Las mejores películas ambientadas en Halloween.

 

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La noche de Halloween se ha convertido en un gran negocio para el mundo del cine. Maratones de televisión, estrenos y remasterizaciones llenan estos días las salas de cine y los salones de tv. Las películas de terror se han incorporado a la tradicional  noche de los muertos.

A pesar de que los orígenes de Halloween de remontan a la celebración del año nuevo celta que se celebraba el día 1 de noviembre. Es realmente a finales de 1800 cuando Halloween comenzó a convertirse en la fiesta que se conoce actualmente. Las bromas se incorporaron a la tradición popular. Los niños timbraban a las puertas de las casas y ensuciaban los pomos.  Eran bromas toleradas y bien vistas.

En la película musical de 1944 “Cita en San Luis” se retrata el ambiente que se vivía en estas fiestas en las que ya existían los  disfraces y las hogueras.

La película se ha convertido un icono en estas fechas, representándose obras de teatro en pueblos y colegios como homenaje a las antiguas tradiciones.

La fiesta en la actualidad se ha convertido en un gran negocio, a la venta de regalos, dulces y disfraces se une la industria del cine y la televisión. Los productores programan sus estrenos coincidiendo con el mes de noviembre.

A pesar de que se ha generalizado el terror como un género destinado a la noche del 31 de octubre, muchas producciones se ambientan directamente en esa noche.

 “Los crímenes del payaso “(1976, Candy) es una de las primeras películas ambientadas en  la noche de Halloween. En la película de terror, un asesino en serie va a cometer sus delitos mientras realiza “truco o trato” una de las costumbres de los niños durante esta fiesta. La producción, basada en la historia real de un payaso asesino, relata como una broma se convierte en una auténtica pesadilla.

http://www.youtube.com/watch?v=vOLUvZWp9uQ

A pesar de no ser la primera película que trato el tema de Halloween, hay una película que marca un antes y un después en el terror de noviembre es “La noche de Halloween” de John Carpenter.

http://www.youtube.com/watch?v=oRq5AjvvEpk

La producción de 1978 que surgió como una película de bajo presupuesto ha dado lugar a una saga completa formada por 10 películas y una más que se estrenara este 2014. Entre las películas se encuentran secuelas y  remakes y una  reciente versión.

La historia comenzó cuando John Carpenter y su socia productora Debra Colina recibieron una oferta para hacer una película de terror sobre una niñera que era acosada.  Tras estudiar el proyecto, ambos deciden que es la producción resulta muy costosa. El guión debe cambiarse para que todo suceda en una sola noche. Sería la noche de Halloween.

Parte de la fuerza de la película radica en el personaje principal, Michael Myers, un asesino enmascarado que fue introducido por el propio Carpenter. Myers representa la reencarnación del miedo a lo desconocido que pueda esconderse a la vuelta de la esquina o en la oscuridad de un parque.

Carpenter logra que sintamos como desde algún lugar podemos ser observados.  No hay apenas sangre ni efectos especiales en la película, ni son necesarios. La banda sonora realiza un papel fundamental.

Carpenter quiso continuar con la saga contando otras historias de miedo que también tuvieran lugar en la noche del 31 de octubre, pero Myers se había convertido en una franquicia demasiado valiosa como para no considerarla.

“Halloween II “ (1981) dirigido por Rick Rosenthal a pesar de que  contaba con un presupuesto más abultado, no alcanzó la calidad de la primera versión.    El personaje de Myers ya adquiere un carácter y unas características más personales. La amenaza anónima se ha convertido en un monstruo concreto.

El éxito de taquilla de la II parte crear una nueva secuela.  En esta ocasión Carpenter por fin lograría deshacerse de Myers para crear una nueva historia para Halloween.

“Halloween III, el día de la bruja” se realiza un año más tarde. La historia, más complicada que las anteriores, mezcla brujería, con ladrones de cuerpos, de robots y todo ello ambientado en la tradición de Halloween.

A pesar de que la película mantenía bien la atmosfera de terror, no dejó satisfechos a los fans incondicionales de la saga que consideraron que esto no era lo que habían ido a ver a los cines.

Esa fue posiblemente la razón para que en 1988 se decidiera resucitar a  Michael Myers.

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La resurrección del personaje dio para unas secuelas más “Halloween IV El retorno de Michael Myers” “Halloween V la venganza de Michael Myers” (1989)  “Halloween VI La maldición de Michael Myers” (1995).  H20: 20 años despues” (1998), “Halloween: Resurección” (2002), “Halloween: El origen” (2007) y “Halloween 2:H2” (2009) peliculas sin duda dedicadas a los innumerables fans de una saga que ha creado adictos.

El éxito de la película de Carpenter dio comienzo a un nuevo género en el que se mezclaban asesinatos de adolescentes con fantasmas y con disfraces.

En “Noche infernal” (DeSimone, 1981)  Se une la mezcla del terror de casas encantadas con el slasher  he de Halloween en una producción de serie B sin gran ambición.  Por el papel principal de la película Linda Blair fue nominada al premio a la peor actriz del año.

A pesar de que la mayoría de las películas ambientadas en Halloween son cintas de terror, no es el único género que se estrena en estas fechas. Las comedias-terror y películas familiares hacen las delicias de jóvenes y de toda la familia.

Es el caso del telefilme “La noche del baile de medianoche” (1985) en la que se cuenta la historia de un grupo de jóvenes que la noche de los muertos convocan a sus antepasados.

Otra de las producciones que tiene todos los ingredientes de terror Halloween es “ El misterio de la dama blancaEl argumento gira en torno a un estudiante en la noche de Halloween que  escondido en un armario es testigo de un asesinato ocurrido 10 años antes.

No todas las películas del subgénero son películas de bajo presupuesto. En “El retorno de las brujas” (1993), la Disney apostó por un producto familiar de éxito con actores consagrados y abultado presupuesto que tuvo una importante recaudación en taquilla. La película se ha convertido en otro de los clásicos para ver cada noche de Halloween.

Igual de mítico es el largometraje de Tim Burton “Pesadilla antes de navidad” una producción de animación musical que con el inconfundible sello de Burton muestra una original relación entre Halloween y Navidad .

Burton volvió a repetir tema  años mas tarde en su “ Sleepy Hollow”. La historia de este fantasma que cortaba las cabezas se ha convertido en una auténtica tradición el día de Halloween. La novela  de Washington Irving, no  está ambientada en la noche de los muertos pero hay tres elementos que la convierten en un cuento perfecto de miedo;  el  fantasma que vuelve de la muerte,  el climax en una noche otoñal y la calabaza como protagonista.

Entre las versiones de “Sleepy Hollow” destacan la pelicula del año 2004 “The Hollow” y la serie de televisión “Sleepy Hollow” creada por Roberto Orci.

Otra película de gran éxito dedicada a la noche de las calabazas es la producción de  Michael Dougherty “Truco o Trato, terror en Halloween” (2007)  El filme intercala cuatro historias que suceden en la noche de Halloween.  Lo valioso del film es que resulta un homenaje claro a e a muchos de los subgéneros que envuelven el terror, que se ven plasmados en el conjunto de sus historias.

 “Scare Zone” de Binkowsky (2009) cuenta la historia de Oliver que es el propietario de una de las casas del terror de feria que se instalan en Halloween. La película del entonces desconocido director es una  mezcla el terror con comedia transformada en una película de culto.

En la película de Leone “ All Hallows´eye” (2013) se vuelve a llevar a los cines  la trama de payasos asesinos que aterrorizan a la población.  El personaje principal está inspirado en  el personaje que escribió para sus cortos unos años antes.

La película aunque en ocasiones resiente su bajo presupuesto, tiene escenas realmente perturbadoras.

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Las carteleras de los cines van preparando para la celebración del próximo día 31 de octubre.

La reposición de la película de Carpenter será probablemente la protagonista de nuevo este año, pero hay una producción que viene este año con fuerza.

Se trata de una cinta de terror destinada a los adolescentes que tiene una muñeca como personaje principal.

“Annabelle” ya está dando que hablar en los cines de medio mundo. Nos quedamos con su tráiler.

El vestido verde y la importancia del vestuario en el cine.

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En el año 2008. La revista Times elevo el vestido verde que lucía Keira Knightley como Cecilia Tallis en “Expiación” (2007) a la categoría de  “El  mejor vestido del cine.”

Habría desbancado de esta forma a dos grandes mitos del Hollywood clásico; a Marilyn Monroe con su icónico vestido vaporoso color crema que se elevaba en las rejillas del metro en  “La tentación vive arriba” y a  Audrey Helpburn con el glamouroso vestido negro de Givenchy de “Desayuno con diamantes”.  

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Keira Knightley de esta forma pasaba a convertirse  en un  referente de estilo de la moda del siglo XXI, convirtiéndose también en la imagen de Chanel.

El traje, un espectacular satén verde esmeralda, además de definir perfectamente la personalidad de Cecilia, encuadraba el periodo de los años 30 y 40 en los que la película tiene lugar.

Todos los vestidos de Cecilia fueron diseñados por Jacqueline Durran,  que anteriormente  había ganado una estatuilla de vestuario por  en “Orgullo y prejuicio”. En esta ocasión fue nominada pero no gano el Oscar.

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A pesar de que todos los modelos de la película estaban cuidadosamente elaborados y cuidados, Jacqueline Durran tuvo que prestar especial atención a este vestido ya que el estilo y la forma eran fundamentales para retratar el carácter del personaje debía poder presagiar cambios posteriores en la película.

Fue el propio director de la película, Joe Wright el que superviso todo lo relacionado con el traje; el color, el corte, la silueta y como debía funcionar el movimiento en cada plano.

Para Wright, la importancia del diseño radicaba en que el espectador debía recordar este modelo porque era el vestido que la protagonista llevaba la noche que cambió su vida, y es el momento que la película cambia de tono.

Un diseño de estas características no es fruto de la casualidad ni surge de una inspiración momentánea. Hay un proceso cuidadoso y elaborado que precede a la creación.

Por una parte el vestido debía evocar las ideas de la juventud, la alegría, la tentación y la sensualidad pero debía hacerlo de una forma elegante, demostrando que Cecilia pertenecía a una familia adinerada y aristocrática.

La elección del color del vestido es primordial. El verde “rabioso”  evoca connotaciones de riqueza y aristocracia al representar la piedra esmeralda. El tono verde también representa la envidia de la hermana de Cecilia, Briony, enamorada de Robbie, el amante de su hermana. La diseñadora, Durran, consideraba que el verde era una buena elección para mostrar “la tentación”, tema que está pendiente durante toda la escena en la que la protagonista lleva el diseño.

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Fue un maestro tintorero de Londres el que creó en más de 100 metros de seda ese color tan particular (o colores como veremos) mezclando tres opciones de vestidos verdes seleccionados. Uno de ellos de seda verde otro de organza verde y negro y otra de seda. Con las tres muestras combino para crear el nuevo diseño.

El vestido durante toda la película parece cambiar de color y es que realmente cambia. La actriz no lleva siempre el mismo vestido. Lleva la combinación de cuatro diferentes.   En un primer momento aparece un verde muy brillante cuando Cecilia abre la puerta a su amor secreto. Este brillo refleja la ansiedad al enfrentarse a Robbie. En la escena de sexo en la biblioteca el color del vestido es más oscuro, mas color selva.

 

Con respecto al corte y la tela del vestido. El director se basó en las páginas de la propia novela de Ian Mc Ewan en las que describía las sensaciones de la protagonista con el vestido. “Cecilia sentía la caricia de la seda de su falda, sintiendo su elegancia y como se resbalaba sobre el tejido. La imagen de la joven frente al espejo era la de una sirena en la que la tela formaba parte de sus movimientos. Parecía como si se encontrara nadando bajo el agua.” Así tenía que ser el modelo que luciera Knightley.

Para que el modelo funcionara la parte de la falda tenía que tener un amplio dobladillo que se moviera bien en todos los planos. La actriz tendría que tirarse al suelo y levantarse y para ello había que probar cada una de las tomas.

Además del movimiento, la protagonista tenía que mostrar cierta desnudez para lograr una amplia sensualidad. Eso solo se conseguía con una tela fina y suelta de cuerpo.

Se probaron unas decenas de vestidos, algunos de ellos tenían tan fina la tela que creaban arrugas en ciertas posiciones, otros se rompían ante el menor movimiento.

Finalmente se creó un modelo de vestido con cuatro variaciones que aunque no era propiamente de los años 30, ya que tenía detalles de los 20, encajaba plenamente con las descripciones que se relataba en la novela. El vestido tenía aberturas diferentes según el plano y los movimientos de la actriz.

No solo el vestido fue estudiado con todo detalle, el maquillaje y los complementos también fueron analizados con detenimiento.

El maquillaje de Knightley tenía que evocar también la época, pero el rímel profundo y el esmalte rojo fuerte harían parecer mayor a la actriz con lo que se decidió suavizar el maquillaje para hacerlo muy tenue.

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Sin embargo con los complementos no se escatimo lo más mínimo. Las estrellas de diamante que aparecen en el pelo y caen en la alfombra son de Chanel, joyas de 18 kilates de oro blanco que alcanzan un precio de cerca de 5.000€- La pulsera también es diseño de Chanel de 18 kilates y diamantes “Cosmos” Watch.

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Finalmente los zapatos son sandalias de “Vidalia” cuero de jaula con ajuste de lentejuelas hechos a medida.

El resultado es un vestido que logra perfectamente tanto estética como emocionalmente el resultado buscado. Y que funciona!

El vestido se encuentra expuesto actualmente en el museo de Universal Studios de Hollywood.

Nos quedamos con la escena que ha convertido el vestido de Marilyn Monroe como el màs caro del mundo, vendido en 2011 por 4.5 millones de $

El teatro Elgin. Cine independiente y de medianoche.

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El Teatro Elgin abrió en 1942 en la esquina de la calle 19 y la Octava Avenida en la ciudad de Nueva York . Diseñado en el estilo Art Moderne por Simon Zelnik fue un cine muy popular durante décadas. Sirvió como hogar de peliculas de culto, descubrió nuevos directores y se  le considera además la sala que puso de moda  la sesión de medianoche.

En el lugar donde se encontraba el Elgin, actualmente se levanta el teatro Joyce, 472 asientos dedicados a la danza.

El apogeo del Elgin surge a mediados de los 60. Por entonces,  las películas artísticas tenían establecidos sus propios círculos de exhibición.  Este tipo de cine realizaba experimentos Undergrounds.

El cine “artístico” estaba formado por audiovisuales que hablaban de la subcultura americana. Los directores tocaban temas “prohibidos” por  los  grandes estudios de Hollywood.

La sexualidad de la mujer, la homosexualidad o la transexualidad eran algunos de estos temas  a los que se refería el cine de  Andi warhol y los hermanos Kuchar.

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Falming Creatures” de Jack Smiths, uno de los ejemplos más famosos, a pesar de que poca gente tuvo oportunidad de verlo.  El tribunal de Nueva York determinó  oficialmente que la película era obscena, por su representación gráfica de la sexualidad. A pesar de ello, los 43 minutos de esta  película experimental atrajeron la atención del público y de medios de comunicación convirtiendo al propio Smith en un director de culto.

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En este contexto, un encargado de un teatro de Nueva York,  Ben  Barenholtz  decide  convertir  el  teatro  donde trabaja  en un nuevo espacio en el que se estrenen películas artísticas e independientes. Nace así el cine-teatro Elgin.

 

La sala Elgin se  transforma en un  espacio habitual de películas underground entre las que se incluyen todos estos títulos de Warhol , Smith y los hermanos Kuchar, además de otras producciones experimentales.

En 1970,  el museo de arte moderno exponía la película de Jodorowski “El topo” Barenholz decide llevar esta producción a su sala pero con un elemento añadido. Las proyecciones de la película  se van a realizar  a medianoche.  Lo que para muchos era una idea disparatada se convierte en un éxito sin precedentes.  

«El Topo», se exhibía a las 12 de lunes a viernes y a la 1 am y en las noches de fin de semana.  El  éxito de esta iniciativa resultó inmediato. Desde la primera semana se vendieron los 600 asientos del cine cada noche y así durante más de un año.

«El Topo», un críptico, alucinatorio y extremadamente violento del  director chileno Alejandro Jodorowsky fue solo el comiezo.

Producciones como “La noche de los muertos vivientes”  de George Romero, “Pink Flamingos” de John Waters, “The rocky horror Picture show” y otras películas de culto nacieron en este cine de Nueva York en su sesión nocturna.  

El cine Elgin además de presentar directores noveles, proyectaba películas antiguas con el ánimo de renacer el cine clásico. Por la sala pasaron cintas de Buster Keaton y DW Griffih y otras menos conocidas como “Reefer Madnes” (Digan a sus niños) película propagandística de origen estadounidense dirigida por Louis J. Gasnier, y estrenada en 1936, que se refiere a los efectos de los porros y la marihuana.

http://www.youtube.com/watch?v=Azf320JDdqU

A Barenholz  además le debemos la proyección de las primeras películas de directores que en la actualidad son autenticas estrellas del celuloide como Los hermanos Coen ,  John Sayles y Guy Maddin.

Las proyecciones de medianoche terminaron a finales de los 80 cuando la gente comenzó a comprar video reproductores para sus casas.

Algunos de los directores presentados en las salas aprovecharon el tirón con nuevos éxitos, como  George Romero, Jon Wáter con su “Hairsspray” y Adrian lyne, que aunque no  es un director  especialmente innovador, continúo centrando  sus películas en las relaciones sexuales y sus peligros( “9 semanas y media” “Atracción fatal” y “Unaproposición indecente”)

En cuanto al cine de medianoche, después de un periodo de declive, ha comenzado a repuntar de nuevo. En la actualidad hay cinco cines de Manhattan que reservan todavía una pantalla para películas de medianoche.

Barenhotz dejó el teatro Elgin pero nunca ha abandonado el cine independiente.  Como productor ha trabajado con George Romero, J. Todd Anderson y otros muchos.

No podemos hablar del teatro Elgin sin hacer un capítulo aparte a uno de los grandes directores del cine actual que surgieron del teatro. Se trata de David Lynch .

 

“Cabeza Borradora” (Eraserhead, 1977) fue proyectada por primera vez en sesión de noche en el teatro de Nueva York. A partir de ese momento el director ha seguido cosechando éxitos hasta la actualidad.

El famoso director, que jamás pensó dedicarse al cine, se ha considerado como uno de los constructores del cine  actual. Su particular forma de tratar las historias, más generando  sensaciones que narrando,  lo convierten en único.

Lynch sabe como nadie  mezclar la naturaleza, la ilusión  y la realidad.

Fue Twin Peaks la serie que le dio el reconocimiento internacional y ahora, 25 años más tarde vuelve. Así lo contó el propio director en su cuenta de Twitter.

Será en el año 2016 cuando se podrán ver los 9 nuevos episodios de la tercera temporada de la serie grabados por el propio realizador.

Con ellos nos quedamos, sirva de homenaje para el teatro Elgin que estrenó su primer largometraje.

«Boyhood» y la generación VHS

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La generación VCR o VHS (término acuñado por críticos cinematográficos)  es un grupo de cineastas estadounidenses de principios y mediados de los años 90 que  nunca fueron a la universidad, se educaron a si mismos viendo películas.  Comparten la creatividad y la innovación propia del cine independiente Nos estamos refiriendo a nombres tan importantes como   Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Kevin Smith, Paul Thomas Anderson y Richard LInklater.

En un anterior post Super 8 el Iphone de los 60”. Hacíamos referencia a la llegada de las cámaras Super 8 a los hogares norteamericanos y la influencia posterior en una generación de cineastas.  En este caso tenemos que referirnos a una generación de directores de cine nacidos bajo la estrella del VHS.

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El reproductor analógico, la nueva tecnología de video, irrumpió en los hogares de medio mundo durante la década de  los  70. El nuevo invento  daba la posibilidad a los usuarios de grabar de modo analógico, por medio de un cassete estándar, todo lo que se emitía en televisión.  Aunque en el primer momento la industria del video se vio envuelta en una serie de guerras de formato, fue JVC, (Japon Victor Company) la que logro ganar la batalla del video imponiendo su formato VHS como el video domestico dominante. El formato reinó en solitario hasta que nuevos formatos digitales convirtieron las cintas en un objeto vintage sólo apto para nostálgicos.

La llegada del video casero revolucionó los hogares. Las posibilidades que ofrecía el nuevo sistema iban mucho más allá que la grabación de la televisión. Entraron en los cuartos de estar las sesiones de gimnasia con Jane Fonda, espectaculares videoclips  como el  “Thriller” de Michael Jackson y por supuesto el porno.

La industria cinematográfica también vio una oportunidad de negocio en el nuevo invento. Las películas que quedaban grabadas podían reproducirse de la forma que se quisiera. Se podía rebobinar y adelantar y en algunos casos hasta cambiar la velocidad para reproducir escenas a cámara lenta y poder observar los trucos y efectos especiales. Todo esto unido a la comodidad del sofá, volvía loca a una generación de jóvenes que acudían a los videoclubs de una forma masiva.videoclubs

Los “hijos” del VHS ya no coleccionaban revistas y poster de sus películas favoritas. Ahora podían atesorar esas películas en cintas de video para reproducirlas de una forma compulsiva.

 

 

Por aquel entonces algunos profesionales consideraban esa fiebre como una amenaza para el sector audiovisual.  Así lo muestra David Cronenberg en su “Videodrome” (1982).  Cronenberg (más cercano a la generación Super 8) alertaba de los peligros del video en esta película de terror.

Años más tarde, el panorama del VHS ha quedado relegado a una pequeña industria  que nutre a  nostálgicos  que coleccionan y guardan esas cintas para poder visionarlas,  rebobinarlas  y manejarlas casi de una forma manual. Algo parecido a lo que sucede con el vinilo en música.

El legado del VHS es mucho más importante que este grupúsculo de resistentes. El sistema JVC ha dejado una generación de directores de cine que se han formado y criado visualizando películas de los videoclubs de sus barrios de una forma casi sistemática.  

Los videoclubs eran las “bibliotecas” a las que se asomaban estos futuros cineastas para saciarse de su  sed de cine. En estas tiendas se podía encontrar todo el cine clásico pero también otros productos casi “imposibles” serie B o Z, reciclados y  todo tipo de géneros. (Cine de Culto, Trash, Asíatico, Indie, Exploitation etc..).

Es precisamente esta variedad la que enriquece la formación de este grupo de directores que han sabido reconocer en productos menores una forma de cine, que no se aprende en la universidad.

La generación VHS son directores que sin duda han aprendido a amar el cine independiente, o de poco presupuesto, en el que la creatividad es lo más importante.

La comedia de Michael Gondry   “Rebobine por favor” ( 2007)  es la representación más evidente de lo que supuso el  VHS para sus incondicionales.   El argumento gira en torno a dos jóvenes que se hacen cargo de un videoclub.  Un accidente borra todas las cintas de video de su tienda.  Los trabajadores se ven obligados a rodar de una forma casera todos los videos borrados. Estas nuevas películas reciben un éxito inesperado.

Quentín Tarantino es el director que mejor representa a este grupo de directores. Su experiencia como trabajador de un video club le formo como un experto en cine y le ha influido en toda su obra posterior.

El director demuestra conocimiento en el cine clásico pero también el cine de segundo nivel lo que le ha permitido crear su propia visión del cine.  Esta mezcla de géneros  está presente en cada una de sus producciones.

La mezcla de comedia y violencia en las películas del director, que busca la sorpresa del público y el gran amor que demuestra para los diferentes géneros que van desde  de serie B a la Nouvelle vague francesa, ha llevado savia nueva al mundo del cine.

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La saga “Kid Bill” es buen ejemplo de ello. Cine asiático,  samurái y ánime mezclado con música de spaghetti western.  Cine occidental y de televisión perfectamente mezclado desde la pasión y el amor de un fan incondicional.

Tarantino además posee un arte especial a la hora de reformular el material que toma prestado de sus ídolos.

A Pesar de que en ocasiones la crítica lo ha tachado de ser uno de los directores más violentos de la cinematografía, el director se justifica  diciendo que lo que hace diferente una película es su capacidad de sorprender.

Tarantino toma el ejemplo de las películas de Explotación que le han impresionado, entre ellas destacan las Ozploitation, género de explotación australiano de poco presupuesto que se distinguen por su absoluta libertad y tendencia al exceso.

Brian Trenchard-Smith es uno de los directores que el realizador tiene como inspiración. Trenchard-Smith es un cineasta australiano, colaborador habitual de Joe Dante en su página web http://trailersfromhell.com/, junto con Guillermo del Toro y John Landis.   El director tiene en su haber el honor de haber contado con  Nicole Kidman, en uno de  sus primeros papeles con tan solo 15 años de edad en la película  “los bicivoladores” (1983).

Entre las producciones de Trenchard-Smith  destaca la película de culto “El imperio de la muerte” (Turkey Shoot, 1982) una distopía de ciencia ficción que mezcla el terror con la  el humor más negro con muchas dosis de violencia y sangre.

En “Grind house” (Tarantino, Rodriguez, 2007) Tarantino, junto con Robert Rodriguez homenajean al Grindhouse, género surgido en los años 70  que recopilaba todo el cine de bajo presupuesto. La producción estaba compuesta de las películas “ Death Proof”  (Tarantino) y “ Planet Terror” (Rodriguez), además de un conjunto de trailers falsos que homenajean al cine serie B y le dan título a la película.

En “Death proof” se pueden ver muchos elementos de las películas de terror de los años 80 además de escenas de “Bullit” (1968) y un especial homenaje a “Fair Game” (1986 )de Mario Andreacchio.

Robert Rodriguez en” Planet terror” por su parte homenaje a las películas de Zombis de la línea de George A. Romero mezclándolo con toques de  su idolatrado Carpenter.

 

Rodriguez es otro de los directores surgidos del VHS. Sin estudios particulares de cine el director aprendió viendo peliculas.

Al igual que Tarantino tiene un estilo muy personal en el que predomina la  estética del cine de bajo presupuesto.  Zooms rápidos, cámara en mano y efectos especiales caseros son elementos clásicos del director que siempre se ha considerado un defensor del cine independiente. Para Rodriguez los problemas de producción se deben resolver con creatividad no con dinero.

Kevin Smith es otro de los directores independientes que solo cuenta con cuatro meses de estudios en una escuela de cine. Fue en sus años de trabajo en una tienda local donde comenzó a plasmar la que sería la película que le lanzaría a la fama. “Clercks” se realizó con un presupuesto de 27.000 $ y en ella el director realizó un análisis de la cultura de consumo estadounidense, realizada bajo el prisma de un vendedor detrás de una caja registradora con un particular sentido del humor.

La película está llena de diálogos ingeniosos. Refleja la cultura cinematográfica adquirida por los jóvenes de la época.

Paul Thomas Anderson nacido en 1970 fue uno de los primeros de la generación «videoclub» de cineastas. Su padre fue el primer hombre en su bloque de poseer un reproductor de vídeo, y desde una edad muy temprana Anderson tenía una infinidad de títulos disponibles para él.

Anderson comenzó a realizar películas a una edad muy temprana. Considerado desde muy joven un niño prodigio del cine, apenas asistió dos días a una escuela  cinematográfica,

Las películas de Anderson presentan personajes complicados y  desesperados generalmente con  relaciones familiares disfuncionales.

Como el resto de los compañeros de generación introduce elementos atrevidos como   como la cámara en constante movimiento, tomas largas realizadas con Steadicam y utiliza la música  de una forma muy personal, utilizando muchas capas de audio mezcladas. Entre sus películas más conocidas están “Magnolia”  (1999),  “Pozos de ambición” (2007) y” The Master”. (2012).

No se puede hablar de la generación VCR sin referirnos a una de las películas más importantes que definen lo que ha sido este grupo de autodidactas. Nos referimos a “Slacker” (1991) de Richard Linklate. “ Slacker” es una de las  películas independientes americanas clave de la década de 1990. Primer largometraje del director,  que supone una mirada audaz a la cultura veinteañera en la ciudad universitaria de Austin.

Este primer experimento realizado con la cámara al hombro daba muestras de la capacidad innovadora del director.

A pesar de que la película captó la atención de muchos aficionados, linklate no llegó a convertirse de la noche a la mañana en un director de culto como sucedió con otros compañeros suyos. Sin embargo su carrera cinematográfica ha brillado cada vez con mayor intensidad.

Linkate aprendió viendo películas pero su cinefilia no tiene mucho que ver con Tarantino o Rodriguez, el ojo cinéfilo de Linklate ha sabido absorber la esencia de  de grandes cineastas como Max Ophuls o Michelangelo Antonioni logrando que el uso sensible de su cámara funcione.

Su ultimo experimento “Boyhood” asi lo demuestra. Linklater ha llevado hasta la pantalla del cine una historia apasionante  y conmovedora desde una mirada nueva.

Nos quedamos con el tráiler de la película independiente del año. Espero sus críticas.

 

 

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