Yo Frankenstein

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El próximo 30 de abril se estrenará  la película Yo Frankenstein. La cinta  de terror y suspense está dirigida por  Stuart Beattie, interpretada por AAron Eckhart, Bill Nighy e Yvonne Strahovski .

Esta nueva versión de Frankenstein, se narra desde una perspectiva nueva la situación del conocido personaje dos siglos después de que el doctor Víctor Frankenstein le diera vida.  Unas manipulaciones genéticas han permitido que el monstruo perviva desde su creación hasta la actualidad.

Las versiones de novelas y personajes de éxito han sido una constante en la historia del cine.  Los productores saben que se enfrentan a un negocio seguro y los directores en ocasiones quieren realizar su propia versión de las historias que les han marcado su infancia.

Entre los personajes que han sido representados en más ocasiones nos encontramos con tres que han sido resucitados,  repetidos, renovados  en todos los formatos posibles.  Los tres provienen del mundo de los “monstruos”  y de novelas con varios siglos de antigüedad. Nos referimos a  Frankenstein de Mary Shelley,  Drácula de Bram Stoker  y Doctor Jekill y Mr. Hide de Robert Louis Stevenson.

Comenzamos la primera entrega con el monstruo de  Frankenstein

Frankestein.

La  génesis literaria de Frankenstein tiene lugar en  1816 cerca de Ginebra en Villa Deodari , durante una reunión en la que se encontraban Percy Shelley  con  su segunda esposa Mary, George Gordon, Lord Byron y el médico de Byron. Doctor  Polidori.

Lago de Ginebra

Ginebra

Una noche,  alguien sugirió que sería divertido inventarse alguna historia de fantasmas.  Lord Byron narró un fragmento centrado en un Vampiro, que después se consideraría un preámbulo de “Drácula”  de Bram Stroker.  El  doctor Polidori la desarrollaría como novela popular (aunque es bien sabido que se trataba de una historia de Byron). Esa noche,  además,  se habló del origen eléctrico de la vida y de la reanimación de cadáveres.

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Mary Shelley

La joven Mary Shelley,  que entonces tenía 17 años, tuvo una visión  clara. Vio a un  pálido estudiante de medicina  arrodillándose junto a la criatura que acaba de crear. Era un fantasma inerte que movido por un extraño motor mostraba señales de vida, agitándose con un movimiento incómodo. Estas ensoñaciones terminaron plasmadas en la obra Frankenstein, un moderno Prometeo,  que se publicaría dos años más tarde en tres volúmenes.

En el año 1910 la película se llevó al cine por primera vez, de la mano de Edison estudios.  Se trataba de un corto de 20 minutos que la Edison volvió a publicar en el año 1990.  Para ver al monstruo que ahora conocemos  habría que esperar todavía dos décadas.

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Antes  La novela de Shelley se representaría en otros escenarios. Frankenstein llegó al teatro de la mano de otra mujer, Peggy  Webling.

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Peggy Webling

Webling vivió una infancia victoriana en la que los libros y la interpretación centraban su vida.  Peggy había nacido con dotes teatrales.   Ella y sus dos hermanas se exhibían por los mejores salones de Londres recitando poemas.  Su popularidad era tal,  que recibían peticiones de audiencias de los más famosos literatos y poetas de la época.

Cuando   Peggy se hizo mayor  se dedicó  a escribir relatos.  En 1927, Deane,que llevaba  la representación de “Dracula “de gira por Europa, pidió a Webling que  adaptara Frankestein.  Eso sería el comienzo de una fórmula que seguiría capturando la imaginación del público durante todo el siglo XX.

Cuando la obra teatral llegó a Estados Unidos, la crisis del 29 había cambiado el panorama social radicalmente. Millones de personas esperaban un salvador, necesitaban una nueva y controvertida clase de entretenimiento.  Las películas de gánster eran una buena solución, pero las que de verdad se demandaban, por la sociedad amargada  y  paralizada por el miedo,  eran las películas de terror.  Éstas ofrecían una huida instintiva, terapéutica,

En el año 1931 se estrenaría una versión de Drácula otra de Doctor Jeckill y Mr. Hide y surgiría el primer Frankenstein sonoro.

En un primer momento,  se pensó en Bela Lugosi  para interpretar el monstruo. Lugosi realizó una prueba dirigida por Robert Florey  de casi 20 minutos de duración. El resultado no fue el que se esperaba.   La opción de James Whale para dirigir la adaptación de la novela de Shelley resulto decisiva.  Whale se decantó  por   Colin Clive como  Victor  Frankenstein y Mae Clarke como la prometida del joven estudiante.  Quedaba pendiente encontrar al monstruo.

Jack P. Pierce un genio del maquillaje y el propio Whale buscaban algo especial.  Ambos se encontraban bajo la influencia de la era de las máquinas, la obsesión por la nueva tecnología  había llegado hasta  los escenarios,  de la mano de estética cubista, futurista, del expresionismo y  de teorías arquitectónicas de la Bauhaus, Ambos buscaban a su particular monstruo.

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Fueron los rasgos de la cara de Boris Karloff los que hicieron que director y maquillador le pidieran una prueba.   Su actuación fue definitiva.  Por primera vez Frankenstein presentaría esa estética   que hoy representa el símbolo del monstruo con la cara cuadrada construida como un mecano  con tornillos.

El Frankenstein de Whale,  no contó con un presupuesto abultado, se rodó prácticamente  en el interior de los estudios de cine. Algunas de sus escenas fueron censuradas, la más famosa de ellas, en la que Frankestein lanza a una niña al lago jugando con ella y la niña se ahoga, estuvo durante  50 años desaparecida víctima de la censura.

Esta primera versión dio paso a innumerables versiones más del monstruo, es casi imposible nombrarlas todas.  the essential monster movie guide,  de   Stephen jones cataloga más de 65 películas diferentes sobre  Frankenstein.

Las hay mejores y peores y algunas de ellas curiosas.

En 1939 el mismo director, Jack  Whale, dirige La novia de Frankestein (1939). El monstruo por primera vez se enamora.  Esta versión, daría lugar a una  secuela posterior,  La novia (1985),  interpretada la actriz ochentera Jeniffer Beals.

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Años más tardes se estreno   Los fantasmas de Frankenstein, (1942) versión que fue  interpretada por Lon Chaney Jr. El hijo del famoso hombre de las  mil caras

A esta versión, le sigue su secuela  Frankenstein encuentra al hombre lobo (1943). En esta ocasión se cambiaron los papeles. El  hombre lobo fue  interpretado por Lon Chaney Jr y el papel de monstruo fue interpretado por   Bela Lugosi.

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En 1973  Jack Smight  dirigió  una  exitosa versión  para la televisión. La Serie estaba  interpretada por James Mason, leonard Whiting y Jane Seymour.  Destacado el papel de David Mc Callum como el monstruo. La versión titulada Frankenstein: La verdadera historia, realiza un profundo análisis de los personajes de Shelley.  Resulta realmente interesante.

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En  1974 terence Fisher fracasa con su última realización, Frankenstein y el monstruo del infierno. La versión era una libre revisión del mito del  Shelley.   A pesar de que tenía méritos para tener una mejor acogida, por su dosis de imaginación, su fracaso comercial provocó la prematura retirada de su director. Destaca la interpretación de Peter Cushing como Victor Frankenstein. El actor ya había intervenido en la versión el diablo de Frankenstein(1964)

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Hablar de Frankenstein es hablar también de Tim Burton.   Eduardo Manostijeras se ha considerado la versión más libre y actualizada de Frankenstein de los últimos años.  Burton escogió a Vicent Price como “padre” del monstruo que estaría interpretado por Johnny Depp.

Frankenweenie es el mejor tributo de Burton a la versión de Whale. Burton realizó un primer corto de 20 minutos que posteriormente convertiría en un largometraje de Stop Motion que se estrenó en el año 2012.

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Frankenstein ha formado además parte de la familia Adams, el castillo de los monstruos y de géneros tan variopintos como la comedia que tiene en  El Jovencito Frankenstein la  principal representación

200 años después de que una adolescente soñara con un terrorífico monstruo creado por el hombre. El mito sigue vivo.

Nos quedamos con el tráiler de esta nueva versión del siglo XXI.

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Les enfants du Paradis(Los niños del paraíso). Una obra maestra durante la ocupación alemana.

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“Los niños del paraíso” (Les enfats du paradis ) ha sido considerada por críticos y profesionales galos como la mejor película francesa de todos los tiempos.  La obra maestra de Marcel Carné fue  rodada durante la ocupación alemana aunque no vió   la luz hasta después de la liberación de Francia. En  España no llegó a comercializarse hasta la llegada del DVD.

boulevard du crimeLos niños del paraíso está ambientada en el escenario parisino del siglo XIX, en torno al “Boulevard  del crimen,” un nombre  que hace referencia a la pantomima y el melodrama, en pleno apogeo  en el Paris de la época.   Artistas callejeros atraen a las  multitudes ociosas.  En las  Calles bulliciosas se encuentran los cinco  personajes principales de la historia. Baptiste (Jean-Louis Barrault) Un mimo que vive del teatro de la calle. Lemaitre (Pierre Brasseur) un aspirante a actor, Lacenaire (Marcel Herrand) ladrón con aires de escritor y el  Conde aristócrata(Louis Salou). Todos ellos se entrecruzan luchando por el amor de Garance(Arletty) una mujer de espíritu libre que vive de su apariencia y habilidades de cortesana.

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El guión de Jacques Prevert profusamente romántico  es una esplendida epopeya que trata sobre  relaciones entre el teatro y la vida.  El resultado concurre con un gran poema que engloba  todas las variedades del amor. Lo sagrado, lo profano, lo desinteresado y lo posesivo.

El “paraíso” del título hace referencia a los asientos del gallinero en el que se sientan los amantes más pobres. Donde la realidad  mezcla el amor con el teatro.

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Durante la ocupación alemana, en Paris,  el público estaba ansioso por evadirse de la vida cotidiana llena de guerra y tristezas. Los alemanes habían prohibido el cine inglés y americano. Estaban también censuradas las películas francesas anteriores a 1937.  Todo esto supuso para muchos directores una oportunidad, aunque había unas cuantas condiciones que las películas  debían cumplir. Estaban prohibidas las películas antinazis y no  se permitía trabajar a ningún judío en  producciones cinematográficas.

 De las 220 películas rodadas en Francia durante la ocupación. Destaca “ Los niños del paraíso” sobre todas las demás. La película de tres horas de duración,  tuvo que realizarse en dos mitades, porque el gobierno de Vichy no permitía más de 90 minutos de metraje.

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La idea de la película nació en 1943 durante una vista de Carné a Niza para hablar con Prevert sobre su próxima película.  Paseando  por el boulevar, Carné se encontró accidentalmente con Barraul (actor ya famoso que interpretaría a Batipste), éste le contó diversas  historias sobre el teatro.  Entre las historias estaba la de un famoso mimo del siglo XIX (Baptiste Debureau) que mató accidentalmente a un borracho con su bastón, lo que provocó que todo Paris acudiera al juicio para poder oírle la voz.

La historia le gusto tanto a Carné que convenció a Prevert para que hiciera el guión. Para el papel de Garance, Carné enseguida pensó en Arlette.  Arlette en ese momento tenía 48 años.

El rodaje de la película, que fue la más cara del cine francés,  resulto toda una aventura.  El Boulevard del Crimen se construyó en Niza justo antes de que las fuerzas aliadas desembarcaran en el sur de Italia.  Esto provoco que los alemanes ocuparan  la zona y puso en peligro la financiación de la película (que era francoitaliana), Cuando de nuevo se puso en marcha el rodaje, los decorados se habían estropeado.

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Surgieron nuevas complicaciones con los actores. Algunos de ellos eran perseguidos por la Gestapo y había que sustituirlos, posteriormente ante la eminente  liberación, otros (como Le Vigan, pro nazi) tuvo que ser sustituido porque huyo a Alemania .

A pesar de las dificultades, la determinación de Carné hizo posible que la película se terminará de Rodar.

El 9 de marzo de 1945 los niños del Paraiso se estrenó en el Palais de Chaillot y fue un éxito inmediatamente.

La combinación entre el potente guión de Prevert y la dirección magistral de Carné convierten a esta obra realizada durante la ocupación francesa en una autentica obra maestra.

http://www.youtube.com/watch?v=Ff1Bxvrbgrk

El Napoleón de Kubrick

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El afamado director de cine Steven Spielberg comunicó el  pasado fin de semana a la televisión francesa su intención de realizar una miniserie sobre Napoleón. Al parecer,  Spielberg está  realizando el proyecto en colaboración   con la familia del fallecido  Stanley  Kubrick. La intención es  llevar a cabo el sueño nunca realizado de Kubrick  de realizar una superproducción sobre Napoleón Bonaparte, un personaje por el que Kubrick  llego a tener auténtica obsesión.

 

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En el estreno de 2001 una odisea del espacio. Kubrick anunció la realización de la que iba a ser una película épica arrebatadora.  Para la creación  del guión,  el director había dedicado dos años de investigación intensiva con ayuda de decenas de especialistas de Oxford y otras universidades.

La idea de realizar una película sobre Napoleón surgió en 1968. Kubrick, se sentía fascinado e identificado por el personaje.  El cineasta  comenzó a documentarse, llegando a realizar un profundo estudio de la personalidad y la vida de Napoleón. Para Kubrick, Napoleón era el ser humano más interesante de toda la historia de la humanidad. Consideraba la  vida de Napoleón como un  poema épico de acción. Su relación con Josefina era una pasión tan fascinante  como la misma  vida del personaje.

Kubrick, durante años,  se obsesionó con el personaje de tal manera, que tal como contaba  Malcom Mc Dowell, cenaba tomando el postre y la carne al mismo tiempo, copiando las costumbres de  Napoleón. page_ce_kubrick_napoleon_05_0911061344_id_140109[1]

 

El director durante meses mantuvo a un asistente  recorriendo todos los lugares donde había estado Napoleón y tomando muestras de tierra de esos lugares. Se entrevistó con expertos y recopiló  documentos y libros sobre el tema hasta llegar a reunir cientos de volúmenes.  Hizo miles de fotografías a objetos y pinturas. Llegó a amasar un tesoro de  datos, papeles y otros  materiales   Entre el material coleccionado se encuentran más de 15.000 locaciones fotografiadas y  17.000 diapositivas de temas napoleónicos.  Para la preparación de la producción,  el director no  dejo piedra sin remover en busca de todas las piezas que formaran el puzle sobre la vida de Napoleón.

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Kubrick  deseaba  rodar en Francia  por sus magníficos exteriores. También había realizado entrevistas con mandatarios rumanos  y lituanos  para rodar allí las grandes batallas.  En esa época no existía la posibilidad de CGI para efectos especiales , así que pensaba contar con 40.000 hombres de infantería y 10.000 de caballería. A  los expertos técnicos de la NASA, Kubrick les  solicitó que le proporcionaran unas lentes capaces de filmar con luz natural.  Quería recrear la   luz real de la época.  Las escenas de las batallas debían ser un gran retablo donde las formaciones se movían de una manera casi coreográfica.  Solamente de esta manera  se capturaría la realidad en la película.

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El director y productor había contado con todos los detalles. David Hemmings (Blow out) sería su Napoleón, siendo Audrey Hepburn, Josefina.   Él  mismo pensaba diseñar el vestuario,  todo en la confianza de que su Napoleón podía convertirse en  “la mejor película jamás realizada . »

La obstinación de Kubrick por el proyecto, le llevo a recorrer  varios estudios cinematográficos, ninguno de ellos lo vio  con buenos ojos. Se trataba de un proyecto de mucho riesgo, teniendo en cuenta que  las epopeyas épicas eran un género pasado de  moda.

Tras el fracaso de Waterloo de Sergei Bondarchuk en 1970 Kubrick abandonó el proyecto de Napoleón: Parte de la investigación de Napoleón se aprovecho para  Barry Lyndon. Es fácil imaginar que  los dos proyectos ( Napoleón y Barry Lyndon ) se extrajeron de la misma tela , este último nacido de las cenizas de la obra abandonada.

Después de la muerte de Kubrick, la familia intentó  que Ridley Scott o Angie Lee  llevaran a cabo el proyecto no realizado del director.

Finalmente ha sido Spielberg el que ha tomado el relevo.  Lo hará realizando una miniserie  para HBO. Es Baz Luhman el nombre que más se baraja para dirigir la miniserie. Luhman, australiano acostumbrado a trabajar con grandes presupuestos cuenta con el respaldo del director y un abultado presupuesto.

Estaremos atentos a este proyecto que promete.  Entre tanto. Para los fans de Kubrick o aficionados a temas  Napoleónicos, un libro muy recomendable  Kubrick, Napoleón: The greatest movie never made.  De  Alyson Castle  Publicado por Taschen en su versión facsímil de 2011.

La primera “It girl”. Clara Bow.

clara bow 1926 - by eugene robert richee

IT en la actualidad se define como “esa” cualidad que poseen algunas personas que atraen a los demás con su fuerza magnética.  Puede tratarse de una atracción física o mental.

El término se ha extendido a estrellas y personajes del celuloide rodeados de glamour que sirven de modelos para legiones de seguidores que imitan su forma de vestir y moverse. A lo largo de la historia se han considerado It Girls a mujeres  tan diferentes  como Jacqueline Kennedy o Ava Gardner.

En la actualidad It, se relaciona sobre todo con mujeres del mundo de  la moda.

El término It fue acuñado por Elinor Glyn durante los años 20.  Elinor Glyn era una novelista  de éxito inglesa  que triunfó en  Hollywood como guionista.  Sus contenidos de fama eran considerados escandalosos para su época.

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Para Glyn,  It era el atractivo     sexual. La sexualidad.  A pesar de que en la época el concepto se considero muy avanzado, al ser  Glyn una mujer respetable, una dama de la alta sociedad, fue aceptado por la gente común.

La diferencia que Glyn  planteaba al referirse al término,  era que It era una cualidad innata.  La persona que nacía con ese atractivo no necesitaba esforzarse para mostrar su cualidad. Mostraba con “indiferencia” ese magnetismo sexual. 

El hecho de ser una  “It girl “no significaba obligatoriamente ser una “chica mala” era ser  fresca,  divertida, sexual.

Glyn encontró en Clara Bow el modelo perfecto de It girl.

Clara Bow

Bow era una mujer bonita, sexy y encantadora.  El público la adoraba. Sin duda tenía esa cualidad   hipnótica y fascinante. En 1927  Clara Bow  interpretó con un éxito rotundo la Película It.

Clara Bow fue uno de los primeros ejemplos de estrella mediática. Todo el mundo quería imitar su peinado, su ropa, su maquillaje. Las mujeres copiaban su personalidad.  Su habilidad natural fue captada película tras película. Sus travesuras y los escándalos que la acompañaban fuera de la pantalla  apoyaban su personalidad, divertida espontánea e inteligente.

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En los años 30 y 40 los directores de cine mudo debían ser maestros en contar historias con la menor cantidad de palabras posibles.  La historia se contaba por medio de los gesto y las interpretaciones . Los grandes actores eran  personalidades fuertes que jugaban a  interpretarse a sí  mismos.

Clara  Bow  triunfó a pesar de que el ideal de belleza de la cultura americana era la mujer rubia dispuesta a cualquier cosa por triunfar.

La película It se construyó enteramente en torno a la personalidad de Bow y su atractivo. Cada cuadro y toma tiene como objetivo  ensalzar a la joven sex symbol.

La historia que cuenta el film es bastante convencional, un cuento de cenicienta.

Una dependienta humilde de una tienda de Manhattan se enamora de su jefe (Cyrus) . A pesar de su diferencia de clase,  Cyrus siente atracción hacia su empleada.  Una serie de malentendidos  complican la trama de la película que termina felizmente.

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It convirtió a Bow en la actriz mejor pagada de la paramount. Está considerada una de las primeras sex-symbol del cine.

A pesar de  lo poco acostumbrados que estamos en la actualidad a las películas mudas y el blanco y negro, resulta delicioso  visionar  a esta gran artista en plena acción. Descubrir el talento único y original de una mujer que tenía el genio natural innato. A través de cada frame puede observarse la definición real de lo que es una estrella de cine.

No se pierdan la película en la que la propia Elinor Glyn, a quién le debemos el concepto de It Girl  realiza un cameo
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