“Los niños del paraíso” (Les enfats du paradis ) ha sido considerada por críticos y profesionales galos como la mejor película francesa de todos los tiempos. La obra maestra de Marcel Carné fue rodada durante la ocupación alemana aunque no vió la luz hasta después de la liberación de Francia. En España no llegó a comercializarse hasta la llegada del DVD.
Los niños del paraíso está ambientada en el escenario parisino del siglo XIX, en torno al “Boulevard del crimen,” un nombre que hace referencia a la pantomima y el melodrama, en pleno apogeo en el Paris de la época. Artistas callejeros atraen a las multitudes ociosas. En las Calles bulliciosas se encuentran los cinco personajes principales de la historia. Baptiste (Jean-Louis Barrault) Un mimo que vive del teatro de la calle. Lemaitre (Pierre Brasseur) un aspirante a actor, Lacenaire (Marcel Herrand) ladrón con aires de escritor y el Conde aristócrata(Louis Salou). Todos ellos se entrecruzan luchando por el amor de Garance(Arletty) una mujer de espíritu libre que vive de su apariencia y habilidades de cortesana.
El guión de Jacques Prevert profusamente romántico es una esplendida epopeya que trata sobre relaciones entre el teatro y la vida. El resultado concurre con un gran poema que engloba todas las variedades del amor. Lo sagrado, lo profano, lo desinteresado y lo posesivo.
El “paraíso” del título hace referencia a los asientos del gallinero en el que se sientan los amantes más pobres. Donde la realidad mezcla el amor con el teatro.
Durante la ocupación alemana, en Paris, el público estaba ansioso por evadirse de la vida cotidiana llena de guerra y tristezas. Los alemanes habían prohibido el cine inglés y americano. Estaban también censuradas las películas francesas anteriores a 1937. Todo esto supuso para muchos directores una oportunidad, aunque había unas cuantas condiciones que las películas debían cumplir. Estaban prohibidas las películas antinazis y no se permitía trabajar a ningún judío en producciones cinematográficas.
De las 220 películas rodadas en Francia durante la ocupación. Destaca “ Los niños del paraíso” sobre todas las demás. La película de tres horas de duración, tuvo que realizarse en dos mitades, porque el gobierno de Vichy no permitía más de 90 minutos de metraje.
La idea de la película nació en 1943 durante una vista de Carné a Niza para hablar con Prevert sobre su próxima película. Paseando por el boulevar, Carné se encontró accidentalmente con Barraul (actor ya famoso que interpretaría a Batipste), éste le contó diversas historias sobre el teatro. Entre las historias estaba la de un famoso mimo del siglo XIX (Baptiste Debureau) que mató accidentalmente a un borracho con su bastón, lo que provocó que todo Paris acudiera al juicio para poder oírle la voz.
La historia le gusto tanto a Carné que convenció a Prevert para que hiciera el guión. Para el papel de Garance, Carné enseguida pensó en Arlette. Arlette en ese momento tenía 48 años.
El rodaje de la película, que fue la más cara del cine francés, resulto toda una aventura. El Boulevard del Crimen se construyó en Niza justo antes de que las fuerzas aliadas desembarcaran en el sur de Italia. Esto provoco que los alemanes ocuparan la zona y puso en peligro la financiación de la película (que era francoitaliana), Cuando de nuevo se puso en marcha el rodaje, los decorados se habían estropeado.
Surgieron nuevas complicaciones con los actores. Algunos de ellos eran perseguidos por la Gestapo y había que sustituirlos, posteriormente ante la eminente liberación, otros (como Le Vigan, pro nazi) tuvo que ser sustituido porque huyo a Alemania .
A pesar de las dificultades, la determinación de Carné hizo posible que la película se terminará de Rodar.
El 9 de marzo de 1945 los niños del Paraiso se estrenó en el Palais de Chaillot y fue un éxito inmediatamente.
La combinación entre el potente guión de Prevert y la dirección magistral de Carné convierten a esta obra realizada durante la ocupación francesa en una autentica obra maestra.
Un cuento de navidad (A Christmas Carol) de Charles Dickens es una de las obras más conocidas de la literatura del siglo XIX. La enorme popularidad de la historia de Scrooge ayudó convertir la Navidad en una fiesta importante en la Inglaterra victoriana.
Dickens, en 1843, se encontraba con algunos problemas financieros. Ya por entonces se había convertido en un hombre famoso pero su última novela no se estaba vendiendo bien. A pesar de sus preocupaciones y de la extraña sensación de ya había llegado a la culminación de su carrera, Dickens estaba muy en sintonía con la profunda miseria de los trabajadores en Inglaterra.
Una visita a la oscura ciudad industrial de Manchester fue el detonante que le llevó a contar la historia de un hombre de negocios codicioso, Ebenezer Scrooge, que sería transformado por el espíritu de la navidad.
Las navidades de 1843 se publicó “Un cuento de navidad”, convirtiéndose en un éxito sin precedentes. La novela se convirtió en el relato por excelencia de la navidad. El libro de Dickens con el paso de los años elevó la popularidad de la navidad durante el siglo XIX, convirtiéndola en una tradición como la que ahora conocemos.
Dickens , en su novela, realiza una crítica a la sociedad victoriana llena de avaricia, condena las desigualdades, culpando a las clases pudientes de la miseria de los trabajadores. A través de la transformación de Scrooge el autor logra lanzar un mensaje optimista, lleno de esperanza. La historia despierta el deseo de caridad y fraternidad hacia los menos afortunados o con problemas y lo identifica con la navidad.
A partir de 1849 Dickens comenzó a adaptar su obra para los escenarios. Realizó lecturas públicas de la misma. The New York Times, años más tarde, realizaría una entusiasta crítica de la lectura pronunciada en la ciudad de Nueva York por el propio Dickens que interpretaba el papel de Scrooge.
Dickens murió en 1870 pero “Cuento de Navidad” permaneció para siempre. Se realizaron obras de teatro basadas en la novela durante años e innumerables películas.
La primera película que se tiene conocimiento sobre la novela de Dickens es “Scrooge or Maileys Ghost”. Del año 1901. La película dirigida por Walter R. Booth aunque pueda parecer plana en la actualidad, en aquel momento era un proyecto ambicioso que contó con impresionantes efectos especiales como la superposición de la cara de Marley en la puerta y las escenas de juventud que se proyectaban sobre un telón de fondo en el dormitorio. La película estaba formada por 12 escenas y es una de las primeras películas que se conocen con intertitulos.
En el año 1912 se realizó la película “la virtud de Rags” que también estaba basada en la famosa novela de Dickens. La película Dirigida por Theodore Wharton estaba interpretada por Francis Bushman y Helen Dunbar.
La siguiente versión conocida es la interpretada y dirigida por Rupert Julian, en 1916.
La versión de 1935 “Scrooge” estába dirigida por Henry Edwards e interpretada por Seymour Hicks, Donald Calthrop y Robert Cochran
http://www.youtube.com/watch?v=_Sr2ow_ZH9w
Esta película británica tiene la peculiaridad de ser la única adaptación de esta historia con un fantasma invisible de Marley. Su cinematografía es esencialmente expresionista.
En 1938 Metro Goldwin Mayer realizó una nueva versión de la novela del avaro. “Cuento de Navidad”
La superproducción inicialmente estaba enfocada hacia el lucimiento de la estrella LionelBarrrymore, que era el que interpretaba a Scrooge en la radio, cada año, pero la artritis le impidió realizar el papel completo. Se cambió la historia dándole un giro que la convertía en una novela romántica alejada de la novela original.
En 1951 “Scrooge” Un cuento de Navidad , dirigida por Brian Desmond Hurst. Interpretada por Alastair Sim y Jack Warner. La adaptación de la novela la realizó Noel Langley.
http://www.youtube.com/watch?v=-dMWFO-Hyys
La historia se amplía con un nuevo personaje, Jorkin que es un prominente hombre de negocios que corrompe a Scrooge y la aleja de la benevolente Sra. Fezziwig. Scrooge y Marley descubren que Jorkin es un estafador. La película también introduce una escena (que antes no existía)en la que Ebenezer viene a la casa de su sobrino el día de Navidad con un poco de miedo por ser a rechazado a causa de su comportamiento anterior. Sin embargo, descubre que Fred y su esposa están encantados de darle la bienvenida a su cena.
En 1970 se estrena el musical “Muchas gracias Mr. Scrooge” (Scrooge , en V.O)
http://www.youtube.com/watch?v=_fLB0vmCoPU
La película dirigida por Ronald Neame e interpretada por Albert Finney, Alec Guinnes, Edith Evans, con música de Leslie Bricusse fue nominada a 4 Òscar de Hollywood, siendo premiado en los globos de oro como mejor actor Albert Finney que interpretaba al anciano cascarrabias Scrooge que va recibiendo a los tres fantasmas.
Confieso que esta versión no ha faltado en ninguna navidad en mi casa, no puede existir una navidad sin villancicos y la música de esta película siempre ha formado parte del ambiente de los días navideños.
A pesar de que en el listado no se incluyen películas infantiles ni series que han sido ambientadas en algún capítulo con la novela de Dickens, sí que hay que incluir, con honor, la versión realizada en el año 1971 en dibujos animados por Richard Williams. De nuevo titulada “Cuento de navidad”
Una versión muy recomendable por la estética que solo grandes animadores como Ken Harris, un gran maestro de la animación, y el propio Williams pueden lograr. La voz en ingles de Scrooge fue interpretada por Alastrain Sim, el mismo que interpretó la versión de 1951. También repitió Michael Hordem, como el fantasma de Marley. El propio hijo de Williams (de 4 años) participó poniendo la voz a Tini Tim. El mítico animador Chuck Jones trabajó como productor ejecutivo.
Aunque inicialmente la película fue producida como un especial de televisión, acaparó tanto éxito que terminó presentándose en cines. La Academia de cine le concedió el Oscar al mejor cortometraje de animación al año siguiente. Hasta este momento, es la única versión de la novela de Dickens que tiene ha sido premiada con un Oscar de Hollywood
En 1984 llegó una nueva adaptación. En este caso producida para televisión, “Un cuento de navidad” La película está dirigida por Clive Donner, adaptada por Roger O. Hirson, interpretada y producida por George C. Scott.
La película se rodó en Shrewsbury, Inglaterra. Fue estrenado en el canal CBS el 17 de diciembre de 1984 en los Estados Unidos, aunque posteriormente se estrenaría en los cines de Gran Bretaña. El debut en Estados Unidos fue patrocinado por IBM, que compró todos los spots publicitarios para las dos horas de estreno. La produción se publicitó con el lema «Una Película ambiciosa de la historia de fantasmas más queridos de todos los tiempos!»Scott fue nominado al Emmy como Mejor Actor Principal.
En 1999 otra nueva versión televisiva, en este caso menos ambiciosa, dirigida por David Hugh Jones , interpretada por Patrick Stewart, Richard E. Grant y Joel Grey.
La película fue producida después de que Patrick Stewart realizará una versión teatral de éxito en Broadway y Londres sobre la novela navideña.
2004 trae de nuevo una versión musical “Un Cuento de navidad: El Musical”. Las canciones del musical corrieron a cargo de Alan Menken (música) y Lynn Ahrens (letra). La película dirigida por Arthur Allan Seidelman, interpretada por Kelsey Grammer, Jason Alexander y Jennifer Love Hewitt.
http://www.youtube.com/watch?v=ZR2-GJmXOGw
Esta versión recuerda mucho a la musical de 1970, aunque mejorada con los nuevos efectos especiales.
En 2009 se rueda la versión en 3d, “Un Cuento de navidad” realizada con un equipo de animación de captura de movimiento. Está protagonizada por Jim Carrey en infinidad de papeles. Con el apoyo de Gary Oldman, Colin Firth, Bob Hokins y Robin Wright Pen ,
“Un cuento de Navidad” la versión animación comenzó a filmarse en febrero de 2008, y fue lanzada el 3 de noviembre de 2009 con una gran Premiere en Londres , que coincidío con el encendido de las Luces de navidad de Oxford Street y Regente Street, Luces que estaban ambientadas en el tema de Dickens.
Esta es solo una muestra de cómo el espíritu de la navidad de Dickens sigue vivo y muy vivo 170 años después. ¿Con qué versión te quedas?
Casablanca es una de las películas producidas por Hollywood durante la II Guerra Mundial y una de las grandes producciones del cine clásico. La gran calidad del film, así como la sutileza de su propaganda han propiciado que a pesar de que su función fuera propagandístico, el film se haya convertido en un mito.
En el año 1942 después del bombardeo de Pearl Harbor, los gobernantes americanos consideraron indispensable justificar a la población la entrada de los Estados Unidos en el conflicto, se promocionaron noticiarios y documentales que mostraran la necesidad de intervenir, así como la importancia de elevar la moral de la población. El cine de Hollywood también sirvió para este fin.
La película comienza con una voz en off que pone en antecedentes sobre el escenario en el que ambienta la historia. Casablanca, colonia francesa durante el régimen de Vichy. un lugar al que acuden todos los que quieren huir de la guerra o buscan refugio. Ya en esa primera escena, América emerge como “el país de las libertades”. Así aparece durante toda la historia los Estados Unidos. Tierra de paz, de libertad y de futuro.
Ricks, el café americano, es el centro de reunión de todos los habitantes y al mismo tiempo presenta el abanico completo de víctimas de la guerra. Rick, su propietario asiste como espectador en ese anfiteatro de la vida.
Refugiados de Centroeuropa. Búlgaros en busca de ayuda para salir del país, banqueros holandeses cuyo dinero ya no vale. Personas que hacen negocio de la guerra. En resumen, nos describe como el fascismo ha traído la desolación, la degradación y la corrupción a una Europa derrotada.
La única salida para todos ellos, el paraíso, se encuentra al otro lado del Atlántico.
El arrogante mayor Strasser, oficial alemán es la caricatura del enemigo, un perfecto nazi que siente desdén por todo lo que no sea alemán. Es un hombre sin escrúpulos, que desprecia la vida y la dignidad humana, con el único objetivo de que los pueblos se arrodillen ante el tercer Reich. El nazismo sin duda esclaviza de este modo a los pueblos.
Renault, el oficial, representa la ambivalencia del gobierno de Petain Francia, “Cumplimos nuestras promesas igual que la de los otros” reza una pancarta nada más comenzar la película. Renault se humilla ante los ocupantes alemanes, por conveniencia, el lo denomina “adaptación” a pesar de que el pueblo francés es un pueblo lleno de orgullo y patriotismo, tal como aparece en la escena del bar de Ricks donde La Marsellesa conmociona a todos los asistentes.
Lazslo, el checoslovaco héroe de la resistencia, es el héroe auténtico, desinteresado, transparente, sin puntos oscuros. Capaz de sacrificar hasta su propia vida y lo que más quiere por sus ideales. La historia de la película narra a con detalle cómo Europa está llena de Laszlos, gente que lucha por su honor, arriesgando la vida. De la misma forma que el personaje, han padecido sufrimientos y humillaciones, pero son firmes e inquebrantables. Sin duda nuestro héroe representa al bando correcto. La resistencia y los que luchan contra los nazis, son los buenos, los que representan la justicia y todos los valores dignos.
Desde fuera, Rick, el americano dueño del bar, cínico e independiente, observa este amargo escenario.
La aparición de la mujer que ama, acompañando y colaborando con el héroe intachable, es la que no le permite permanecer como simple espectador, Rick va a verse obligado a debe decidir.
Debe determinar si continuar con esa vida cómoda y egoísta de espaldas al mundo o luchar contra las injusticias, solidarizarse con todo el pueblo que sufre. Sabe que si se decide a luchar, puede perder todo lo que tiene, pero estará obrando cón dignidad y honor.
Rick tiene la clave y la utiliza para salvar al héroe. Los americanos en ese momento también tenían la llave, podían intervenir en la contienda europea y salvar vidas inocentes y luchar contra las injusticias que el Reich estaba provocando.
Después de todo no sólo se trataba del bombardeo de Peal Harbor, era mucho más, había habido otras guerras como la de España o cómo la de Etiopia.
La decisión de Rick une a Francia, representada en la escena de Renault que se deshace de la botella de Vichy.
Rick representa a cada uno de los americanos, ellos deben decidir si quedarse quietos ante el sufrimiento ajeno o intervenir. Ellos, la patria con mayúsculas, tienen los salvoconductos.
No fue Casablanca la única gran película nacida con un fin propagandístico durante la II Guerra mundial, Ser o no ser de Ernst Lubitsch con su sátira antinazi se ha convertido en otra de las grandes.
No podemos terminar sin hablar de la propaganda de Walt Disney. Los estudios animados pusieron a todos sus personajes al servicio de la propaganda. Nos quedamos con los simpáticos videos del Pato Donald adoctrinando para recoger el dinero de los impuestos y satirizar el ejército del Furer. .
El afamado director de cine Steven Spielberg comunicó el pasado fin de semana a la televisión francesa su intención de realizar una miniserie sobre Napoleón. Al parecer, Spielberg está realizando el proyecto en colaboración con la familia del fallecido Stanley Kubrick. La intención es llevar a cabo el sueño nunca realizado de Kubrick de realizar una superproducción sobre Napoleón Bonaparte, un personaje por el que Kubrick llego a tener auténtica obsesión.
En el estreno de 2001 una odisea del espacio. Kubrick anunció la realización de la que iba a ser una película épica arrebatadora. Para la creación del guión, el director había dedicado dos años de investigación intensiva con ayuda de decenas de especialistas de Oxford y otras universidades.
La idea de realizar una película sobre Napoleón surgió en 1968. Kubrick, se sentía fascinado e identificado por el personaje. El cineasta comenzó a documentarse, llegando a realizar un profundo estudio de la personalidad y la vida de Napoleón. Para Kubrick, Napoleón era el ser humano más interesante de toda la historia de la humanidad. Consideraba la vida de Napoleón como un poema épico de acción. Su relación con Josefina era una pasión tan fascinante como la misma vida del personaje.
Kubrick, durante años, se obsesionó con el personaje de tal manera, que tal como contaba Malcom Mc Dowell, cenaba tomando el postre y la carne al mismo tiempo, copiando las costumbres de Napoleón.
El director durante meses mantuvo a un asistente recorriendo todos los lugares donde había estado Napoleón y tomando muestras de tierra de esos lugares. Se entrevistó con expertos y recopiló documentos y libros sobre el tema hasta llegar a reunir cientos de volúmenes. Hizo miles de fotografías a objetos y pinturas. Llegó a amasar un tesoro de datos, papeles y otros materiales Entre el material coleccionado se encuentran más de 15.000 locaciones fotografiadas y 17.000 diapositivas de temas napoleónicos. Para la preparación de la producción, el director no dejo piedra sin remover en busca de todas las piezas que formaran el puzle sobre la vida de Napoleón.
Kubrick deseaba rodar en Francia por sus magníficos exteriores. También había realizado entrevistas con mandatarios rumanos y lituanos para rodar allí las grandes batallas. En esa época no existía la posibilidad de CGI para efectos especiales , así que pensaba contar con 40.000 hombres de infantería y 10.000 de caballería. A los expertos técnicos de la NASA, Kubrick les solicitó que le proporcionaran unas lentes capaces de filmar con luz natural. Quería recrear la luz real de la época. Las escenas de las batallas debían ser un gran retablo donde las formaciones se movían de una manera casi coreográfica. Solamente de esta manera se capturaría la realidad en la película.
El director y productor había contado con todos los detalles. David Hemmings (Blow out) sería su Napoleón, siendo Audrey Hepburn, Josefina. Él mismo pensaba diseñar el vestuario, todo en la confianza de que su Napoleón podía convertirse en “la mejor película jamás realizada . »
La obstinación de Kubrick por el proyecto, le llevo a recorrer varios estudios cinematográficos, ninguno de ellos lo vio con buenos ojos. Se trataba de un proyecto de mucho riesgo, teniendo en cuenta que las epopeyas épicas eran un género pasado de moda.
Tras el fracaso de Waterloo de Sergei Bondarchuk en 1970 Kubrick abandonó el proyecto de Napoleón: Parte de la investigación de Napoleón se aprovecho para Barry Lyndon. Es fácil imaginar que los dos proyectos ( Napoleón y Barry Lyndon ) se extrajeron de la misma tela , este último nacido de las cenizas de la obra abandonada.
Después de la muerte de Kubrick, la familia intentó que Ridley Scott o Angie Lee llevaran a cabo el proyecto no realizado del director.
Finalmente ha sido Spielberg el que ha tomado el relevo. Lo hará realizando una miniserie para HBO. Es Baz Luhman el nombre que más se baraja para dirigir la miniserie. Luhman, australiano acostumbrado a trabajar con grandes presupuestos cuenta con el respaldo del director y un abultado presupuesto.
Estaremos atentos a este proyecto que promete. Entre tanto. Para los fans de Kubrick o aficionados a temas Napoleónicos, un libro muy recomendable Kubrick, Napoleón: The greatest movie never made. De Alyson Castle Publicado por Taschen en su versión facsímil de 2011.
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Los niños del paraíso está ambientada en el escenario parisino del siglo XIX, en torno al “Boulevard del crimen,” un nombre que hace referencia a la pantomima y el melodrama, en pleno apogeo en el Paris de la época. Artistas callejeros atraen a las multitudes ociosas. En las Calles bulliciosas se encuentran los cinco personajes principales de la historia. Baptiste (Jean-Louis Barrault) Un mimo que vive del teatro de la calle. Lemaitre (Pierre Brasseur) un aspirante a actor, Lacenaire (Marcel Herrand) ladrón con aires de escritor y el Conde aristócrata(Louis Salou). Todos ellos se entrecruzan luchando por el amor de Garance(Arletty) una mujer de espíritu libre que vive de su apariencia y habilidades de cortesana.
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