Un cartel raro de la película “Metrópolis”, vendido en subasta por casi un millón de dólares, es el que ostenta el record de poster de cine más caro de la historia. El cartel, según los rumores adquirido por Leonardo Di Caprio, fue realizado para la versión internacional de la película.
No estamos ante un caso aislado, el cartel de cine Vintage se ha convertido en un objeto de lujo en la actualidad. Muchas subastas de arte incluyen entre sus lotes carteles de cine, publicitándolos como autenticas obras de arte. Lo cierto es que el precio al que se cotizan no tiene nada que envidiar a un óleo o acuarela de un pintor reconocido.
Un cartel de cine auténtico (antiguo ), puede costar de 1 500 a 3.000€ aunque en ocasiones aparecen poster más baratos o carteles que se llegan a vender por precios por encima del medio millón de dólares.
El cartel de Frankenstein de la Universal fue vendido en 1993 por 180.000€
La momia fue adquirida en subasta por 435.000$
El coleccionismo de objetos de cine comenzó con libros de recuerdos, autógrafos, fotografías y revistas de cine. Después de la II guerra mundial los coleccionistas comenzaron a buscar todo tipo de material publicitario original. Fue en ese momento cuando el cartel de la película se convirtió en uno de los objetos más buscados.
Hoy en día, los compradores de recuerdos de películas se han convertido en una comunidad reconocida a nivel internacional de acaudalados coleccionistas cada vez más poderosos. Lo que ha convertido todos los objetos relacionados con el cine antiguo en un elemento muy apropiado para la inversión.
La primera subasta de una casa importante que presentó un lote de carteles de cine tuvo lugar el 11 de diciembre de 1990. La prestigiosa casa de subastas Christie subastó 271 carteles de películas de época.
El éxito de los poster de época ha promovido una nueva industria; la venta de carteles reimpresos ya sea con licencia o ilegalmente. Las imágenes son las mismas que las originales, lo que las distingue de las genuinas es el tamaño, calidad de impresión, y el tipo de papel. La mayoría de las casa de subastas, entregan «pruebas de autenticación» para distinguir los originales de las reproducciones.
El cartel de película nace al mismo tiempo que la industria del cine. Se considera el primer cartel de cine el del cortometraje “El Jardinero” de los hermanos Lumiere.
, Primer cartel de cine de la historia. El jardinero de los hermanos Lumiere
Cuando aparece el cine, la publicidad en papel ya estaba inventada. Los recintos feriales y teatros ya se anunciaban con imágenes publicitarias.
El espectáculo cinematográfico enseguida crea un género autónomo en la cartelería.
Fue Thomas Edison el que ajusta el tamaño estándar de poster, que sería conocido como “el general” que sería utilizado en las vitrinas de vidrio del interior y exterior de las salas de cine.
Cartel cinematográfico de Edison
Empresas francesas como Gaumont Pathé editaban sus propios carteles que realizaban ellos mismos o encargaban a artistas o talleres especializados. Ellos fueron los que instauraron la firma del artista, artesano que intervenía en ese nuevo género independiente.
En ocasiones, el estudio presentaba una fotografía para ser utilizada en el cartel. Había reglas estrictas de censura que obligaban a que los dibujos fueran inocentes y no mostraran escenas que resultaran atrevidas. No era habitual que hubiera estrellas de cine en las primeras películas. Los actores eran anónimos.
En la década de 1910, los nickelodeons se empezaron a reemplazar por las salas de cine. En el interior de las salas, los poster de los vestíbulos se cambiaron por grupos de 8 fotogramas que mostraban escenas de la película. Al principio eran en blanco y negro, después se sustituirían por fotogramas en color. A este tipo de imágenes se les llama Lobby cards.
Uno de los primeros Lobby Cards que se conservan.
Los Lobby cards siguieron conservándose durante muchas décadas.
En esa década también aparecieron los grandes anuncios en los cines. Eran poster 24 veces más grandes que los tradicionales que se veían desde los coches. Surgieron también las «tarjetas de ventana», que servía para anunciar próximos estrenos. . Como parte de la campaña de publicidad de películas, en 1917 los estudios creados «libros de prensa», que podría ser parte de un «kit de prensa», que anuncian la película de una manera eficaz.
A finales de la década, el público quiere conocer los nombres de los actores y actrices. Se internacionaliza el cine y la nueva industria norteamericana comienza a convertir en estrellas a los actores. Esta nueva dimensión del cine coincide con la evolución de la tecnología de impresión. Es el fin de la imaginería fin de siglo. Aparece “El cartel de cine” con las características que conocemos en la actualidad.
Cartlel de los años 20 en el que aparece retratada la estrella Mary Miles
En la década de 1920, las salas de cine se transforman en hermosos edificios. Las ilustraciones de antaño se transforman en carteles artísticos. Conocidos artistas se encargan de diseñar retratos de las estrellas famosas. Los carteles empiezan a contar la historia de la película.
Cartel años 20
La famosa It girl Clara bow
Avanzada la´década surge el cine sonoro. Se dispara la asistencia de público, lo que conlleva que el negocio cinematográfico alcance su plenitud.
En los años 30 se asiste a la «Edad de Oro del Cine». Nacen los grandes musicales de Hollywood, las películas de gángsters legendarios y las películas de terror. Esta etapa culmina con una de las películas más legendarias de la historia del cine. “Lo que el viento se llevó.
Ejemplo de cartel Art Decó de final de los años 30
Los carteles de los años 30 estaban influenciados por el Art Decó, popular en ese momento. Este arte se caracteriza por los diseños geométricos y colores muy llamativos. Había variaciones de tamaños y formas de letras. Cada productora fabricaba sus propios carteles con características particulares.
la Gran Depresión lleno las salas de cine de público. Las películas eran una buena forma de evadirse de la realidad. Personajes vacios, historias maravillosas que hacían soñar. No solo los dueños de salas de cine se lucraron del florecimiento del cine, las empresas de carteles de cine se multiplicaron. Eran una buena alternativa para pintores y artistas.
Los años 40 trajeron la a Segunda Guerra Mundial. Muchas de las estrellas como James Stewart y Clark Gable lucharon en el frente, Los actores que no estaban luchando en la guerra, hacían películas de guerra que servían de propaganda patriótica. Cuando la guerra había terminado, había que reflexionar y analizar cómo los acontecimientos habían influido en las vidas de la gente. películas como “La señora Miniver” y” Los mejores años de nuestras vidas.” Son dos ejemplos.
En los años 50 se asiste a la llegada de la televisión. Las grandes estrellas firman contratos millonarios para salir en antena. El cine tiene que buscar una nueva alternativa para luchar con este nuevo competidor.
El cine, se refugia en nuevos temas de fantasía, ciencia ficción y comedia. Se añaden nuevas formas de distribución; autocines al aire libre y sesiones de cine “serie B” Aparecen también nuevas tecnologías que se integran en el cine, como el cinemascope o las películas e inventos 3D de los que William Castle era un maestro. Surgen las grandes superproducciones históricas que vendrían acompañadas de carteles espectaculares.
En los primeros años surgen los enfoques conceptuales, se hace hincapié en la tipografía y se dan pistas sutiles en cuanto al contenido de la película que forma el fondo del tipo.
A mitad de la década, surgen las revistas de cine que tenían grandes fotografías en color de las grandes estrellas de cine. Estas revistas pioneras fueron las que originaron que las compañías cinematográficas adoptaran carteles más parecidos a fotografías. Fue el comienzo de los carteles fotográficos.
En los años 60, la televisión estaba en el punto de mira de la censura. Las películas tenían más libertad de movimientos y esto atrajo de nuevo al público. La posibilidad de proyectar historias más subidas de tono, mostrar desnudos y blasfemias dio cierto respiro al cine durante las siguientes décadas. En cuanto al diseño de carteles, la tipología adquiere un papel más protagonista Las ilustraciones se sitúan en segunda línea, jugando un papel más periférico que adorna las letras. .
Los años70 para el cine son años en los que conviven cineastas clásicos con nuevos directores. Los carteles de este tiempo continúan utilizando la fotografía pero se mezclan con estilos de dibujo y pintura. En ocasiones se utilizaban artistas famosos como Ansel Adams, Frank Frazetta y Bob Peak que crearon algunos grandes carteles.
Con la llegada de los Blockbuster y películas de efectos especiales se inaugura la década de los años 80. A finales de la década y durante los 90 surgirían el video y aparecen nuevos carteles que deben ser aplicados a las cintas de video.
Los carteles empiezan a ser como los conocemos actualmente, fotografías superpuestas sobre fondos fotográficos sobre las que destacan los grandes actores con sus nombres o símbolos que determinan lo fundamental de la pelçicula.
En la década de 2000 nacen las tendencias que se mantienen hasta la actualidad. El diseño sigue siendo el mismo, publicitario y conceptual. Los carteles varían según las modas tipográficas y fotográficas.
Los carteles tienen que transmitir la característica fundamental de la película. En algunos casos se destacan los actores, la estética de la película o el ambiente que predomina.
El cartel forma una unidad con la película. Es la ventana por la que el público debe asomarse a la representación. Realizar un cartel no es una labor sencilla.
Nos quedamos con una recomendación. El documental “ Drew: The Man Behind the Poster” dedicado Drew Struzan, el artista que ha creado varios de los carteles más emblemáticos de los últimos 30 años entre los que se incluyen, «Indiana Jones», «Regreso a futuro «y» Star Wars «,entre muchos otros.
Desde los comienzos del cine, a finales del siglo XIX, la pintura ha servido de inspiración para el cine. Muchos directores han reconocido la influencia que el arte estático ha tenido en sus películas.
La visión artificial de la pintura, la perspectiva, la luz y el ambiente ha servido para que algunos cineastas se apoyaran en cuadros clásicos para crear el ambiente de su historia o su escenografía.
Conocido es el caso del cine expresionista con una marcada influencia del expresionismo pictórico; decorados estilizados, iluminación contrastada, gestos y expresiones de emociones y sentimientos por encima de la realidad.
No es el expresionismo el único movimiento que ha dejado huella en el cine, Autores de todas las épocas han servido como modelo para cineastas del siglo XX o contemporáneos.
Alfred Hitchcock en “La ventana indiscreta” realiza una reflexión sobre la soledad de la vida en las ciudades. Lo hace con una visión voyeur, observando el comportamiento ajeno. En la película se pueden reconocer rasgos de la pintura de Edward Hopper, el pintor de la soledad de la vida norteamericana.
De la misma manera que en Hopper en su cuadro “Ventanas en la noche” se ilumina el interior de los apartamentos produciendo una sensación de humanidad enjaulada, en “La ventana indiscreta “ Hitchcock nos muestra el aislamiento en las grandes ciudades.
La casa de “Psicosis” de Hitchcock tiene un gran parecido con “La casa junto a la via del tren” de Edward Hopper. La característica principal de esta casa es que no está ubicada en ningún sitio concreto, no hay nada que nos de información del lugar en el que nos encontramos. Esto enfoca la curiosidad hacia el interior de la mansión, solamente importa qué está sucediendo en el interior.
Ciertos pintores resultan especialmente “cinematográficos” por las características de su pintura. Doré es uno de ellos. Su gran imaginación y talento para las composiciones dramáticas lo convierten en un “pintor de fotogramas”.
Sus composiciones están formadas por un solo foco de luz en el centro del cuadro. El foco crea un punto culminante y al mismo tiempo un fondo oscuro que permite contrastar y crear ambientes épicos.
Gustave Dore nació en Estrasburgo. La mayor parte del tiempo trabajó en Francia. Sus ilustraciones más famosas fueron las realizadas para “El infierno de Dante” (1861) “Las aventuras del Baron Munchausen” (1862) “Don quijote” (1862), “Atala” (1864) y “La biblia” (1866).
Doré influyó sobre famosos pintores como Van Gogh y sobre muchos ilustradores del siglo XX.
No sólo inspiró a pintores, Cecil B.De Mille quedó tan impresionado por las imágenes bíblicas de Gustave Doré que tomo varios de sus grabados para usarlos en varias de sus películas. Algunas ilustran escenas exóticas de “Los diez mandamientos”(1923) o “Sanson y Dalila” (1949)
Influencia de Doré también podemos encontrarla en “King Kong” (1933) en concreto en los escenarios del interior de la isla de la Calavera. Fueron las ilustraciones de “Atala” (1864) las que sirvieron de inspiración.
Otros pintores prácticamente desconocidos han servido como inspiración para el cine.
John Martin es un pintor inglés prácticamente desconocido en España. Su uso de la profundidad y la luz, así como su imaginación romántica lo convierten en una buena fuente de inspiración para escenarios fílmicos. Martin ha realizado espectaculares escenas apocalípticas.
Nació en Northumberland, en el norte de Inglaterra. Realizó su primera exhibición a los 23 años. Su obra “Sadak in Search of the waters of Oblivion “(1812) ha servido de inspiración para “La Isla misteriosa” (Hubbard, 1929).
La luz y la perspectiva de ”Joshua Commanding the Sun to Stand still” (1816) sirvieron de base para los escenarios de “Los últimos días de Pompeya” (Schoedsack, 1935)
”Joshua Commanding the Sun to Stand Still” John Martin
Otro de los pintores, desconocidos que han influido en la escenografía de películas épicas es Joshep Michael Gandy. (1771-1843)
Gandy, fue un artista inglés, visionario arquitecto y teórico de la arquitectura. Más conocido por sus pinturas imaginativas a pesar de que gran parte de su vida profesional la dedicó a trabajar para el arquitecto John Soane.
Su pintura más famosa, “Jupiter Pluvius” fue exhibida en 1819. Sus acuarelas y oleos estaban llenos de arquitectura espectacular.
“Jupiter Pluvius” ha sido una gran influencia para el diseñador y animador de Stop motion Ray Harryhausen. En los diseños realizados para su película “Jason y los argonautas” (Chaffey, 1963) se pueden ver la huella del arquitecto-pintor ingles.
Dibujos realizados para la película «Jason y los Argonautas.»
No solo los escenarios están influenciados por la pintura. El propio Harryhausen reconoce en el pintor americano Charles Robert Knight (1874-1953) una gran referencia para el diseño de sus animales.
Knight fue un pintor pionero en la colaboración con paleontólogos. Colaboró con su amigo Henry Fairfield Osborn, presidente del museo americano de Historia natural , en la reconstrucción de los fósiles localizados por paleontólogos y zoólogos. .
Knight era un pintor meticuloso que utilizaba métodos nuevos. Realizaba modelos en tres dimensiones antes de dibujarlos y texturizarlos en un lienzo.
Los diseños de la película “The Lost Word “ y “King Kong” son dos de los ejemplos donde se ven pinturas de Knight como “Before de dawn”.
Se ha descrito también la influencia del pintor Caravaggio en escenas de Martin Scorsese en cuanto al tratamiento de la oscuridad, la luz y la composición. Nos quedamos con un video en el que el propio Scorsese habla sobre el pintor.
El video mapping es una de las técnicas audiovisuales más espectaculares que existen. La técnica consiste en proyectar imágenes de vídeo en edificios, fachadas, estructuras o casi cualquier tipo de superficie compleja o sobre un objeto 3D para romper la percepción del espectador de la perspectiva.
La proyección permite destacar cualquier forma, línea y espacio.A través de esas proyecciones se crean ilusiones ópticas sorprendentes, sugerentes juegos de luz y se transforman objetos físicos en casi cualquier otra cosa, logrando que el espectador cambie su percepción de la realidad.
El video-mapping es una técnica relativamente moderna que está en plena efervescencia. La razón de su éxito es que el público se involucra emocionalmente en el show. Se encuentra frente a un nuevo espacio virtual que resulta sorprendente y emocionante.
Por tanto es importante aclarar que para vivir esta experiencia es obligado estar presente donde se proyecta el performance. Desde aquí solamente podemos dar un simple testimonio de algunas de los mejores mappeos que se han realizado.
El mappeo de video no es una técnica barata. Se necesita un proyector de una gran potencia (unos 20.000 lúmenes) que ronda los 100.000€, por esta razón, generalmente los mappeos son proyectos patrocinados por empresas que esperan un trabajo artístico y llamativo.
A pesar de lo costoso del proyecto, hay demanda ya que es verde y limpio, no necesita pinturas ni componentes químicos y no daña el edificio-objeto.
El Video mapping se ha utilizado generalmente para el ámbito arquitectónico como servicio público y museístico. Un ejemplo de esto lo encontramos en la proyección que se realizó en Texas para las celebraciones del nuevo año 2010.
El artista tiene que tener en cuenta muchas cosas a la hora de enfrentarse a su proyecto. La música y el sonido son de los componentes más importantes de la perfomance. Todos los efectos especiales tienen que formar parte de la música.
Turismo de Viena para culminar su campaña llamada “Viena Now or newer” proyectó en Londres este espectacular Audiovisual 3d.
Turismo de Dallas tampoco se quedo corto con esta otra proyección sobre uno de los edificios de la ciudad.
No solo se puede proyectar sobre edificios antiguos o en ruinas. Sobre moderna arquitectura, el video mapping logra unos efectos impresionantes como este de Kraft Work en Wolfsburg.
Actualmente la publicidad es uno de los medios que más ha utilizado este tipo de guerrilla creativa, con unos resultados realmente satisfactorios.
Este edificio de Ámsterdam, tienda insignia de H & M. se utilizó para que durante más de 3 minutos, los invitados y una multitud reunida disfrutaran de un cuento de hadas surrealista de luz y efectos mágicos. Una cinta roja envuelta alrededor del edificio se desenredó y transformó el edificio en una casa de muñecas de colores en el que nada es lo que parece.
¿Qué se obtiene cuando se combina un castillo milenario con la última tecnología de proyección y una música realmente cañera ? Eso fue lo que se planteó al enfrentar ACDC contra Iron Man en un innovador proyecto arquitectónico de mapeo. La fachada frontal del castillo de Rochester, fue El protagonista absoluto de este edificio que cobró vida usando lo último en técnicas de animación en 3D.
Ralph Laurent es otra de las marcas que se apunta a la guerrilla creativa proyectando sobre su edificio un completo desfile de modelos y sus catálogos de ropa
[vimeo http://vimeo.com/16723278]
A pesar de que los edificios son generalmente los lienzos sobre los que se proyecta el audiovisual, cualquier objeto puede ser el elemento sobre el que se pueden realizar proyecciones de video. La publicidad de coches en muchas ocasiones se ha realizado con esta técnica. Con esta técnica se pueden presentar nuevos modelos o acudir a ferias protagonizando momentos inolvidables.
Simples cajas pueden servir también para despertar los sentidos y crear un proyecto artístico y visual. Como el caso de este video que se proyecto en el Congreso Mobile de Barcelona. Alcatel la encargó para deleitar a todos los asistentes.
[vimeo http://vimeo.com/10692284]
El Video mapping es una de las técnicas que más está evolucionando en la actualidad. Realizar un video para proyectar se ha convertido en una realidad al alcance de cualquiera. Existe software gratuito (como VPT) que permite aprender la técnica y ensayar en el propio domicilio simplemente con una caja de cartón.
El futuro nos va a deparar muchas sorpresas, sin duda.
Me quedo con el primer Video Mapping permanente de Europa. Desde el año 2013, las ruinas de castillo de Breda, una fortificación de principios del siglo XIX situada cerca de la frontera oriental de Hungría, se han convertido en nueva atracción turística de la zona.
¿Que hubiera pasado si dos genios como Salvador Dalí y Walter Disney se hubieran encontrado y hubieran decidido colaborar juntos? La respuesta es “Destino”, el corto que tardó más de 60 años en hacerse realidad, que ha estado presente en la exposición del museo Reina Sofía.
Para los surrealistas, el cine era un medio perfecto de expresión. A través de él se podía explorar el reino de lo inconsciente. En el año 1924, Bretón escribió el manifiesto del surrealismo. Ese mismo año, el realizador Rene Clair dirigió “Ent`acte” una mezcla de comedia circense y lógica del sueño concebida para proyectarse en el intermedio de “Relache”, el ballet de Francis Picabia. La que se convertiría en la primera película surrealista
En 1928 Germaine Dulac realizó con un guión surrealista “La Coquille et le clergyman” película que quedó eclipsada por la aplaudida“El perro andaluz” de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
“El perro andaluz” además de considerarse la película surrealista más importante, es el primer acercamiento de Dalí al mundo del cine.
La cinematografía surrealista llegó a Norteamérica En 1932, de la mano de Julian Levy, dueño de una galería de arte de Nueva York. El galerista fue el primero en patrocinar un espectáculo surrealista. En esta exhibición innovadora se proyectaron películas experimentales de Fernand Leger y Man Ray.
http://www.youtube.com/watch?v=V7PQvkYYikU
Cuatro años más tarde, Dalí exponía su pintura en el museo de arte moderno de Nueva York. Por entonces, ya se había percatado de la gran influencia del surrealismo en Estados Unidos, que había encontrado en el mundo del arte en general. Se había sorprendido de que hasta los dibujos animados. hubiera llegado el movimiento vanguardista.
Dalí consideraba que la animación era un medio muy válido para dar forma y expresión al surrealismo. Reconoce que los animadores tienen que estar aplicando los principios del movimiento de una forma consciente en las películas que van creando.
Prueba de ello eran muchos dibujos de la época. Los cortos de Mickey, la escapada en el bosque de Blancanieves o los paisajes de Make mine Music que tienen claras influencias de paisajes de Dalí de Chirico. Esta misma escena de Dumbo es una prueba del surrealismo de Disney.
Cuando en 1937 Dalí visita California. El propio pintor escribe a Bretón para contarle que en Hollywood había conocido a tres grandes surrealistas. Los hermanos Marx, Cecil B. de Mille y Walt Disney.
Dalí y Disney se conocieron en una fiesta de los estudios Disney. Ya desde el primer encuentro descubrieron que podrían hacer cosas juntos. A pesar de que puede parecer que se enfrentaban personalidades diferentes, ambos tenían muchas cosas en común. Los dos eran dos genios con mucha visión empresarial y que les gustaba el dinero.
Además, ambos eran adictos al trabajo, admiraban la pintura realista mezclada con la fantasía romántica y adoraban la ilustración al estilo victoriano. A Dalí le llamaba mucho la atención la animación, la consideraba una forma de arte libre de todas las cosas accidentales que ocurren en acción en vivo. Y Disney admiraba profundamente al Dalí pintor.
Ambos también compartían una mente rápida y una visión extraordinariamente optimista.
En 1945 Dalí se introdujo en el cine comercial gracias a la colaboración que estaba realizando con Hitchcock para la escena onírica del Thriller Spellbound (Recuerda).
Al año siguiente, en enero 1946 Dalí firmo el contrato con Disney, lo hizo por una suma que jamás se reveló, aunque Disney siempre considero que el artista era muy caro. El pintor comenzó a trabajar el 7 de febrero de ese mismo año en el estudio Burbank.
Como punto de partida para lo que sería “Destino” Se contaba con una balada mexicana que había sido desechada de “Los tres Caballeros” La canción hacía referencia al anhelo por el amor perdido. A pesar de que el argumento inicialmente era una simple historia de una chica que ha perdido su amor y busca consuelo, Dalí vio mucho más. El genio quiso expresar el problema de la vida por medio de una exposición mágica que mostrara el laberinto del tiempo.
El pintor pensó en “Destino” como una serie de cortos enlazados con historias independientes que formaran un largometraje completo.
Durante los primeros tres meses, Dali trabajó ocho horas seguidas diariamente creando bocetos y lienzos, en muchas ocasiones le acompañaba Gala. El dibujante, adaptado a la disciplina de Burbank , trabajó estrechamente con uno de los mejores hombres del estudio, John Hench, al que llamaban el “ tio del ratón Mickey “. En esos meses se crearon los primeros 15 minutos de animación. La animación terminada estaba compuesta por las cabezas grotescas encima de caparazones de tortuga que convergían para formar una bailarina con una pelota de beisbol.
http://25.media.tumblr.com/tumblr_lwqfuaN1By1qk0dq5o1_500.gif
A pesar de que al principio Disney estaba satisfecho con el trabajo de Dalí, al que consideraba comunicativo y lleno de ideas, el proyecto tuvo que suspenderse. Roy O. Disney, cabeza contable de la factoría no vio claro el proyecto. Lo consideraba sofisticado para el espectador y la empresa no podía arriesgarse a un nuevo fracaso.
Unos años antes, en 1940 otro proyecto “Fantasía” había sido un desastre comercial. La película también tenía influencias de los vanguardistas Kandinsky y Miró.
Según cuentan Frank Thomas y Ollie Jhonston (dos famosos animadores de Disney) en su libro “la ilusión de la vida”. En realidad lo que pudo pasar es que el resultado no era exactamente lo esperado. La secuencia de Dalí era realmente surrealista, nada que ver con el “surrealismo” que ellos utilizaban hasta ese momento. Por otra parte el ego de Disney también tuvo que ver en la supresión de la película. Disney estaba acostumbrado a tener el control de todas sus películas, el remodelaba y cambiaba todos los originales a su gusto. En la colaboración con Dali eso era imposible.
A lo largo de los años siguientes, Dali y Disney continuaron siendo amigos. El matrimonio Disney visitó a los Dalí en Cadaques en 1957, allí planearían nuevos proyectos como la creación de Don Quijote, un infierno de Dante y un Cid Campeador. Finalmente, no volvieron a colaborar más.
60 años después del encuentro entre los dos genios, Roy E. Disney, sobrino del famoso dibujante, localizo los bocetos y decidió que sería interesante realizar un trabajo con ellos. La factoria quería volver a las raíces asentadas en el arte de los viejos estudios Disney.
El primer problema con el que encontró Roy fue que las ilustraciones de Destino no pertenecían legalmente a Disney hasta que la película estuviera terminada. Tenían que ponerse, por tanto, manos a la obra a finalizar la obra inacabada de Dalí.
Un equipo de 6 ó 7 personas revisó por encima el material. Era un guion grafico. Imágenes sin numerar. Todos veían claro cuál era el principio de la película y cual el final, pero la parte central de la historia no tenía sentido, era como un puzle lleno de piezas sin unir. Después de recorrer el guión en todas las direcciones posibles encontraron el modo de darle sentido a la historia. Les ayudo un texto de Gala localizado en una revista.
El resultado, una elegante exploración simbólica de las emociones, la alegría y el dolor de una relación amoroso adulta contada a través de constante metamorfosis. Con imágenes sensuales y oníricas. El corto no posee el erotismo desbordado propio de Dali, pero si posee la mayoría de las imágenes surrealistas que se relacionan con el genio; Los relojes derretidos, los vastos paisajes áridos, las sombras alargadas. Incluso hormigas que abandonan su escondite para formar un grupo de ciclistas.
La reconstrucción del corto costó 1,2 millones de Euros.
Un buen homenaje al gran genio de la pintura que fue Salvador Dalí y al rey de la animación Walter Disney y para recordar aquel momento en el que dos genios se encontraron y se miraron de frente a los ojos.
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