mostraba señales de vida, agitándose con un movimiento incómodo. Estas ensoñaciones terminaron plasmadas en la obra Frankenstein, un moderno Prometeo, que se publicaría dos años más tarde en tres volúmenes.
En el año 1910 la película se llevó al cine por primera vez, de la mano de Edison estudios. Se trataba de un corto de 20 minutos que la Edison volvió a publicar en el año 1990. Para ver al monstruo que ahora conocemos habría que esperar todavía dos décadas.
Antes La novela de Shelley se representaría en otros escenarios. Frankenstein llegó al teatro de la mano de otra mujer, Peggy Webling.
Peggy Webling
Webling vivió una infancia victoriana en la que los libros y la interpretación centraban su vida. Peggy había nacido con dotes teatrales. Ella y sus dos hermanas se exhibían por los mejores salones de Londres recitando poemas. Su popularidad era tal, que recibían peticiones de audiencias de los más famosos literatos y poetas de la época.
Cuando Peggy se hizo mayor se dedicó a escribir relatos. En 1927, Deane,que llevaba la representación de “Dracula “de gira por Europa, pidió a Webling que adaptara Frankestein. Eso sería el comienzo de una fórmula que seguiría capturando la imaginación del público durante todo el siglo XX.
Cuando la obra teatral llegó a Estados Unidos, la crisis del 29 había cambiado el panorama social radicalmente. Millones de personas esperaban un salvador, necesitaban una nueva y controvertida clase de entretenimiento. Las películas de gánster eran una buena solución, pero las que de verdad se demandaban, por la sociedad amargada y paralizada por el miedo, eran las películas de terror. Éstas ofrecían una huida instintiva, terapéutica,
En el año 1931 se estrenaría una versión de Drácula otra de Doctor Jeckill y Mr. Hide y surgiría el primer Frankenstein sonoro.
En un primer momento, se pensó en Bela Lugosi para interpretar el monstruo. Lugosi realizó una prueba dirigida por Robert Florey de casi 20 minutos de duración. El resultado no fue el que se esperaba. La opción de James Whale para dirigir la adaptación de la novela de Shelley resulto decisiva. Whale se decantó por Colin Clive como Victor Frankenstein y Mae Clarke como la prometida del joven estudiante. Quedaba pendiente encontrar al monstruo.
Jack P. Pierce un genio del maquillaje y el propio Whale buscaban algo especial. Ambos se encontraban bajo la influencia de la era de las máquinas, la obsesión por la nueva tecnología había llegado hasta los escenarios, de la mano de estética cubista, futurista, del expresionismo y de teorías arquitectónicas de la Bauhaus, Ambos buscaban a su particular monstruo.
Fueron los rasgos de la cara de Boris Karloff los que hicieron que director y maquillador le pidieran una prueba. Su actuación fue definitiva. Por primera vez Frankenstein presentaría esa estética que hoy representa el símbolo del monstruo con la cara cuadrada construida como un mecano con tornillos.
El Frankenstein de Whale, no contó con un presupuesto abultado, se rodó prácticamente en el interior de los estudios de cine. Algunas de sus escenas fueron censuradas, la más famosa de ellas, en la que Frankestein lanza a una niña al lago jugando con ella y la niña se ahoga, estuvo durante 50 años desaparecida víctima de la censura.
Esta primera versión dio paso a innumerables versiones más del monstruo, es casi imposible nombrarlas todas. the essential monster movie guide, de Stephen jones cataloga más de 65 películas diferentes sobre Frankenstein.
Las hay mejores y peores y algunas de ellas curiosas.
En 1939 el mismo director, Jack Whale, dirige La novia de Frankestein (1939). El monstruo por primera vez se enamora. Esta versión, daría lugar a una secuela posterior, La novia (1985), interpretada la actriz ochentera Jeniffer Beals.
Años más tardes se estreno Los fantasmas de Frankenstein, (1942) versión que fue interpretada por Lon Chaney Jr. El hijo del famoso hombre de las mil caras
A esta versión, le sigue su secuela Frankenstein encuentra al hombre lobo (1943). En esta ocasión se cambiaron los papeles. El hombre lobo fue interpretado por Lon Chaney Jr y el papel de monstruo fue interpretado por Bela Lugosi.
En 1973 Jack Smight dirigió una exitosa versión para la televisión. La Serie estaba interpretada por James Mason, leonard Whiting y Jane Seymour. Destacado el papel de David Mc Callum como el monstruo. La versión titulada Frankenstein: La verdadera historia, realiza un profundo análisis de los personajes de Shelley. Resulta realmente interesante.
En 1974 terence Fisher fracasa con su última realización, Frankenstein y el monstruo del infierno. La versión era una libre revisión del mito del Shelley. A pesar de que tenía méritos para tener una mejor acogida, por su dosis de imaginación, su fracaso comercial provocó la prematura retirada de su director. Destaca la interpretación de Peter Cushing como Victor Frankenstein. El actor ya había intervenido en la versión el diablo de Frankenstein(1964)
Hablar de Frankenstein es hablar también de Tim Burton. Eduardo Manostijeras se ha considerado la versión más libre y actualizada de Frankenstein de los últimos años. Burton escogió a Vicent Price como “padre” del monstruo que estaría interpretado por Johnny Depp.
Frankenweenie es el mejor tributo de Burton a la versión de Whale. Burton realizó un primer corto de 20 minutos que posteriormente convertiría en un largometraje de Stop Motion que se estrenó en el año 2012.
Frankenstein ha formado además parte de la familia Adams, el castillo de los monstruos y de géneros tan variopintos como la comedia que tiene en El Jovencito Frankenstein la principal representación
200 años después de que una adolescente soñara con un terrorífico monstruo creado por el hombre. El mito sigue vivo.
Nos quedamos con el tráiler de esta nueva versión del siglo XXI.
El director de cine Peter Jackson ha vuelto a insistir en que la secuela de las aventuras de Tintín sigue adelante. A pesar de que el proyecto se ha retrasado por el rodaje de la trilogía de la eternizada saga de los Hobbit, Jackson ha asegurado que comenzará el rodaje en los próximos meses. El estreno de la película está previsto para el próximo 2015.
En la anterior entrada las aventuras de Tintín,hicimos un recorrido por el universo cinematográfico y televisivo de Tintín. En este nos vamos a centrar en la que ha sido hasta ahora la mejor película de Tintín.
La película “Las aventuras de Tintín” supuso una recaudación de más de 300 millones de € en todo el mundo. Fue la primera película en ganar el globo de oro a la mejor película de animación, que no era de la factoría Pixar y Steven Spielberg, el director, recibió las mejores críticas de los últimos años.
Para realizar la película, se utilizó la técnica de captura de movimiento,(Mocap abreviado).El rodaje de dicha captura, se realizó en ocho semanas. Peter Jackson únicamente estuvo presente las dos primeras semanas, posteriormente entraba en contacto con el rodaje a través de videoconfencias.
Los equipos encargados de los efectos creativos de la película, a los que se le debe una parte importante del éxito del film, fueron Weta digital y Weta workshop. Weta digital es una empresa líder mundial en efectos especiales con sede en Nueva Zelanda, de la que Jackson es cofundador. Weta Workshop es un centro de diseño y creación digital con sede también en Nueva Zelanda. Ambas empresas han trabajado la trilogía de El señor de los anillos y King Kong.
Las dos empresas dedicaron a la película de Tintín 5 años de trabajo. Para mejorar la calidad de los matices de iluminación, la empresa Weta junto con NVIDIA desarrollaron un software a base de trazados de luz que daba una resolución mucho mayor que los mapeados tradicionales.
John Williams
La partitura musical fue compuesta por John Williams.“Las aventuras de Tintin” se planificó como una película tradicional de animación. Williams compuso la música a la que posteriormente se acoplarían las imágenes. Adaptar La captura de movimiento, (que difiere de la animación manual) a la música, supuso una dificultad inesperada, Williams tuvo que modificar parte de su partitura.
A pesar de que la película tuvo un gran éxito en Norteamérica, donde de verdad arrasó fue en Europa y resto del mundo. Los comics de Tintín habían formado parte de la infancia de cientos de niños europeos que, convertidos en adultos, esperaban ansiosos esta nueva versión cinematográfica. Spielberg sabía que el éxito de la película dependería de que los lectores de Tintín fueran capaces de identificar al protagonista de la animación con el joven periodista aséptico de los libros de su estantería. Para conseguirlo, tenía lograr que los personajes salieran de su tira de dibujos para convertirse en personajes con volumen, de una forma convincente. La película no decepcionó. Hasta los tintinólogos más convencidos vieron en la cinta de animación a sus personajes favoritos, palparon el ambiente y reconocieron el espíritu de Hergé en sus paisajes.
En ocasiones, se tiende a pensar que la creatividad digital es obra de técnicos que simplemente manejan ordenadores. Los creativos digitales son mucho más que simples técnicos, son los artistas del siglo XXI. En “las aventuras de Tintin” tuvieron que adaptar cada uno de los diseños de Hergé para darle volumen manteniendo la esencia minimalista que caracteriza a estos dibujos tan particulares.
El arte de la película las aventuras de Tintín es el arte de Hergé, (se documentaba para cada una de sus viñetas para copiar la realidad) y es el arte de los creativos de Wetaworkshop que fueron capaces de empaparse de los dibujos de Hergé para crear un producto adaptado a las nuevas tecnologías.
Hergé y Tintín al principio de la película.
Aunque sin duda alguna, la creación de los personajes y por supuesto la del propio Tintín fue el diseño que resulto más complicado de todo, resulta interesante detenernos en los paisajes de la película y el ambiente que está impregnado del estilo de Hergé.
En los archivos de Hergé abundan las fotografías de la flora y de la fauna marinas, peces variados y plantas acuáticas de diferentes clases. Las fotografías las utilizó para ilustrar la exploración submarina que Tintín hace de los restos del Unicornio. Un dibujo de Robert W. Nicholson para el National Geogrphic, que mostraba la exploración de los restos del Vasa, sirvió para ilustrar los restos del Unicornio hundido.
Dibujo realizado para el National Geographic en el que se basó Hergé
Dibujo de Hergé
Diseño para la película
Los creativos de Weta antes de realizar el diseño con el software 3d realizaron nuevos dibujos de las viñetas para adaptarlas posteriormente. Había que conseguir que las cosas parecieran más espectaculares a través de la profundidad, iluminación y ambiente pero conservando la estética y el estilo original.
El ajuste de los creativos a las viñetas fue absoluto. En el caso del hidroavión Short Sunderland el diseñador de Weta Workshop antes de realizar su propio diseño construyó una maqueta del modelo, al realizarla, se dio cuenta que Hergé había cambiado algunas cosas. Cuando las redibujo, decidió ceñirse al diseño del dibujante conservando los cambios que el belga había realizado.
Unicornio de Hergé
Diseño Unicornio para la pelicula
El Unicornio, el barco que es de gran importancia para el argumento, Hergé lo diseñó partiendo de un barco fabricado en el puerto de le Havre, en 1690, Le brillant. Hergé lo llamó Unicornio tomando el nombre y el mascarón de proa de una fragata inglesa del siglo XVIII. Para el diseño de la película, los creativos usaron los planos de Le Brillant y unos libros que explicaban cómo se construían los barcos de 74 cañones. El unicornio realmente tiene 54, así que realizaron un trabajo de adaptación para que resultara realista.
La idea del personaje de Rackham el Rojo, Hergé la tomó de un artículo dedicado a las aventuras erótico- marítimas de “mujeres piratas”. Uno de los trucos que los diseñadores de Weta utilizaron para conservar la fidelidad con los originales, fue mantener en todo momento a los personajes con el vestuario exactamente igual al del comic.
Karaboudjan de Hergé
Karaboujan de Spielberg
En la película también salen paisajes que corresponden al libro de Hergé “El cangrejo de las pinzas de oro”. En el álbum aparece el cuerpo de un marinero ahogado con cinco monedas falsas y una etiqueta rota de una lata que tiene anotado el nombre de Karaboudjan, tras algunas pesquisas, Tintín descubre que ese barco está atracado en el puerto y va a investigar.
Greesgarry
El Glengarry de Glasgow fue el modelo que sirvió a Herge para el Karaboudjan.
En la película ese muelle es el escenario de una lucha espectacular en la que las grúas de carga juegan un papel muy importante.
Para las escenas de acción fue definitivo captura de imagen, a pesar de facilitar las labores, Spielberg tenía claro que la animación tenía que ser retocada y creada fotograma por fotograma. Mocap no era simplemente la solución. A los movimientos se les añadieron los recursos típicos de los dibujos animados, estiramiento, aplastamiento, flexibilidad. Spielberg quiso que el departamento de animación se integrara más en el proceso de la película. Sabía que en este tipo de películas, la actuación del actor no es suficiente, es necesario exagerar los movimientos para que se parezcan a los dibujos animados.
Spielberg durante rodaje
A los directores de animación les dotó de un cierto grado de libertad para retocar los movimientos grabados.
Sin duda alguna la película de Spielberg es la película más lograda de Tintín hasta este momento. El director ha creado un nuevo tipo de animación en el que la captura de movimiento manipulada por el hombre da un resultado sorprendente y fascinante.
Esperamos que para la segunda parte, los directores sepan manejar esta nueva herramienta con moderación. Moderación en los movimientos de cámara, en el abrumador detalle gráfico y en la cantidad de cosas que suceden al mismo tiempo.
Ni Spielberg ni Peter Jackson son Brad Bird, pero tienen un buen equipo artístico a su cargo que pueden corregir los errores en la próxima aventura de Tintín.
Nos quedamos con El asunto tornasol, una de las historias sobre las que está trabajando Anthony Horowitz, guionista de Tintín 2
¿Que hubiera pasado si dos genios como Salvador Dalí y Walter Disney se hubieran encontrado y hubieran decidido colaborar juntos? La respuesta es “Destino”, el corto que tardó más de 60 años en hacerse realidad, que ha estado presente en la exposición del museo Reina Sofía.
Para los surrealistas, el cine era un medio perfecto de expresión. A través de él se podía explorar el reino de lo inconsciente. En el año 1924, Bretón escribió el manifiesto del surrealismo. Ese mismo año, el realizador Rene Clair dirigió “Ent`acte” una mezcla de comedia circense y lógica del sueño concebida para proyectarse en el intermedio de “Relache”, el ballet de Francis Picabia. La que se convertiría en la primera película surrealista
En 1928 Germaine Dulac realizó con un guión surrealista “La Coquille et le clergyman” película que quedó eclipsada por la aplaudida“El perro andaluz” de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
“El perro andaluz” además de considerarse la película surrealista más importante, es el primer acercamiento de Dalí al mundo del cine.
La cinematografía surrealista llegó a Norteamérica En 1932, de la mano de Julian Levy, dueño de una galería de arte de Nueva York. El galerista fue el primero en patrocinar un espectáculo surrealista. En esta exhibición innovadora se proyectaron películas experimentales de Fernand Leger y Man Ray.
http://www.youtube.com/watch?v=V7PQvkYYikU
Cuatro años más tarde, Dalí exponía su pintura en el museo de arte moderno de Nueva York. Por entonces, ya se había percatado de la gran influencia del surrealismo en Estados Unidos, que había encontrado en el mundo del arte en general. Se había sorprendido de que hasta los dibujos animados. hubiera llegado el movimiento vanguardista.
Dalí consideraba que la animación era un medio muy válido para dar forma y expresión al surrealismo. Reconoce que los animadores tienen que estar aplicando los principios del movimiento de una forma consciente en las películas que van creando.
Prueba de ello eran muchos dibujos de la época. Los cortos de Mickey, la escapada en el bosque de Blancanieves o los paisajes de Make mine Music que tienen claras influencias de paisajes de Dalí de Chirico. Esta misma escena de Dumbo es una prueba del surrealismo de Disney.
Cuando en 1937 Dalí visita California. El propio pintor escribe a Bretón para contarle que en Hollywood había conocido a tres grandes surrealistas. Los hermanos Marx, Cecil B. de Mille y Walt Disney.
Dalí y Disney se conocieron en una fiesta de los estudios Disney. Ya desde el primer encuentro descubrieron que podrían hacer cosas juntos. A pesar de que puede parecer que se enfrentaban personalidades diferentes, ambos tenían muchas cosas en común. Los dos eran dos genios con mucha visión empresarial y que les gustaba el dinero.
Además, ambos eran adictos al trabajo, admiraban la pintura realista mezclada con la fantasía romántica y adoraban la ilustración al estilo victoriano. A Dalí le llamaba mucho la atención la animación, la consideraba una forma de arte libre de todas las cosas accidentales que ocurren en acción en vivo. Y Disney admiraba profundamente al Dalí pintor.
Ambos también compartían una mente rápida y una visión extraordinariamente optimista.
En 1945 Dalí se introdujo en el cine comercial gracias a la colaboración que estaba realizando con Hitchcock para la escena onírica del Thriller Spellbound (Recuerda).
Al año siguiente, en enero 1946 Dalí firmo el contrato con Disney, lo hizo por una suma que jamás se reveló, aunque Disney siempre considero que el artista era muy caro. El pintor comenzó a trabajar el 7 de febrero de ese mismo año en el estudio Burbank.
Como punto de partida para lo que sería “Destino” Se contaba con una balada mexicana que había sido desechada de “Los tres Caballeros” La canción hacía referencia al anhelo por el amor perdido. A pesar de que el argumento inicialmente era una simple historia de una chica que ha perdido su amor y busca consuelo, Dalí vio mucho más. El genio quiso expresar el problema de la vida por medio de una exposición mágica que mostrara el laberinto del tiempo.
El pintor pensó en “Destino” como una serie de cortos enlazados con historias independientes que formaran un largometraje completo.
Durante los primeros tres meses, Dali trabajó ocho horas seguidas diariamente creando bocetos y lienzos, en muchas ocasiones le acompañaba Gala. El dibujante, adaptado a la disciplina de Burbank , trabajó estrechamente con uno de los mejores hombres del estudio, John Hench, al que llamaban el “ tio del ratón Mickey “. En esos meses se crearon los primeros 15 minutos de animación. La animación terminada estaba compuesta por las cabezas grotescas encima de caparazones de tortuga que convergían para formar una bailarina con una pelota de beisbol.
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A pesar de que al principio Disney estaba satisfecho con el trabajo de Dalí, al que consideraba comunicativo y lleno de ideas, el proyecto tuvo que suspenderse. Roy O. Disney, cabeza contable de la factoría no vio claro el proyecto. Lo consideraba sofisticado para el espectador y la empresa no podía arriesgarse a un nuevo fracaso.
Unos años antes, en 1940 otro proyecto “Fantasía” había sido un desastre comercial. La película también tenía influencias de los vanguardistas Kandinsky y Miró.
Según cuentan Frank Thomas y Ollie Jhonston (dos famosos animadores de Disney) en su libro “la ilusión de la vida”. En realidad lo que pudo pasar es que el resultado no era exactamente lo esperado. La secuencia de Dalí era realmente surrealista, nada que ver con el “surrealismo” que ellos utilizaban hasta ese momento. Por otra parte el ego de Disney también tuvo que ver en la supresión de la película. Disney estaba acostumbrado a tener el control de todas sus películas, el remodelaba y cambiaba todos los originales a su gusto. En la colaboración con Dali eso era imposible.
A lo largo de los años siguientes, Dali y Disney continuaron siendo amigos. El matrimonio Disney visitó a los Dalí en Cadaques en 1957, allí planearían nuevos proyectos como la creación de Don Quijote, un infierno de Dante y un Cid Campeador. Finalmente, no volvieron a colaborar más.
60 años después del encuentro entre los dos genios, Roy E. Disney, sobrino del famoso dibujante, localizo los bocetos y decidió que sería interesante realizar un trabajo con ellos. La factoria quería volver a las raíces asentadas en el arte de los viejos estudios Disney.
El primer problema con el que encontró Roy fue que las ilustraciones de Destino no pertenecían legalmente a Disney hasta que la película estuviera terminada. Tenían que ponerse, por tanto, manos a la obra a finalizar la obra inacabada de Dalí.
Un equipo de 6 ó 7 personas revisó por encima el material. Era un guion grafico. Imágenes sin numerar. Todos veían claro cuál era el principio de la película y cual el final, pero la parte central de la historia no tenía sentido, era como un puzle lleno de piezas sin unir. Después de recorrer el guión en todas las direcciones posibles encontraron el modo de darle sentido a la historia. Les ayudo un texto de Gala localizado en una revista.
El resultado, una elegante exploración simbólica de las emociones, la alegría y el dolor de una relación amoroso adulta contada a través de constante metamorfosis. Con imágenes sensuales y oníricas. El corto no posee el erotismo desbordado propio de Dali, pero si posee la mayoría de las imágenes surrealistas que se relacionan con el genio; Los relojes derretidos, los vastos paisajes áridos, las sombras alargadas. Incluso hormigas que abandonan su escondite para formar un grupo de ciclistas.
La reconstrucción del corto costó 1,2 millones de Euros.
Un buen homenaje al gran genio de la pintura que fue Salvador Dalí y al rey de la animación Walter Disney y para recordar aquel momento en el que dos genios se encontraron y se miraron de frente a los ojos.
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