La ciudad perdida de Cecil B. DeMille.

 

ciudad perdida diez mandamientos

Una esfinge completa es el primero de los tesoros exhumados en el desierto de Guadalupe, a 260 kms de Hollywood en lo que se ha llamado  “La ciudad perdida”. 

Las excavaciones no corresponden  ruinas egipcias, son los  restos del monumental decorado que se construyó en 1923 para la película muda, en blanco y negro del mítico director Cecil B. DeMille, “Los Diez mandamientos”. 

La historia de  “La ciudad perdida”  comenzó hace 92 años, cuando el legendario director de cine  DeMIlle se disponía a rodar la el proyecto cinematográfico más ambicioso y popular hasta el momento. “Los diez mandamientos”. Para el rodaje, el realizador contó con un presupuesto de 1,48 millones de dólares.  A pesar de que la productora  puso en riesgo la empresa,  la epopeya bíblica  batió todos los records posibles de taquilla, permaneciendo en los cines de Estados Unidos durante más de un año.

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Una de las esfinges que se usaron para la gran producción

 

Se escogieron las  localizaciones  en  una zona desértica  en la costa central de California.   El abultado presupuesto de la producción histórica incluía la realización de un  decorado que representaba un paisaje de ensueño egipcio. El decorado  estaba formado  por veintiuna esfinges gigantes alineadas formando una ruta al templo de  800 metros de ancho y 120 metros de altura.  Las figuras y el resto del paisaje se construyeron en  Los Ángeles y fueron transportados  pieza por pieza a Guadalupe, donde se encontraba el equipo de rodaje.

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Decorado de la película «Los diez mandamientos» enterrado en el desierto.

 

Según cuenta  la leyenda, después de realizarse la  filmación, el conjunto era demasiado caro para transportarlo  y demasiado valioso como para dejarlo a los cineastas rivales.  Se  decidió, entonces, cavar una zanja y enterrarlo en pleno desierto.  El equipo de  Paramount mantuvo en secreto el lugar donde se enterrarían los restos.

Las esfinges y la puerta del templo han permanecido enterradas durante nueve décadas y durante muchos años olvidados. Hasta que en  1983  un grupo de aficionados al cine, guiados por  una pista críptica encontrada en  la autobiografía  póstuma de DeMIlle  localizaron los primeros restos en el  desierto de Guadalupe.  Durante casi veinte años  cineastas y arqueólogos han intentado recaudar dinero para las excavaciones. En el año 2012 una cabeza de yeso de una esfinge fue exhumada pero se terminó el dinero destinado a las obras.

En octubre de 2014 una de las esfinges ha visto la luz.  Arqueólogos profesionales están llevando a cabo la original excavación.

La recuperación del conjunto está unida a uno de los más grandes personajes de la historia de Hollywood, Cecil Blount DeMille. El director y productor, hoy casi olvidado,  no llevo una vida menos sorprendente de lo que fueron los  espectáculos que se convirtieron en su marca como un productor de cine y director.

La impresionante carrera del realizador  coincidió con el  principio y la edad de oro de los estudios de Hollywood. Sus producciones formaron parte del  revolucionario y poderoso  entretenimiento de masas. Su  extravagante y barroca forma de crear entretenimiento  colaboraron  en  que se creara  un modelo de consumo que influyó profundamente en las costumbres americanas contemporáneas.

DeMille  cabalgó entre dos siglos lo que le hizo  evolucionar y  desarrollar  un estilo visual muy pictórico  que le llevó al  éxito en taquilla durante varias décadas  sucesivas. Fue el único capaz de  realizar  películas que aseguraran récords de taquilla y eso  le valió el título de «El señor de Hollywood.»

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DeMille nació en Ashfield, Massachusetts, el 12 de agosto de l88l. Hijo  de un  dramaturgo descendiente de inmigrantes holandeses y de una descendiente de familia judía.  Estudió en el Colegio Militar de Pensilvania. A pesar de que era un buen estudiante, decidió seguir los  pasos de su padre y su hermano,  dedicándose a la carrera  teatral. Se formó en Academia Americana de Arte Dramático

Tras su graduación en l900,  DeMille   trabajaba como actor en una compañía con la que viajó por Estados Unidos. A pesar de que le gustaba la actuación, lo que de verdad le gustaba era escribir y producir.

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Lasky, Goldwyn y De Mille crearon la productora Lasky.

Fue en 1913 cuando decidió dar el salto. Lo hizo con la creación de una empresa  para producir adaptaciones cinematográficas de los éxitos de teatro y vodevil. Contaba por entonces con 30 años. La empresa la fundaron entre De MIlle,   Jesee L. Lasky, un productor de espectáculos,  Samuel Goldfish (mas tarde Goldwyn) y Arthur un conocido de ellos.

“El prófugo”, The Squaw Man,  fue  el primer lanzamiento de la compañía  a la que siguieron otros muchos títulos de obras de teatro llevadas al cine.

Durante estos años, DeMille trabajó a un ritmo vertiginoso en el estudio de Los Angeles.  Supervisaba todas las producciones en el estudio, además de dirigir personalmente unos pocos títulos. Su papel de productor abarcaba la asignación de un el director de una película y la supervisión general de los presupuestos, los horarios de rodaje, y la copia de distribución final.

En  tan solo un año,  DeMille había amasado una plantilla de cinco directores, cinco cámaras y ochenta actores. Un año más tarde, en 1914 la empresa de De Mille adquiriría los derechos de las obras de teatro más famosas de Broadway para llevarlas al cine. Además se negoció con Paramount Pictures para la distribución de sus películas.

Entre los éxitos cosechados por la productora de De MIlle, destaca “El tramposo” (“The cheat”) un melodrama acerca de la relación interracial protagonizado por Fannie Ward y Sessue Hayakaa  un film realmente controvertido para la época.

http://www.youtube.com/watch?v=zRo-e28MqN8

La película se convirtió en la primera de renombre internacional  que hizo famoso a De Mille en el mundo entero.

A partir de ese momento las películas de De Mille empezaron a crecer en presupuesto lo que le llevo a reducir el número de estrenos al año.

En 1916 la empresa de Lasky y DeMille  se fusiona con  la  Paramount Picture de Zukor. Uno de los puntos que Zukor consideró interesante a la hora de la fusión fue  el talento como director y el gran activo que era Cecil B. para la empresa. Zukor posteriormente adquiriría la mayoría de la empresa creada.

Con la llegada de DeMIlle, la Paramount se convirtió en la “productora del director”.

Parte de la estrategia deliberada de DeMille en el establecimiento del culto del director de cine era un estilo de vida extravagante y muy publicitado. Compró una casa  estilo colonial español. Adquirió una finca con  varios cientos de hectáreas y construyó un rancho llamado Paraíso. También adquirió un yate, en 1921, como escaparate de su éxito.

Una de las frases más famosas del director, es el consejo que le dio a Paulette Goddard cuando comenzó su carrera. «Nunca vayas por la calle ni siquiera a tirar la basura, sin estar vestida y arreglada hasta los dientes.”

De MIlle era un gran experto en la creación y explotación de su propia persona. Mientras otros ejecutivos del cine posaban de forma convencional con traje y corbata, DeMille lo hacía con el cuello de la camisa blanca desabrochada,  con un aura mucho más romántica. Sus extravagancias a la hora de vestir, le llevaron a hacerse un set de trajes de lo más original. Acostumbraba a vestir con  polainas, pantalones de montar, una camisa con el cuello abierto, un silbato de plata, y un sombrero a lo Louis XV.

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Imagen habitual de Cecil B. DeMille, botas y pantalones de montar.

 

Además de su original imagen, a medida que sus producciones se hicieron más fastuoso, él mismo  se rodeó de un séquito que le acompañaba a todas partes,  incluyendo un productor asociado, agentes de prensa, los ayudantes de  guión, una secretaria, un ayudante de dirección, ayudante de micrófono, y una persona que le llevaba la silla.

Su oficina era un lugar que impresionaba a todos los visitantes; ventanas góticas, alfombras de piel, armaduras, casos de recuerdos, bocetos y pinturas de producción, y un enorme escritorio tallado.

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Despacho Cecil B. DeMille durante sus años en la Paramount.

 

De Mille fue un defensor a ultranza del papel del director en el cine. La Paramount gracias a su influencia llegó a convertirse en “la productora del director”. Los actores ya no tenían que ser estrellas consagradas, Un famoso director podía convertir desconocidos en estrellas del celuloide.

En la época de cine mudo anterior a la primera guerra mundial, DeMille experimentó con muy diferentes géneros cinematográficos. Hizo  westerns, comedias, melodramas domésticos, epopeyas históricas, y películas de guerra.

Después de la guerra,  se adaptó a las nuevas necesidades  produciendo  comedias sexuales y melodramas, historias sobre el estilo de vida de los ricos orientado a las crecientes expectativas de la clase media en una economía de consumo masivo.  Varias de estas películas contenían secuencias espectaculares  que contribuían al aumento de los costos de producción, pero deleitaban  al público que adoraba este tipo de cine.  A medida que la «ética de consumo» se fue apoderando del ánimo del país, la «nueva mujer» se convirtió el símbolo de la nueva sociedad. El “Sex Appeal” llego hasta el cine llenando una nueva era de  historias  inteligentes y comedias  sofisticadas «.

La primera de las películas de esta nueva forma de vida es “ Old Wives for the new”

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La película contaba historias modernas de interés humano. Esta primera historia  abrió el ciclo de comedias sexuales que  tendrían su momento más brillante,  posteriormente, en las películas del  Enrst Lubitsch.

“Los diez mandamientos”, (1923)   supuso un antes y un después en las relaciones entre  DeMille y su productora.  Durante el rodaje,  las relaciones entre ambos llegaron a su momento más tenso. El presupuesto de la película no paraba de crecer. Escenarios costosos, y gastos añadidos (el director quería  filmar en parte en color) llevaron a Zukor a poner restricciones de presupuesto a uno de sus directores favoritos.   A pesar de esta experiencia, el director realizó “Rey de Reyes” con un coste  Costó 2.000.000$, una cifra realmente astronómica para 1927 lo que creo una crisis en la productora que casi le lleva a la bancarrota.

Cuando llegó el sonido, DeMIlle fue capaz de reinventarse, lo hizo con la ayuda de Mary Pickford en “El signo de la cruz”  La película  se convirtió en un éxito comercial en su estreno convirtiéndose en  el primero de numerosos espectáculos históricos con el  sello del director en el período de sonido.

A pesar de que críticos de la época consideraron que el director perdió calidad con la llegada del cine sonoro, son las producciones de esta etapa las que más han transcendido en la actualidad. “Cleopatra”(1939), “Sansón y Dalila”(1949),  “El mayor espectáculo del mundo”(1952) (por la cual ganó el premio Óscar a la mejor película) y por supuesto la nueva versión de “Los diez mandamientos” protagonizada por Charlton Heston. (1956)

Como director, DeMille era  incapaz de delegar autoridad, no dejaba nada al  azar supervisando personalmente los detalles tales como la selección de miles de extras y los animales para sus espectáculos. Era incansable incluso cuando se encontraba enfermo.

En 1954 sufrió un ataque al corazón durante el rodaje del remake  que realizó él mismo de “Los diez Mandamientos” en Egipto. A pesar de que le aconsejaron  que abandonara la producción de inmediato se negó a  cortar el rodaje  y terminó la agotadora labor que costó cuatro meses,

Para DeMille, ser  director de cine fue lo que le dio sentido a su vida.

Su carácter controvertido,  mujeriego y autoritario y sus últimos años en los que tuvo un serio enfrentamiento con John Ford y otros directores por la famosa “caza de brujas” fueron determinantes para que en a su muerte en 1959 cayera en el olvido.  Los críticos a su muerte consideraron que había terminado una nueva etapa “ DeMillenium” había finalizado.

DeMille  dejó un legado monumental al ser iniciador del  concepto del cine comercial de gran éxito,  concepto que ha prevalecido entre muchos  directores de Hollywood que llenan las arcas de las productoras de Hollywood del siglo XX y XXI

Nos quedamos con las imágenes del la ciudad perdida de DeMille.

 

 

Bibliografía.

– Sumiko Higashi – Cecil B. DeMille: “ Una guía para la Referencia y Recursos

– Los Angeles Time. http://www.latimes.com/local/la-me-1018-sphinx-dunes-20141018

–  http://sensesofcinema.com/2013/great-directors/cecil-b-demille/;

El cartel de cine. Cien años de historia.

metropolis

Un cartel raro de  la película “Metrópolis”,  vendido en subasta por casi un millón de dólares, es el que ostenta el record de poster de cine más caro de la historia.  El cartel, según los rumores adquirido por Leonardo Di Caprio, fue realizado para la versión internacional de la película.

No estamos ante un caso aislado, el cartel de cine Vintage  se ha convertido en un objeto de lujo en la actualidad.  Muchas subastas de arte incluyen entre sus lotes carteles de cine, publicitándolos como autenticas obras de arte. Lo cierto es que el  precio al que se cotizan no tiene nada que envidiar a un óleo o acuarela de un pintor reconocido.

Un cartel de cine auténtico (antiguo ), puede costar de 1 500 a 3.000€  aunque en ocasiones  aparecen poster  más baratos o carteles que se llegan a vender por precios por encima del medio millón de dólares.

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El cartel de Frankenstein de la Universal fue vendido en 1993 por 180.000€

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La momia fue adquirida en subasta por 435.000$

El coleccionismo de objetos de cine comenzó con libros de recuerdos, autógrafos, fotografías y revistas de cine.  Después de la II guerra mundial los coleccionistas comenzaron a buscar todo tipo de material publicitario original. Fue en ese momento cuando el cartel de la película se convirtió en uno de los objetos más buscados.

Hoy en día, los compradores  de   recuerdos de películas se han convertido en una comunidad reconocida a nivel internacional de acaudalados coleccionistas cada vez más poderosos. Lo que ha convertido todos los objetos relacionados con el cine antiguo en un elemento muy apropiado para  la inversión.

La primera subasta de una casa importante  que presentó un lote de carteles de cine tuvo lugar el 11 de diciembre de 1990. La prestigiosa casa de subastas Christie  subastó  271 carteles de películas de época.

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El éxito de los poster de época ha  promovido una nueva industria; la venta de carteles reimpresos  ya sea con licencia o ilegalmente.  Las imágenes son las mismas que las originales, lo que las distingue de las genuinas es el  tamaño, calidad de impresión, y el tipo de papel.  La mayoría de las casa de subastas, entregan  «pruebas de autenticación» para distinguir los originales de las reproducciones.

El cartel de película  nace al mismo tiempo que la industria del cine.  Se considera el primer cartel de cine el del cortometraje “El Jardinero” de los hermanos Lumiere.

primer cartel de cine del mundo

, Primer cartel de cine de la historia. El jardinero de los hermanos Lumiere

Cuando aparece el cine, la publicidad en papel ya estaba inventada. Los recintos feriales y teatros ya se anunciaban con imágenes  publicitarias.

El espectáculo cinematográfico enseguida crea un género autónomo en la cartelería. 

Fue Thomas Edison el que ajusta el tamaño estándar de poster, que sería conocido como “el general” que sería utilizado en las vitrinas de vidrio del interior y exterior de las salas de cine.

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Cartel cinematográfico de Edison

Empresas francesas como Gaumont Pathé editaban sus propios carteles que  realizaban ellos mismos o encargaban a artistas  o talleres especializados. Ellos fueron los que  instauraron la firma del artista, artesano que intervenía en ese nuevo género independiente.

En ocasiones, el estudio presentaba una fotografía para ser utilizada en el cartel. Había reglas estrictas de censura que obligaban a que los dibujos fueran inocentes y no mostraran escenas que resultaran atrevidas. No era habitual que hubiera estrellas de cine en las primeras películas. Los actores eran anónimos.

En la década de 1910, los nickelodeons se empezaron a reemplazar por  las salas de cine.  En el interior de las salas, los poster de los vestíbulos se cambiaron por  grupos de 8 fotogramas que mostraban escenas de la película. Al principio eran en blanco y negro, después se sustituirían por fotogramas en color. A este tipo de imágenes se les llama Lobby cards.

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Uno de los primeros Lobby Cards que se conservan.

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Los Lobby cards siguieron conservándose durante muchas décadas.

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En esa década también aparecieron los grandes anuncios en los cines. Eran poster  24 veces más grandes que los tradicionales que se veían desde los coches. Surgieron también las «tarjetas de ventana», que servía para anunciar  próximos estrenos. . Como parte de la campaña de publicidad de películas, en 1917 los estudios creados «libros de prensa», que podría ser parte de un «kit de prensa», que anuncian la película de una manera eficaz.

A finales de la década, el público quiere  conocer los nombres de los actores y actrices.  Se internacionaliza el cine y la nueva industria norteamericana comienza a convertir en estrellas a los actores. Esta nueva dimensión del cine coincide con la evolución de la tecnología de impresión. Es el fin de la imaginería fin de siglo. Aparece “El cartel de cine” con las características que conocemos en la actualidad.

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Cartlel de los años 20 en el que aparece retratada la estrella Mary Miles

En la década de 1920, las salas de cine se transforman en hermosos edificios. Las ilustraciones de antaño se transforman en carteles artísticos. Conocidos artistas se encargan de diseñar retratos de las estrellas famosas. Los carteles empiezan a contar la historia de la película.

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Cartel años 20

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La famosa It girl Clara bow

Avanzada la´década  surge el cine sonoro. Se dispara la asistencia de público, lo que conlleva que el negocio cinematográfico alcance su plenitud.

En los años 30  se asiste a la  «Edad de Oro del Cine». Nacen los grandes musicales de Hollywood, las películas de gángsters legendarios y las películas de terror. Esta etapa culmina con una de las películas más legendarias de la historia del cine. “Lo que el viento se llevó.

lo que el viento se llevo

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Ejemplo de cartel Art Decó de final de los años 30

Los carteles de los años 30 estaban influenciados por el Art Decó, popular en ese momento. Este arte se caracteriza por los diseños geométricos y colores muy llamativos.  Había variaciones de tamaños y formas de letras. Cada productora fabricaba sus propios carteles con características particulares.

la Gran Depresión lleno las salas de cine de público. Las películas eran una buena forma de evadirse de la realidad. Personajes vacios, historias maravillosas que hacían  soñar.  No solo los dueños de salas de cine se lucraron del florecimiento del cine, las empresas de carteles de cine se multiplicaron. Eran una buena alternativa para pintores y artistas.

Los años 40 trajeron la a Segunda Guerra Mundial. Muchas de las estrellas como James Stewart y Clark Gable lucharon en el frente, Los actores que no estaban luchando en la guerra, hacían  películas de guerra que servían de propaganda  patriótica. Cuando la  guerra había terminado, había que reflexionar y analizar cómo los acontecimientos habían influido en las vidas de la gente.  películas como “La señora Miniver” y” Los mejores años de nuestras vidas.” Son dos ejemplos.

casablanca

En los años 50 se asiste a la llegada de la televisión. Las grandes estrellas firman contratos millonarios para salir en antena. El cine tiene que buscar una nueva alternativa para luchar con este nuevo competidor.

El  cine, se refugia en  nuevos temas de fantasía, ciencia ficción y comedia. Se añaden nuevas formas de distribución; autocines al aire libre y sesiones de cine “serie B” Aparecen también nuevas  tecnologías que se integran en el cine, como el cinemascope o las películas e inventos 3D de los que William Castle era un maestro. Surgen las grandes superproducciones históricas que vendrían acompañadas de carteles espectaculares.

ben hur a hollywood story

En los primeros años surgen los  enfoques conceptuales,  se hace  hincapié en la tipografía y se dan  pistas sutiles en cuanto al contenido de la película que forma el fondo del tipo.

A mitad de la década, surgen las revistas de cine que tenían grandes fotografías en color de las grandes estrellas de cine.  Estas revistas pioneras fueron las que originaron que las compañías cinematográficas adoptaran carteles más parecidos a fotografías. Fue el comienzo de los carteles fotográficos.

En los años 60, la televisión estaba en el punto de mira de la censura. Las películas tenían más libertad de movimientos y esto atrajo de nuevo al público. La posibilidad de proyectar historias más subidas de tono, mostrar desnudos y blasfemias dio cierto respiro al cine durante las siguientes décadas.  En cuanto al diseño de carteles, la tipología adquiere un papel más protagonista  Las ilustraciones se sitúan en segunda línea, jugando un papel más periférico que adorna las letras. .

dolce vita desayuno con diamantes

Los años70 para el cine son años en los que conviven cineastas clásicos con nuevos directores. Los carteles de este tiempo continúan utilizando la  fotografía pero se mezclan con  estilos de dibujo y pintura. En ocasiones se utilizaban artistas famosos como Ansel Adams, Frank Frazetta y Bob Peak  que crearon algunos grandes carteles.

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Con la llegada de los Blockbuster y películas de efectos especiales se inaugura la década de los años 80. A finales de la década y durante los 90 surgirían el video y aparecen  nuevos carteles que deben  ser aplicados a las cintas de video.

Los carteles empiezan a ser como los conocemos actualmente, fotografías superpuestas sobre fondos fotográficos sobre las que destacan los grandes actores con sus nombres o símbolos que determinan lo fundamental de la pelçicula.

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En la década de 2000 nacen las tendencias que se mantienen hasta la actualidad. El diseño sigue siendo el mismo, publicitario y conceptual. Los carteles varían según las modas tipográficas y fotográficas.

Los carteles tienen que transmitir la característica fundamental de la película. En algunos casos se destacan los actores, la estética de la película o el ambiente que predomina.

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 El cartel forma una unidad con la película. Es la ventana por la que el público debe asomarse a la representación. Realizar un cartel no es una labor sencilla.

Nos quedamos con una recomendación. El  documental “ Drew: The Man Behind the Poster” dedicado Drew Struzan, el artista que ha creado varios de los carteles más emblemáticos de los últimos 30 años entre los que se incluyen, «Indiana Jones», «Regreso  a futuro «y» Star Wars «,entre muchos otros.

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Super 8 , el iPhone de los años 60.

En el  año 2011 el director coreano Park Chan- Wook  pasaba a la historia por ser el primer cineasta en grabar una película filmándola  únicamente con dos teléfonos móviles iPhone.  La película “Night Fishing , de 30 minutos de grabación fue producida por 80 personas.

La llegada masiva de los teléfonos móviles y Smartphone a los bolsillos de los usuarios ha llenado la red de películas amateurs.  No importa cómo se realiza la película, si  se filma con teléfonos móviles, cámaras Reflex o cámaras semiprofesionales.  Tampoco importa el formato.  La red está repleta de  cortometrajes,  largometrajes, videoclips  o incluso webseries.  Lo único que importa es la creatividad y la ilusión por comunicar.

A pesar de que puede parecer una nueva práctica, no estamos ante la primera generación de cineastas amateurs.

A finales de los años 50, cuando las cámaras Super 8 llegaron a los hogares norteamericanos, sucedió un fenómeno cultural que tendría consecuencias transcendentales en la historia del cine.  Grupos aislados de adolescentes saldrían a la calle a grabar con su cámara. Pusieron de moda lo que se ha denominado las “Blackyard Monster Movies”. Se trataba de  películas  caseras de terror  grabadas sin presupuesto y con muy pocos medios.

super 8

Los adolescentes echaban mano a  todo lo que encontraban para que sus películas de miedo y ciencia ficción tuvieran un aspecto profesional. Efectos especiales en Stop Motion, maquillaje rudimentario y mucha imaginación.

J.J. Abrahams en “Super 8” (2011) realizaría un homenaje a todos estos niños.  La película producida por Steven Spielberg  es  la más autobiográfica de las películas de Spielberg.   Aunque paradójicamente no fuera dirigida por el propio realizador.

En “Super 8” aparecen elementos de la vida del “joven Stevie” que ha sido uno de los famosos directores creadores de estas  celebres “Blackyard Monster movies”.  Además de la afición de estos niños por el cine, en la película aparece el descarrilamiento de un tren.  Steven Spielberg tenía una maqueta de tren el garaje de su casa. El juego favorito de Spielberg era hacer descarrilar el tren.  Una de las primeras grabaciones del realizador sería su tren de juguete saliendo de las vías.  El tercer elemento que forma parte de la biografía de Spielberg, fundamental en la película,  son las alienígenas.  El realizador estaba obsesionado con la ciencia ficción  y los monstruos desde muy pequeño.

Spielberg   llegó a convertirse en uno de los más famosos directores de cine de la historia. No puede decirse que fuera el único surgido de esta práctica, que duró hasta mediados de los años 70.  Otros nombres,  realmente importantes,  forman parte de esta generación de cineastas que comenzaron grabando con su Super 8.  Todos ellos formaron  una nueva generación en la que han integrado películas de ciencia ficción, terror con espectaculares efectos especiales.

A pesar de que se  ha apuntado como principal causa del  fenómeno cultural a la comercialización  de las cámaras portátiles  hay otras circunstancias que propiciaron la práctica.

A finales de los años 50 en pleno auge de la televisión, los canales programaban sesiones de cine en las que se emitían dos  y tres  películas de ciencia ficción y fantaciencia.  Las sesiones estaban dirigidas por personajes mediáticos, grandes agitadores que se disfrazaban, interrumpían las emisiones y  contaban historias de miedo convirtiendo los programas en auténticos shows que causaban furor entre los adolescentes.

Vampira y Zacherely son dos de los presentadores más famosos.

Maila  Nurmi, más conocida por Vampira,  es  una de las presentadoras más famosas de los shows de los monstruos de los 50. Tal como relata David Skoal en “Monster Show”, (un libro obligado para los amantes del cine clásico de terror), Vampira , con su  gótica imagen y una sorprendente cintura de avispa , llegó a imponer su moda.  Una corta relación con James Dean y su presencia en todos los círculos de famosos de la época la llevo a conseguir una gran popularidad.  Tim Burton en “Ed Woods” guarda un papel para este famoso personaje.

Otros de los famosos presentadores de esa época era  John Zarcherle.  Zacherley (nombre con el que era conocido) apareció por primera vez en el  papel de enterrador en un programa de televisión. Esto le marcaria para toda su carrera posterior.  Cejas arqueadas, dientes puntiagudos y una risa profunda  formaban parte de su papel de agitador animador de las sesiones de miedo.  Los fans  lo conocían por el “Cool ghoul”.

En la actualidad Zacherle continúa viviendo en su casa de Nueva York.

La enorme popularidad de los shows se extendió a la música. Una canción de Bobby Picket llamada Monster Mash ,  se convirtió en uno de los grandes éxitos entre los adolescentes de Norteamérica.

En este contexto, James Warren, un editor con olfato para los negocios decide publicar una revista de un solo número que recogería  toda esa cultura tan de moda.  Se puso en contacto con Forrest Ackerman, un coleccionista de ciencia ficción, imprescindible en cualquier evento relacionado con la Sci fi (termino creado por el propio Ackerman)  para juntos lanzar un número único de la revista.

La revista Famous Monster of Filmland se publica en 1958 con una edición de 2000 ejemplares. Contaba con innumerables fotografías pertenecientes a la impresionante colección de Forry.  La revista tuvo un éxito rotundo. Se realizaron varias ediciones más y se decidió lanzar nuevos números.

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La  publicación  tuvo su mayor apogeo durante los años 60.  Forrest Acerkman (del que hablaremos en otra próxima entrada) fue el elemento fundamental para que la revista tuviera el alcance y la influencia que  tendría en los niños de esa generación.

Innumerables jóvenes y niños se convirtieron en fans  de la publicación.  Esta les  hablaba de sobre las películas de monstruos y ciencia ficción que estaban reponiendo en la televisión y las películas que veían en las sesiones matinales de sus ciudades.  Los” Matinee” que tan bien describe Joe Dante en su película del mismo nombre.

La publicación mostraba el “making off” de las películas y promovía concursos de cine de monstruos. Además, ponía  a disposición de los lectores, a través de una  tienda por correo, todo lo necesario para realizar películas, maquillajes, caretas y hasta cámaras en formato super 8.

La respuesta de los lectores no se hizo esperar.  Los jóvenes comenzaron a crear filmaciones caseras que enviaban a la revista.  La revista no tenía la posibilidad como tenemos aquí de mostrar los resultados,  pero premiaba los mejores trabajos y mostraba fotografías de las películas ganadoras y de los ganadores.  Uno de los primeros niños-cineastas que realizaría películas de cine fue Don Glut.   Pueden verse videos de esas primeras películas realizadas de una forma totalmente artesanal en youtube.  “Atom Man vs Martian Invaders (MPC Fireball XL5 Toy)” es una de ellas.

http://www.youtube.com/watch?v=RbimXDkGQQM

Don Glut igual que muchos de estos niños continúo dedicándose al cine, aunque de otra manera.  Actualmente escribe guiones y ha escrito muchos libros sobre el cine de fantaciencia.

Con más  éxito que Glut oscarizados especialistas en efectos especiales, guionistas, productores y directores de televisión se han dedicado al cine alentados por la revista y por supuesto una legión de directores de cine que posteriormente han  querido mostrar su gran conocimiento del cine de ciencia ficción de los años 50 y de fantaciencia de los años 20 hasta los 60. Los nombrados  Spielberg,  Lucas, Landis y Dante así como Tim Burton, Peter Jackson, Guillermo del Toro y el propio Alex de la Iglesia.

Nos quedamos con “Super 8” y la historia que  Steven Spielberg quiso contarnos sobre sus recuerdos de la infancia.

Bambi y los nazis

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Bambi es uno de los personajes más tiernos  e inocentes de Disney.  Pero ¿sabían que  durante la II Guerra mundial, la novela fue prohibida y Hitler obligo a quemar todos los volúmenes existentes?

La historia del libro que vamos a contar sigue una línea paralela a la ascensión y caída de  Hitler.

En 1923,  el escritor,  Felix Salten, tras visitar los Alpes suizos e interesarse por la vida salvaje decidió escribir una novela. La  primera edición, muy limitada, contaba  la historia de “Bambi” un ciervo bebé (bambino en italiano) que tenía que sobrevivir en el bosque.

Felix Salten

Felix Salten fue el pseudónimo utilizado por el escritor y periodista judío  austriaco Siegmund Salzmann.

Salten nació en 1869 en Budapest (Hungria), debido a la legislación que otorgaba  la ciudadanía plena a los judíos que viven en Austria, la familia de Salten se trasladó a Viena, donde el escritor  se crió y creció.

El joven Salten, por problemas económicos,  tuvo que dejar de estudiar y ponerse a trabajar muy joven, quemó  enseguida etapas de la vida, aprendió muy rápido a sobrevivir.

Su pasión por la escritura le llevó a presentar artículos cortos, reseñas de libros, de diarios, revistas y otras publicaciones. Creo y formó parte del movimiento joven Viena, una sociedad de escritores que se reunían regularmente en los cafés de la ciudad,  sobre todo en el café Griensteidl.  El grupo adaptaba estilos del modernismo, simbolismo y el impresionismo. El grupo se disolvió en el año 1897 después de que aparecieran diferencias entre  Salten y otro miembro, Karl Kraus.

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Salten publico su primer libro en 1900, por entonces ya trabajaba a tiempo completo como critico artístico y teatral en la prensa de Viena.  Sus columnas, guiones, libretos para obras de teatro y películas lo convirtieron  en un personaje muy famoso.

En 1927 fue elegido presidente de los poetas, ensayistas y novelistas de la sociedad de escritores, una organización comprometida con la buena voluntad entre escritores.  Fue ese mismo año cuando la novela “Bambi”  fue publicada por una compañía vienesa,  sería traducida e imprimida  prácticamente en todo el mundo.

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Walt Disney con un cervatillo

En 1933 Disney compró los derechos de la obra de Salten, no sería hasta 1942 cuando la película vería la luz.  La factoría Disney por entonces estaba comenzando a crear sus primero largometrajes. Crear animales dotándoles de un aspecto  humano y natural no se había hecho nunca y la empresa resultaba realmente complicada.

Mientras los creativos de Disney se volvían locos buscando nuevas técnicas de animación, la vida en Austria se había convertido en peligrosa para un judío tan famoso como Salten.

quema libros

El partido en el poder nazi, prohibió el libro y organizo quemas de libros en todos los estados.  Para el partido en el poder, la novela Bambi era una alegoría política sobre el tratamiento de los judíos en Europa.

Y es que el Bambi de Disney que conocemos dista mucho de la novela original.  La obra, aunque protagonizada por un cervatillo,  es ciertamente una novela de aprendizaje que sirve de manual de supervivencia  en tiempos difíciles. El bosque,  escenario natural muestra un mundo salvaje en el que especies de todo tipo conviven.  Todas ellas luchan por sobrevivir y entre ellas se establecen diferentes lazos  (como las ardillas y las mofetas, o los conejos) Los ciervos son los judíos que tienen que enfrentarse al hombre,  su enemigo natural.  La novela evoca la experiencia de la exclusión y la discriminación. Son los ciervos los que cuentan a sus hijos cuentos llenos de horror y miseria.

grupobambi

Pocos ciervos creen que vivir en armonía con los seres humanos sea posible. Los pocos que lo creen terminan siendo asesinados por los cazadores. Uno de los de la manada, (el primo de Bambi, Gobo) después de pasar un tiempo en cautiverio vuelve al bosque y cuenta a todos lo bien que ha sido tratado, lleva una banda alrededor del cuello de la que se siente muy orgulloso. Bambi se muestra sorprendido por la nueva forma de comportarse de su primo.

El ciervo aparece en muchas metáforas en el arte medieval. Las liebres y las cacerías de ciervos en los textos judíos se refieren al antisemitismo en la Biblia también aparecen ciervos formando parte de símbolos, como el símbolo de Neftalí (Lucha).

Aparentemente Walt Disney era completamente inconsciente de los fundamentos alegóricos de la historia.  Como el lector medio americano del libro, apreciaba la historia de sus temas ambientales manifiestos. Rehízo la historia y los personajes en consecuencia, más preocupado de explorar las posibilidades con los animales que con la forma de tratar la historia.  Aun con la  transformación de Disney  la película conserva una vena sentimental y una melancolía propia de los personajes de Salten. Los personajes de la película son  juguetones, descarados y afables. El conejo Tambor es una creación de Disney, también la tranquilidad del bosque que se rompe por la crueldad del hombre es una creación para la película.

En algunos círculos americanos,  el hecho de que la cacería rompiera la tranquilidad del bosque se relacionó con el ataque a Pearl Harbor y con la pérdida de la inocencia de América.

 

Cuando en 1938 Hitler entró en Austria el escritor se trasladó a Zurich (Suiza) Allí moriría años más tarde, en 1945.  Antes de morir, tuvo la oportunidad de ver la película y le gusto, aunque siempre la describiría como el “Bambi” de Disney.

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En 1942 el año que la película fue estrenada  comenzaron las primeras victorias aliadas en el norte de Africa, Alamein y Argelia. La  máquina de guerra alemana se detuvo por completo en Stalingrado y tuvo lugar la batalla de Midway que daría un vuelco a la II Guerra mundial.

Los libros quemados de Salten  renacieron de las cenizas al quedar inmortalizados en la pantalla grande.  Bambi ganó la batalla, mostrando a las generaciones venideras  que aunque las circunstancias sean realmente adversas, todo se puede arreglar y mejorar con  la ayuda de la naturaleza, de los amigos y de una voluntad sin límites.

Bambi nos muestra como después del largo invierno siempre llega la primavera.

Feliz primavera a todos!!!  

http://www.youtube.com/watch?v=hm_pJi5Zo7U

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