La generación VCR o VHS (término acuñado por críticos cinematográficos) es un grupo de cineastas estadounidenses de principios y mediados de los años 90 que nunca fueron a la universidad, se educaron a si mismos viendo películas. Comparten la creatividad y la innovación propia del cine independiente Nos estamos refiriendo a nombres tan importantes como Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Kevin Smith, Paul Thomas Anderson y Richard LInklater.
En un anterior post “Super 8 el Iphone de los 60”. Hacíamos referencia a la llegada de las cámaras Super 8 a los hogares norteamericanos y la influencia posterior en una generación de cineastas. En este caso tenemos que referirnos a una generación de directores de cine nacidos bajo la estrella del VHS.
El reproductor analógico, la nueva tecnología de video, irrumpió en los hogares de medio mundo durante la década de los 70. El nuevo invento daba la posibilidad a los usuarios de grabar de modo analógico, por medio de un cassete estándar, todo lo que se emitía en televisión. Aunque en el primer momento la industria del video se vio envuelta en una serie de guerras de formato, fue JVC, (Japon Victor Company) la que logro ganar la batalla del video imponiendo su formato VHS como el video domestico dominante. El formato reinó en solitario hasta que nuevos formatos digitales convirtieron las cintas en un objeto vintage sólo apto para nostálgicos.
La llegada del video casero revolucionó los hogares. Las posibilidades que ofrecía el nuevo sistema iban mucho más allá que la grabación de la televisión. Entraron en los cuartos de estar las sesiones de gimnasia con Jane Fonda, espectaculares videoclips como el “Thriller” de Michael Jackson y por supuesto el porno.
La industria cinematográfica también vio una oportunidad de negocio en el nuevo invento. Las películas que quedaban grabadas podían reproducirse de la forma que se quisiera. Se podía rebobinar y adelantar y en algunos casos hasta cambiar la velocidad para reproducir escenas a cámara lenta y poder observar los trucos y efectos especiales. Todo esto unido a la comodidad del sofá, volvía loca a una generación de jóvenes que acudían a los videoclubs de una forma masiva.
Los “hijos” del VHS ya no coleccionaban revistas y poster de sus películas favoritas. Ahora podían atesorar esas películas en cintas de video para reproducirlas de una forma compulsiva.
Por aquel entonces algunos profesionales consideraban esa fiebre como una amenaza para el sector audiovisual. Así lo muestra David Cronenberg en su “Videodrome” (1982). Cronenberg (más cercano a la generación Super 8) alertaba de los peligros del video en esta película de terror.
Años más tarde, el panorama del VHS ha quedado relegado a una pequeña industria que nutre a nostálgicos que coleccionan y guardan esas cintas para poder visionarlas, rebobinarlas y manejarlas casi de una forma manual. Algo parecido a lo que sucede con el vinilo en música.
El legado del VHS es mucho más importante que este grupúsculo de resistentes. El sistema JVC ha dejado una generación de directores de cine que se han formado y criado visualizando películas de los videoclubs de sus barrios de una forma casi sistemática.
Los videoclubs eran las “bibliotecas” a las que se asomaban estos futuros cineastas para saciarse de su sed de cine. En estas tiendas se podía encontrar todo el cine clásico pero también otros productos casi “imposibles” serie B o Z, reciclados y todo tipo de géneros. (Cine de Culto, Trash, Asíatico, Indie, Exploitation etc..).
Es precisamente esta variedad la que enriquece la formación de este grupo de directores que han sabido reconocer en productos menores una forma de cine, que no se aprende en la universidad.
La generación VHS son directores que sin duda han aprendido a amar el cine independiente, o de poco presupuesto, en el que la creatividad es lo más importante.
La comedia de Michael Gondry “Rebobine por favor” ( 2007) es la representación más evidente de lo que supuso el VHS para sus incondicionales. El argumento gira en torno a dos jóvenes que se hacen cargo de un videoclub. Un accidente borra todas las cintas de video de su tienda. Los trabajadores se ven obligados a rodar de una forma casera todos los videos borrados. Estas nuevas películas reciben un éxito inesperado.
Quentín Tarantino es el director que mejor representa a este grupo de directores. Su experiencia como trabajador de un video club le formo como un experto en cine y le ha influido en toda su obra posterior.
El director demuestra conocimiento en el cine clásico pero también el cine de segundo nivel lo que le ha permitido crear su propia visión del cine. Esta mezcla de géneros está presente en cada una de sus producciones.
La mezcla de comedia y violencia en las películas del director, que busca la sorpresa del público y el gran amor que demuestra para los diferentes géneros que van desde de serie B a la Nouvelle vague francesa, ha llevado savia nueva al mundo del cine.
La saga “Kid Bill” es buen ejemplo de ello. Cine asiático, samurái y ánime mezclado con música de spaghetti western. Cine occidental y de televisión perfectamente mezclado desde la pasión y el amor de un fan incondicional.
Tarantino además posee un arte especial a la hora de reformular el material que toma prestado de sus ídolos.
A Pesar de que en ocasiones la crítica lo ha tachado de ser uno de los directores más violentos de la cinematografía, el director se justifica diciendo que lo que hace diferente una película es su capacidad de sorprender.
Tarantino toma el ejemplo de las películas de Explotación que le han impresionado, entre ellas destacan las Ozploitation, género de explotación australiano de poco presupuesto que se distinguen por su absoluta libertad y tendencia al exceso.
Brian Trenchard-Smith es uno de los directores que el realizador tiene como inspiración. Trenchard-Smith es un cineasta australiano, colaborador habitual de Joe Dante en su página web http://trailersfromhell.com/, junto con Guillermo del Toro y John Landis. El director tiene en su haber el honor de haber contado con Nicole Kidman, en uno de sus primeros papeles con tan solo 15 años de edad en la película “los bicivoladores” (1983).
Entre las producciones de Trenchard-Smith destaca la película de culto “El imperio de la muerte” (Turkey Shoot, 1982) una distopía de ciencia ficción que mezcla el terror con la el humor más negro con muchas dosis de violencia y sangre.
En “Grind house” (Tarantino, Rodriguez, 2007) Tarantino, junto con Robert Rodriguez homenajean al Grindhouse, género surgido en los años 70 que recopilaba todo el cine de bajo presupuesto. La producción estaba compuesta de las películas “ Death Proof” (Tarantino) y “ Planet Terror” (Rodriguez), además de un conjunto de trailers falsos que homenajean al cine serie B y le dan título a la película.
En “Death proof” se pueden ver muchos elementos de las películas de terror de los años 80 además de escenas de “Bullit” (1968) y un especial homenaje a “Fair Game” (1986 )de Mario Andreacchio.
Robert Rodriguez en” Planet terror” por su parte homenaje a las películas de Zombis de la línea de George A. Romero mezclándolo con toques de su idolatrado Carpenter.
Rodriguez es otro de los directores surgidos del VHS. Sin estudios particulares de cine el director aprendió viendo peliculas.
Al igual que Tarantino tiene un estilo muy personal en el que predomina la estética del cine de bajo presupuesto. Zooms rápidos, cámara en mano y efectos especiales caseros son elementos clásicos del director que siempre se ha considerado un defensor del cine independiente. Para Rodriguez los problemas de producción se deben resolver con creatividad no con dinero.
Kevin Smith es otro de los directores independientes que solo cuenta con cuatro meses de estudios en una escuela de cine. Fue en sus años de trabajo en una tienda local donde comenzó a plasmar la que sería la película que le lanzaría a la fama. “Clercks” se realizó con un presupuesto de 27.000 $ y en ella el director realizó un análisis de la cultura de consumo estadounidense, realizada bajo el prisma de un vendedor detrás de una caja registradora con un particular sentido del humor.
La película está llena de diálogos ingeniosos. Refleja la cultura cinematográfica adquirida por los jóvenes de la época.
Paul Thomas Anderson nacido en 1970 fue uno de los primeros de la generación «videoclub» de cineastas. Su padre fue el primer hombre en su bloque de poseer un reproductor de vídeo, y desde una edad muy temprana Anderson tenía una infinidad de títulos disponibles para él.
Anderson comenzó a realizar películas a una edad muy temprana. Considerado desde muy joven un niño prodigio del cine, apenas asistió dos días a una escuela cinematográfica,
Las películas de Anderson presentan personajes complicados y desesperados generalmente con relaciones familiares disfuncionales.
Como el resto de los compañeros de generación introduce elementos atrevidos como como la cámara en constante movimiento, tomas largas realizadas con Steadicam y utiliza la música de una forma muy personal, utilizando muchas capas de audio mezcladas. Entre sus películas más conocidas están “Magnolia” (1999), “Pozos de ambición” (2007) y” The Master”. (2012).
No se puede hablar de la generación VCR sin referirnos a una de las películas más importantes que definen lo que ha sido este grupo de autodidactas. Nos referimos a “Slacker” (1991) de Richard Linklate. “ Slacker” es una de las películas independientes americanas clave de la década de 1990. Primer largometraje del director, que supone una mirada audaz a la cultura veinteañera en la ciudad universitaria de Austin.
Este primer experimento realizado con la cámara al hombro daba muestras de la capacidad innovadora del director.
A pesar de que la película captó la atención de muchos aficionados, linklate no llegó a convertirse de la noche a la mañana en un director de culto como sucedió con otros compañeros suyos. Sin embargo su carrera cinematográfica ha brillado cada vez con mayor intensidad.
Linkate aprendió viendo películas pero su cinefilia no tiene mucho que ver con Tarantino o Rodriguez, el ojo cinéfilo de Linklate ha sabido absorber la esencia de de grandes cineastas como Max Ophuls o Michelangelo Antonioni logrando que el uso sensible de su cámara funcione.
Su ultimo experimento “Boyhood” asi lo demuestra. Linklater ha llevado hasta la pantalla del cine una historia apasionante y conmovedora desde una mirada nueva.
Nos quedamos con el tráiler de la película independiente del año. Espero sus críticas.
En el año 2011 el director coreano Park Chan- Wook pasaba a la historia por ser el primer cineasta en grabar una película filmándola únicamente con dos teléfonos móviles iPhone. La película “Night Fishing , de 30 minutos de grabación fue producida por 80 personas.
La llegada masiva de los teléfonos móviles y Smartphone a los bolsillos de los usuarios ha llenado la red de películas amateurs. No importa cómo se realiza la película, si se filma con teléfonos móviles, cámaras Reflex o cámaras semiprofesionales. Tampoco importa el formato. La red está repleta de cortometrajes, largometrajes, videoclips o incluso webseries. Lo único que importa es la creatividad y la ilusión por comunicar.
A pesar de que puede parecer una nueva práctica, no estamos ante la primera generación de cineastas amateurs.
A finales de los años 50, cuando las cámaras Super 8 llegaron a los hogares norteamericanos, sucedió un fenómeno cultural que tendría consecuencias transcendentales en la historia del cine. Grupos aislados de adolescentes saldrían a la calle a grabar con su cámara. Pusieron de moda lo que se ha denominado las “Blackyard Monster Movies”. Se trataba de películas caseras de terror grabadas sin presupuesto y con muy pocos medios.
Los adolescentes echaban mano a todo lo que encontraban para que sus películas de miedo y ciencia ficción tuvieran un aspecto profesional. Efectos especiales en Stop Motion, maquillaje rudimentario y mucha imaginación.
J.J. Abrahams en “Super 8” (2011) realizaría un homenaje a todos estos niños. La película producida por Steven Spielberg es la más autobiográfica de las películas de Spielberg. Aunque paradójicamente no fuera dirigida por el propio realizador.
En “Super 8” aparecen elementos de la vida del “joven Stevie” que ha sido uno de los famosos directores creadores de estas celebres “Blackyard Monster movies”. Además de la afición de estos niños por el cine, en la película aparece el descarrilamiento de un tren. Steven Spielberg tenía una maqueta de tren el garaje de su casa. El juego favorito de Spielberg era hacer descarrilar el tren. Una de las primeras grabaciones del realizador sería su tren de juguete saliendo de las vías. El tercer elemento que forma parte de la biografía de Spielberg, fundamental en la película, son las alienígenas. El realizador estaba obsesionado con la ciencia ficción y los monstruos desde muy pequeño.
Spielberg llegó a convertirse en uno de los más famosos directores de cine de la historia. No puede decirse que fuera el único surgido de esta práctica, que duró hasta mediados de los años 70. Otros nombres, realmente importantes, forman parte de esta generación de cineastas que comenzaron grabando con su Super 8. Todos ellos formaron una nueva generación en la que han integrado películas de ciencia ficción, terror con espectaculares efectos especiales.
A pesar de que se ha apuntado como principal causa del fenómeno cultural a la comercialización de las cámaras portátiles hay otras circunstancias que propiciaron la práctica.
A finales de los años 50 en pleno auge de la televisión, los canales programaban sesiones de cine en las que se emitían dos y tres películas de ciencia ficción y fantaciencia. Las sesiones estaban dirigidas por personajes mediáticos, grandes agitadores que se disfrazaban, interrumpían las emisiones y contaban historias de miedo convirtiendo los programas en auténticos shows que causaban furor entre los adolescentes.
Vampira y Zacherely son dos de los presentadores más famosos.
Maila Nurmi, más conocida por Vampira, es una de las presentadoras más famosas de los shows de los monstruos de los 50. Tal como relata David Skoal en “Monster Show”, (un libro obligado para los amantes del cine clásico de terror), Vampira , con su gótica imagen y una sorprendente cintura de avispa , llegó a imponer su moda. Una corta relación con James Dean y su presencia en todos los círculos de famosos de la época la llevo a conseguir una gran popularidad. Tim Burton en “Ed Woods” guarda un papel para este famoso personaje.
Otros de los famosos presentadores de esa época era John Zarcherle. Zacherley (nombre con el que era conocido) apareció por primera vez en el papel de enterrador en un programa de televisión. Esto le marcaria para toda su carrera posterior. Cejas arqueadas, dientes puntiagudos y una risa profunda formaban parte de su papel de agitador animador de las sesiones de miedo. Los fans lo conocían por el “Cool ghoul”.
En la actualidad Zacherle continúa viviendo en su casa de Nueva York.
La enorme popularidad de los shows se extendió a la música. Una canción de Bobby Picket llamada Monster Mash , se convirtió en uno de los grandes éxitos entre los adolescentes de Norteamérica.
En este contexto, James Warren, un editor con olfato para los negocios decide publicar una revista de un solo número que recogería toda esa cultura tan de moda. Se puso en contacto con Forrest Ackerman, un coleccionista de ciencia ficción, imprescindible en cualquier evento relacionado con la Sci fi (termino creado por el propio Ackerman) para juntos lanzar un número único de la revista.
La revista Famous Monster of Filmland se publica en 1958 con una edición de 2000 ejemplares. Contaba con innumerables fotografías pertenecientes a la impresionante colección de Forry. La revista tuvo un éxito rotundo. Se realizaron varias ediciones más y se decidió lanzar nuevos números.
La publicación tuvo su mayor apogeo durante los años 60. Forrest Acerkman (del que hablaremos en otra próxima entrada) fue el elemento fundamental para que la revista tuviera el alcance y la influencia que tendría en los niños de esa generación.
Innumerables jóvenes y niños se convirtieron en fans de la publicación. Esta les hablaba de sobre las películas de monstruos y ciencia ficción que estaban reponiendo en la televisión y las películas que veían en las sesiones matinales de sus ciudades. Los” Matinee” que tan bien describe Joe Dante en su película del mismo nombre.
La publicación mostraba el “making off” de las películas y promovía concursos de cine de monstruos. Además, ponía a disposición de los lectores, a través de una tienda por correo, todo lo necesario para realizar películas, maquillajes, caretas y hasta cámaras en formato super 8.
La respuesta de los lectores no se hizo esperar. Los jóvenes comenzaron a crear filmaciones caseras que enviaban a la revista. La revista no tenía la posibilidad como tenemos aquí de mostrar los resultados, pero premiaba los mejores trabajos y mostraba fotografías de las películas ganadoras y de los ganadores. Uno de los primeros niños-cineastas que realizaría películas de cine fue Don Glut. Pueden verse videos de esas primeras películas realizadas de una forma totalmente artesanal en youtube. “Atom Man vs Martian Invaders (MPC Fireball XL5 Toy)” es una de ellas.
http://www.youtube.com/watch?v=RbimXDkGQQM
Don Glut igual que muchos de estos niños continúo dedicándose al cine, aunque de otra manera. Actualmente escribe guiones y ha escrito muchos libros sobre el cine de fantaciencia.
Con más éxito que Glut oscarizados especialistas en efectos especiales, guionistas, productores y directores de televisión se han dedicado al cine alentados por la revista y por supuesto una legión de directores de cine que posteriormente han querido mostrar su gran conocimiento del cine de ciencia ficción de los años 50 y de fantaciencia de los años 20 hasta los 60. Los nombrados Spielberg, Lucas, Landis y Dante así como Tim Burton, Peter Jackson, Guillermo del Toro y el propio Alex de la Iglesia.
Nos quedamos con “Super 8” y la historia que Steven Spielberg quiso contarnos sobre sus recuerdos de la infancia.
Doctor Sueño es el nombre de la continuación de El Resplandor, novela que Stephen King escribió en el año 1977 y que fue llevada al cine por Stanley Kubrick.
El escritor norteamericano además ha anunciado que en este año publicará dos novelas más. El prolífico novelista ha vendido más de 350 millones de libros. Se considera que es el escritor que ha sido llevado más veces al cine. .
Decía Clide Baker que hay dos libros en todas las casas norteamericanas. Una es la biblia la otra un libro de Stephen King.
El pequeño Stephen
Stephen King fue criado al borde de la pobreza por una madre trabajadora después de que su padre abandonara a la familia cuando Stephen contaba con dos años. Desde pequeño, King estaba fascinado por los monstruos de la cultura popular que leía en tebeos y en revistas. Su afición por escribir surgió cuando en unas cajas del trastero de su casa King descubrió los textos que su padre escribía.
Cuando terminó la universidad, King sobrevivía dando clases en ingles y escribiendo relatos cortos para revistas masculinas. Vivía en una caravana, escribía en una mesa con máquina de escribir que había ocupado el sitio de la lavadora.
Cuando en 1973 King escribió Carrie, su vida cambió. Los derechos de Carrie se compraron en 1973 por una cantidad astrológica. Se publicó con una primera edición de 30.000 ejemplares. En el año 1984 sus libros ya se comercializaban con una tirada de un millón de ejemplares.
King triunfó con Carrie al explotar la conciencia de esos años en America. Carrie cuenta la historia de una extraña alumna de nueva Inglaterra que se arrastra ante la dominación de su madre. La adolescente tiene un talento latente para la telequinesia. Mueve objetos y es capaz de despertar una energía desbordante. El problema es que Carrie no controla su extraño don. Cuando experimenta su primer ciclo menstrual Carrie, que no sabe que es lo que le está pasando, sufre un ataque de histerismo al pensar que va a morir. Sus compañeras le acribillan y pasa a ser el objeto de sus bromas.
La obra culmina durante el baile de fin de curso, allí Carrie es objeto de una novatada de muy mal gusto que supone el detonante de que sus poderes psíquicos se descontrolen. A través de sus poderes va a vengarse de sus compañeros y de media ciudad.
Para King la inspiración vino de una vecina suya que era una chica peculiar. Estaba obsesionada con los sorteos y concursos. La chica ganaba cosas extrañas, como el suministro de lapiceros, o un coche de colección, el cual permaneció durante años en el jardín. King recuerda que esta chica termino ahorcándose un día de verano.
Para el novelista, el fanatismo religioso de Carrie en realidad es una metáfora de la obsesión de miles de americanos por hacerse ricos de la noche a la mañana. King consideraba que la adolescencia es un momento donde se llevaban a cabo los ritos de iniciación que llevarían a los adultos a convertirse en lo que son. Estos ritos de iniciación sirven de abono en muchos casos para género de terror. Sirvan de ejemplo las mutaciones del hombre lobo o los ritos vampíricos.
Muertos vivientes
A mediados de los 70, la sociedad acababa de atravesar una aguda recesión económica que zarandeo el sueño americano. Por entonces, las clases medias y bajas habían comenzado a perder terreno de manera perceptible. Los muertos vivientes de George Romero llenaban los circuitos de películas de medianoche, se trataba de una alegoría acerca de las diferencias sociales, los que tienen y los que no (los muertos vivientes y los vivos) luchando por sobrevivir.
Stephen King ha querido representar a los miles de americanos que mantienen viva la fantasía cultural de la metamorfosis cultural.Todas las obras de King tienen en común su lenguaje populista, una prosa cercana al dialogo trascrito con una informalidad de la dicción casi total. El novelista sabe que muchos de sus lectores no lee ni escribe mucho.
Stephen King
El aspecto de King es el del clásico mito de transformación norteamericana. En las presentaciones siempre aparece vestido informalmente con vaqueros y deportivas dispuesto a hablar y beber una cerveza.
El hecho de que las obras de King sean capaces de despertar emociones y que la obra se base tanto en imágenes, ha hecho inevitable que fueran llevadas al cine.
Desde el año 1976 hasta la actualidad se considera que hay cerca de 60 películas que están basadas en obras de Stephen King, todas ellas con diferente suerte y calidad. La mayoría de ellas no han alcanzado ni de lejos el éxito comercial de sus novelas.
Excepción a esta norma supuso la primera novela llevada al cine, adaptación de Brian de Palma de Carrie (1976). De Palma se tomo cierto número de libertades con la historia y mejoró el producto con secuencias hitchokianas, la escena de la ducha la, el bautismo de sangre en el baile.(rodada en cámara lenta) y creó una nueva muerte para la madre de Carrie, en la película crucificada con utensilios de cocina. La novela ha sido llevada al cine en dos ocasiones más.
El resplandor (1980) de Stanley Kubrick fue una decepción tanto para los fans de King como de Kubrick, a pesar de que como todas las creaciones de Kubrick ha terminado siendo una película de culto para los fans del director.
Stephen King nunca comprendió esta adaptación, consideraba que los personajes de Kubrick eran fríos, más parecidos a hormigas que a hombres. Para King el director no había acertado ni con Wendy Torrance ni con el mismo Jack Torrance, personaje que él consideraba el mas autobiográfico de toda su creación.
Firestarter (Ojos de Fuego 1983) contó con Drew Barrymore, al niña de ocho años que había emocionado al mundo en E.T., Barrymore representó a una niña con poderes sobrenatural que le permitían encender fuegos con una simple mirada. Un reparto plagado de estrellas como George C. Scott, Martin Sheen, Lousie Fletcher, Art Carney, Heather Locklear y los impresionantes efectos especiales salvaron una película mediocre.
Christine la novela llevada al cine por de John Carpenter. fue vendída a la productora antes de ser publicada. Cuando los productores vieron la obra terminada encontraron en la obra de King una de sus novelas más flojas e inconsistentes. King había escrito la novela a golpe de drogas y Rock and Roll. El comienzo de cada capítulo contiene la letra de una canción de Rock por la que hubo que pagar muchos derechos de copyright. A pesar de ser una obra menor de Carpenter, la película tiene un par de escenas brillantes.
Cujo tambien de los años ochenta es una adaptación de una novela corta un director con menos talento como es Lewis, aunque a pesar de ser previsible responde a las expectativas típicas de terror.
The dead zone de David Cronenberg cuenta la historia del profesor Johnny Smith,(Christopher Walken) que descubre al despertar de un coma que tiene la capacidad de ver el futuro al tocar a las personas y que puede cambiarlo.
La novela La zona muerta fue enviada a Hollywood poco después de su publicación en 1979, varios guionistas y directores estuvieron involucrados en su producción antes de que Cronenberg se hiciera cargo del proyecto en 1982. Cuando llego a manos del director canadiense, Stephen King había intentado escribir un borrador del mismo guión. El guión del escritor necesitaba una adaptación que realizaron el propio Cronenberg y Boman.
Aunque la violencia se mantiene en la película, es menos gráfica y excesiva que la del libro. A pesar de que muchos críticos alabaron positivamente la adaptación de Cronenberg la película no tuvo el impacto popular que se merecía.
Perseguido 1983 es una película Basada en una de las novelas cortas que King escribió bajo el seudónimo de Richard Bachman, The Running Man, ofrece una visión futurista en el que los criminales deben luchar en shows imitando la lucha de gladiadores en juegos televisados y de éxito. A pesar de que estaba protagonizada por Arnold Schwarzenegger y dirigida por Paul Michael Glasser, la película pasó sin pena ni gloria druante los años 80.
En 1984 se estreno los chicos del maíz, basada en un cuento corto de King, la película de serie B, generó 14 millones de dólares de beneficios. Se realizaron varias secuelas. Hoy en día está considerada una película de culto.
Mucho mas intimista y personal es Stand By Me, de Rob Reinar. basada en la novela The body es una historia de adolescentes con un escritor y sus amigos de la secundaria, que se embarcan en un viaje poco probable para localizar el cuerpo de un niño desaparecido. A través de esta tarea, aprenden más sobre los demás y sobre sí mismos.
Esta adaptación es una pieza muy emotiva que explora diversos temores y ansiedades de la gente. La película ofrece una interesante perspectiva de la pureza y la inocencia de la amistad a una edad más joven. La película fue nominada al óscar a mejor guión adaptado.
En La mitad oscura (1993) de George Romero, Timothy Hutton interpretó a un escritor de novelas de terror en una clásica táctica autobiográfico de King.. Esta novela, además de llevarse al cine fue desarrollada como aventura gráfica por Symtus.
La película Misery 1990 es una de las cintas de más éxito de entre todas las adaptaciones de King. Protagonizada por James Caan y Kathy Bates, la cual ganó un oscar como mejor actriz fue dirigida por Rob Reiner y pasó a ser una de las adaptaciones más taquilleras.
En 1994 llega la que posiblemente es la mejor película adaptada de una obra de Stephen King, Cadena perpetua.(The ShanwShark Redemtion) Se trata de la Historia de un banquero de éxito injustamente Condenado a cadena perpetua por asesinar a su esposa. La película está ambientada en la Década de 1940, según la novela corta de King «Rita Hayworth y la redención de Shawshank».
Además de absorbente historia, gran parte del mérito de la película consiste en la dirección Frank Darabont y las interpretaciones igualmente conmovedoras de Tim Robbins y Morgan Freeman, la película es un pedazo de obra cinematográfica. A pesar de que no consiguió ningún óscar, recibió 7 nominaciones el mismo año que triunfó Forrest Gump.
Menos suerte tuvo Verano de corrupción (1998), una Adaptación de la novela de King centrada en un chico de secundaria que fascinado con el nazismo, se obsesiona con un anciano solitario que resulta ser un antiguo comandante de las SS. Su obsesión le lleva a cometer varios asesinatos.
La novela de King se aleja del terror para crear un thriller psicológico.
En The Green Mile» (1999) Darabont vuelve a adaptar una novela de King, en este caso ambientada durante la Gran Depresión. The green Mile muestra la vida de los guardias de la prisión y los presos en espera de ejecución. La eminente ejecución de un hombre negro acusado de asesinato y violación de niños incita a un dilema moral para los que descubren que tiene un don especial que logra sanar.
La película recibió nominaciones al Oscar a la mejor película, guión adaptado, sonido y actor de reparto.
Darabont despues de estas dos grandes películas vuelve a realizar una adaptación del cine en los años 2000 en la niebla. Una película de terror en la que lo terrible no son los seres de dos patas que están al acecho, es la propia naturaleza humana El guión adaptado por Darabont desarrolla cada personaje cuidadosamente demostrando que existe realmente química entre el director y el escritor.
En la ventana secreta (2004) de David Koepp de nuevo el protagonista, como en el resplandor, Misery o stand by me es un escritor, en este caso es Johnny Depp el solitario aislado a causa de su trabajo que se va a enfrentar a sucesos extraños. Koepp no convenció a nadie con esa adaptación que comienza de una forma brillante pero termina con un final previsible, decepcionante.
En los próximos dos años hay previstas 12 nuevas adaptaciones de las obras de Stephen King entre series largometrajes y cortos para cine y televisión. Destacan Cell de Tod Williams, interpretado por John Cusack y Samuel L. Jackson, así como The 10 o clock people, adaptación de Tom Holland. The Talisman será otra miniserie de tv que se espera que se estrene en el año 2015. En la misma línea que La Cúpula , una de las series de más éxito en los últimos años en Estados Unidos.
Esta vez nos quedamos con una pregunta.
¿ De entre todas las películas adaptadas de obras de Stephen King, cual es tu favorita?
“El acorazado Potemkin” es una de las obras maestras de la historia del cine.
Para poder còmprender el cine de Eisenstein, hay que entender contexto histórico en el que se realizó la película.
Después de que Lenin se hiciera con el poder tras el derrocamiento del zar Nicolás II de Rusia se hace necesario un adoctrinamiento de las masas. El cine es uno de los principales instrumentos para propagar las nuevas ideologías que trae la nueva revolución. El atractivo que despierta en las masas así cómo las posibilidades que ofrece como objeto persuasivo lo convierten en un aliado imprescindible.
Dese la llegada de la revolución a Rusia, directores y todo el mundo del cine se ponen al servicio de las nuevas ideas bolcheviques.
La dimensión que adquiere este arte propicia que se experimenten nuevas técnicas narrativas y artísticas. Entre los cineastas al servicio del aparato propagandístico, que posteriormente conoceremos como la escuela soviética, destaca Sergei Mikhailovich Eisenstein. El cineasta estaba convencido que el cine era un medio perfecto para inducir una nueva conciencia en el pueblo.
Eisenstein es un narrador de acontecimientos reales, pero los sucesos los mediatiza a través de su mensaje y la censura del gobierno bolchevique. Los soviéticos consideraban que el espectador solamente debía ver el punto de vista del director. Al espectador había que guiarlo siguiendo unas ideas establecidas Las técnicas que utilizaba eran; atraer, excitar y convencer. Eisenstein logra sus objetivos desarrollando una original estética basada en el montaje.
El Acorazado Potemkin narra un episodio real sucedido en 1905, cuando los marineros de un acorazado se amotinan por las malas condiciones en las que viven.
Los marineros reciben en Odessa el apoyo de todos los ciudadanos que se unen a su revolución, hasta que las tropas del zar intervienen disparando indiscriminadamente sobre toda la población. El acorazado finalmente logra que se les una a la causa varios barcos de la armada.
La película está dividida en cinco episodios, todos ellos cargados de imágenes de brutalidad y violencia. Destaca sobre las cinco partes la secuencia que se produce en las escaleras de Odessa por la fuerte carga emocional que desprende.
Es sobre «Las escaleras de Odessa», la secuencia principal de la película y mítica de la historia del cine, sobre la que vamos a realizar un análisis del montaje, Eisenstein demuestra cómo las imágenes montadas de una manera particular y original son capaces de despertar esas emociones.
La visión que el director quiere que el espectador viva en primera persona es la crudeza y brutalidad de las tropas zaristas, que se presentan como una maquinaria casi perfecta de matar, deshumanizada, ante la que nada se interpone. El pueblo se encuentra sometido a ellas por la fuerza.
Los planos de la secuencia están perfectamente estudiados en su conjunto para conseguir un buen paisaje emocional; vestuario, encuadre, movimientos de la cámara y situación de los actores dentro del encuadre. El montaje de esos elementos en los que se mezclan planos generales con primeros planos es un factor esencial de la expresividad argumentativa del film.
En la primera parte de la secuencia, los planos son largos, acompañados por una música que logra que el espectador se oriente y se haga cargo de la situación y del escenario introduciendo la secuencia. Predominan los planos generales, pero están mezclados con algunos planos cortos de menor duración que intensifican más la emoción de la escena por reconocerse rostros y gestos de personas concretas. Algunas de ellas aparecerán en el ataque posterior.
Un texto anuncia que algo va a suceder. Un rostro de mujer con gesto de horror da paso a la parte principal de la secuencia. Las escaleras marcan el escenario. Los soldados del zar aparecen en la parte superior y comienzan su descenso rítmico hasta la parte más baja de las escaleras.
Comienzan los disparos. El plano general, en el que los soldados están de espaldas en la parte superior de las escaleras, muestra el tamaño de la escalera desde arriba del todo hasta el puerto. Tal como nos transmite el personaje sin piernas que se desplaza a toda velocidad.
La gente huye despavorida. Recorrer esa distancia (70 escalones) para una persona con ambas piernas huyendo puede costar segundos, como mucho un minuto, sin embargo, la secuencia dura unos siete minutos, lo cual nos muestra que el metraje que vamos ver no corresponde al tiempo en el que transcurre la acción. Por otra parte, a pesar de que hemos visto el tamaño de las escaleras, la acción en las escaleras, no sigue una continuidad, provocando una sensación que impide saber dónde empieza y termina el escenario.
Durante toda la secuencia, se enfrentan los planos de los soldados, con sus pasos firmes, generalmente enfocados desde un ángulo vertical, con los planos de sus víctimas en el plano horizontal. La vista de los cosacos siempre está rodada con planos generales, se les pueden ver los pies o formando una fila, en ningún caso se ven las caras de los soldados, sin embargo, la gente del pueblo, tiene rostros, cuerpos, tienen expresión, lo que transmite un efecto mucho más emocional.
Las primeras tomas son más largas, se alternan imagen de los soldados dando pasos mientras disparan, con los de los ciudadanos bajando las escaleras a ritmo de huida.
Las tomas tienen una longitud igual, sincronizada por los primeros compases de la música. Enseguida los fragmentos se comienzan a acortar. Los pasos de los soldados ya no coinciden con los compases musicales. Ahora el ritmo se ha acelerado al acortar la longitud de las tomas, el ritmo lo marca la velocidad a la que los protagonistas anónimos ruedan escaleras abajo para huir del ataque. Las víctimas están filmadas desde diferentes ángulos y con planos medios o cortos.
Además de las botas de los soldados y de los individuos que huyen, aparecen de una forma repetida, primeros planos de personajes que muestran gestos dramáticos. Son los testigos de la gran masacre.
En una de las tomas, un niño suelta la mano de su madre al caer abatido. La madre al descubrir a su hijo herido comienza a subir con el niño en brazos las escaleras en sentido contrario al paso de los soldados. La música se para al mismo tiempo que las sombras de los soldados cubren a la madre con su hijo en brazos. El plano mantiene el dramatismo, la emoción y el suspense de los espectadores. Los soldados disparan, la mujer cae. Un cartel avisa de quienes son los causantes del horror: ” los cosacos”
Esta toma de la mujer en brazos con el niño expectante dura unos 20 segundos, tiempo mucho mayor que cualquiera de los planos anteriores que van alternándose con una media de 2-3 segundos.
De la misma forma, la imagen de la madre que intenta proteger el cochecito de su hijo y es disparada por los soldados tiene una duración también de más de 25 segundos en la que también se mantiene el suspense sin perderse para nada el ritmo ni la emoción de la secuencia.
Durante toda la secuencia, las tomas están cortadas y pegadas, entrelazadas unas con otras, de modo que el tempo en el que van sucediendo las secuencias no es interpretable. Un ejemplo es que cuando los soldados disparan sobre la madre y el hijo, desde que la madre comienza a caer, hasta que termina de caer, podemos ver 3 segundos de otro plano en el que la gente huye, se esconde.
Durante toda la secuencia de las escaleras la estructura del montaje es todo el tiempo una repetición.Se alternan las imágenes de los soldados con la de los ciudadanos perseguidos, y se introducen rostros que ejercen el papel de testigos.
El objetivo es repetir el mensaje hasta lograr persuadir y convencer.
En la última parte de la secuencia, el cochecito que cae es el que marca el ritmo. Eisenstein sabe que los espectadores van a dirigir sus miradas y su tensión hacia el coche que cae, aunque se entremezcle con otra toma. La tensión del bebé cayendo logra mantener la palpitación tanto de los testigos que asisten a la escena como los espectadores que asisten a la película.
En esta última parte de la secuencia, se puede ver claramente que el montaje de las escaleras es rítmico, ya que no solamente la longitud de los fragmentos marca el ritmo, el contenido también acompaña. Los cuadros con mayor contendido emotivo son los que marcan el ritmo. Crean una longitud afectiva y eso es lo que logra calar en el espectador.
Lo mismo podemos extrapolar al resto de las escenas de la secuencia. A pesar de que los fragmentos de los soldados descendiendo sean iguales de duración que los de la gente rodando por las escaleras, los primeros planos que presentan el drama tienen una duración afectiva, diferente por su gran carga lírica y expresiva y son los que logran que se mantengan el mensaje incluso al terminar la película.
Eisenstein pensaba que el director debía de controlar las emociones del espectador. Solamente a través de ellas sería posible que el mensaje implícito de la película impregnara en ellos. Para ello, el montaje debía ser una herramienta esencial que fuera capaz de lograr despertar esos sentimientos que debían perdurar en el tiempo.
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