Las aventuras de Tintín. El proceso creativo.

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El director de cine Peter Jackson ha vuelto a insistir en que  la secuela de las aventuras de Tintín sigue adelante.  A pesar de que el proyecto se ha retrasado por el rodaje de la trilogía de la  eternizada saga de los Hobbit, Jackson ha asegurado que  comenzará el rodaje en los próximos meses. El estreno de la película está previsto para el próximo 2015.

En la anterior entrada las aventuras de Tintín, hicimos un recorrido por el universo cinematográfico y televisivo de Tintín. En este nos vamos a centrar en la  que ha sido hasta ahora la  mejor película de Tintín.

La película “Las  aventuras de Tintín” supuso una   recaudación de  más de 300 millones de € en todo el mundo.  Fue la primera película en ganar el globo de oro a la mejor película de animación, que no era de la factoría  Pixar y  Steven Spielberg, el director,  recibió las mejores críticas de los últimos años.

Mocapde tintin

Para realizar la película,  se utilizó la técnica de captura de movimiento,(Mocap abreviado).El rodaje de dicha captura, se realizó en ocho semanas.  Peter Jackson únicamente estuvo presente las dos primeras semanas, posteriormente entraba en contacto con el rodaje a través de videoconfencias.

Los equipos encargados de los efectos creativos de la película,  a los que se le debe una parte importante del éxito del film,  fueron  Weta digital y Weta workshop. Weta digital es una empresa líder mundial en efectos especiales con sede en Nueva Zelanda, de la que Jackson es cofundador. Weta Workshop es un centro de diseño y creación digital con sede también en Nueva Zelanda. Ambas  empresas han trabajado la trilogía de El señor de los anillos y King Kong.

 Las dos  empresas  dedicaron  a la película de Tintín 5 años de trabajo.  Para mejorar la calidad de los matices de iluminación, la empresa Weta junto con NVIDIA desarrollaron un software a base de trazados de luz que daba una resolución mucho mayor que los mapeados tradicionales.

John Williams

John Williams

La partitura musical fue compuesta por  John Williams.  “Las aventuras de Tintin” se planificó como una película tradicional de animación. Williams compuso la música a la que posteriormente se acoplarían  las imágenes. Adaptar  La captura de movimiento, (que difiere de la animación manual) a la música,  supuso una dificultad inesperada, Williams tuvo que modificar parte de su partitura.

A pesar de que la película tuvo un gran éxito en Norteamérica, donde de  verdad arrasó  fue en Europa y resto del mundo. Los comics de Tintín habían formado parte de la infancia de cientos de niños europeos que, convertidos en adultos, esperaban ansiosos esta nueva versión cinematográfica.  Spielberg sabía que el éxito de la película dependería de que los lectores de Tintín fueran capaces de identificar al protagonista de la animación con el joven periodista aséptico de los libros de su estantería. Para conseguirlo,  tenía lograr que los personajes salieran de su tira de dibujos  para convertirse en personajes con volumen, de una forma convincente.  La película no decepcionó. Hasta los tintinólogos más convencidos vieron en la cinta de animación a  sus personajes favoritos, palparon el ambiente y  reconocieron el espíritu de Hergé en sus paisajes.

coche copia

En ocasiones,  se tiende a pensar que la  creatividad digital es obra de técnicos que simplemente manejan ordenadores. Los creativos digitales son mucho más que simples técnicos, son los artistas del siglo XXI.  En “las aventuras de Tintin” tuvieron que adaptar cada uno de los diseños de Hergé  para darle volumen  manteniendo la esencia minimalista que caracteriza a estos dibujos tan particulares.    

El arte de  la película las aventuras de Tintín es el arte de Hergé, (se documentaba para cada una de  sus viñetas para copiar la realidad)  y es el arte de los creativos de Weta workshop que fueron capaces de empaparse de los dibujos  de Hergé para crear un producto adaptado a las nuevas tecnologías.

Hergé y Tintín al principio de la película.

Hergé y Tintín al principio de la película.

Aunque sin duda alguna, la creación de los personajes  y por supuesto la del propio Tintín fue el diseño que resulto más complicado de todo, resulta interesante detenernos en los paisajes de la película y el ambiente que está impregnado del estilo de Hergé. 

En los archivos de Hergé abundan las fotografías de la flora y de la fauna marinas, peces variados y plantas acuáticas de diferentes clases. Las fotografías las utilizó  para ilustrar la exploración submarina que Tintín hace de los restos del Unicornio.  Un dibujo de Robert W. Nicholson para el National Geogrphic, que mostraba la exploración de los restos del Vasa, sirvió para ilustrar los restos del Unicornio hundido.

Dibujo realizado para el National Geographic en el que se basó Hergé

Dibujo realizado para el National Geographic en el que se basó Hergé

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Dibujo de Hergé

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Diseño para la película

Los creativos de Weta antes de realizar el diseño con el software 3d realizaron nuevos dibujos  de las viñetas para adaptarlas posteriormente. Había que conseguir que las cosas parecieran más espectaculares a través de la profundidad, iluminación y ambiente pero conservando la estética y el estilo original.

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El ajuste de los creativos a las viñetas fue absoluto. En el caso del hidroavión Short Sunderland el diseñador de Weta Workshop antes de realizar su propio diseño construyó una maqueta del modelo, al realizarla, se dio  cuenta que Hergé había cambiado algunas cosas. Cuando las redibujo, decidió ceñirse al diseño del dibujante conservando los cambios que el belga había realizado.

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Unicornio de Hergé

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Diseño Unicornio para la pelicula

El Unicornio, el barco que es de gran importancia para el argumento, Hergé lo diseñó partiendo de un barco fabricado en el puerto de le Havre, en 1690, Le brillant. Hergé lo  llamó Unicornio tomando el nombre  y el mascarón de proa de una fragata inglesa del siglo XVIII. Para el diseño de la película,  los creativos usaron los planos de Le Brillant y unos libros que explicaban cómo se construían los barcos de 74 cañones. El  unicornio realmente tiene 54, así que realizaron un trabajo de adaptación para que resultara realista.

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La idea del personaje de Rackham el Rojo, Hergé la tomó de un artículo dedicado a las aventuras erótico- marítimas de “mujeres piratas”. Uno de los trucos que los diseñadores de Weta utilizaron para conservar la fidelidad con los originales,  fue mantener en todo momento a los personajes con el vestuario exactamente igual al del comic.

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Karaboudjan de Hergé

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Karaboujan de Spielberg

En la película también salen paisajes que corresponden al libro de Hergé “El cangrejo de las pinzas de oro”.  En el álbum aparece el cuerpo de un marinero ahogado con cinco monedas falsas y una etiqueta rota de una lata que tiene anotado el nombre de Karaboudjan, tras algunas pesquisas, Tintín descubre que ese barco está atracado en el puerto y va a investigar.

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El Glengarry de Glasgow fue el modelo que sirvió a Herge para el Karaboudjan. 

En la película ese muelle es el escenario de una lucha espectacular en la que las grúas de carga juegan un papel muy importante.

Para las escenas de acción fue definitivo  captura de imagen, a pesar de facilitar las labores,  Spielberg tenía claro que   la animación tenía que ser retocada y creada  fotograma por fotograma.  Mocap  no era simplemente la solución.  A los movimientos se les añadieron los recursos típicos de los dibujos animados, estiramiento, aplastamiento, flexibilidad.  Spielberg  quiso que el departamento de animación se integrara más en el proceso de la película. Sabía que en este tipo de películas, la actuación del  actor no es suficiente, es necesario exagerar los movimientos para que se parezcan a los dibujos animados.

Spielberg durante rodaje

Spielberg durante rodaje

 A los directores de animación les dotó de un cierto grado de libertad para retocar los movimientos grabados.

 Sin duda alguna la película de Spielberg  es la  película más lograda  de Tintín hasta este momento. El director  ha creado un nuevo tipo de animación en el que la captura de movimiento manipulada por el hombre da un resultado  sorprendente y fascinante.  

 Esperamos que para la segunda parte, los directores sepan manejar esta nueva herramienta con moderación.  Moderación en los movimientos de cámara, en el abrumador detalle gráfico y en la cantidad de cosas que suceden al mismo tiempo.

Ni Spielberg  ni Peter Jackson  son Brad Bird,  pero  tienen un buen equipo artístico a su cargo que pueden corregir los errores en la próxima aventura de Tintín.

Nos quedamos con El asunto tornasol, una de las historias sobre las que está trabajando Anthony Horowitz, guionista de Tintín 2

http://www.youtube.com/watch?v=QGa6xRkuVkA

Dalí y Disney. El encuentro entre dos genios.

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¿Que hubiera pasado si dos genios como Salvador Da y Walter Disney se hubieran encontrado y hubieran decidido colaborar juntos? La respuesta es “Destino”, el corto que  tardó más de 60 años en hacerse realidad, que ha estado presente en la exposición del museo Reina Sofía.

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Para los surrealistas, el cine era un medio perfecto de expresión. A través de él se podía explorar el reino de lo inconsciente. En el año 1924, Bretón escribió el manifiesto del surrealismo. Ese mismo año,  el realizador Rene Clair dirigió “Ent`acte” una mezcla de comedia circense y lógica del sueño concebida para proyectarse en el  intermedio de “Relache”, el ballet de Francis Picabia.  La que se convertiría en la primera película surrealista

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En 1928 Germaine Dulac realizó con un guión surrealista “La Coquille et le clergyman”  película que quedó eclipsada por la aplaudida “El perro andaluz” de Luis Buñuel y Salvador Dalí.

“El perro andaluz”  además de considerarse la película surrealista más importante, es el primer acercamiento de Dalí al mundo del cine.

La cinematografía surrealista llegó a Norteamérica En 1932, de la mano de  Julian Levy,  dueño de una galería de arte de Nueva York.  El  galerista  fue el primero en patrocinar un espectáculo surrealista.  En esta exhibición innovadora  se proyectaron películas experimentales de Fernand Leger y Man Ray.

http://www.youtube.com/watch?v=V7PQvkYYikU

Cuatro años más tarde, Dalí exponía su pintura en el museo de arte moderno  de  Nueva York. Por entonces, ya se había percatado de la gran influencia del surrealismo  en Estados Unidos, que había encontrado en el mundo del arte en general. Se había sorprendido de que hasta los dibujos animados. hubiera llegado el movimiento vanguardista.

Dalí consideraba que la animación era un medio muy válido para dar forma y expresión al surrealismo. Reconoce que los animadores tienen que estar aplicando los principios del movimiento  de una forma consciente en las películas que van creando.

blancanievesbosque makeminemusic

Prueba de ello eran muchos dibujos de la época. Los cortos de Mickey, la escapada en el bosque de Blancanieves o  los paisajes de Make mine Music que tienen claras influencias de paisajes de Dalí de Chirico. Esta misma escena de Dumbo es una prueba del surrealismo de Disney.

Cuando en  1937  Dalí visita  California. El propio pintor escribe a  Bretón para contarle que  en Hollywood había conocido a tres grandes surrealistas. Los hermanos Marx, Cecil B. de Mille y Walt Disney.

Dalí y Disney se conocieron en una fiesta de los estudios Disney.  Ya desde el primer encuentro descubrieron que  podrían hacer cosas juntos.   A pesar de que puede parecer que se enfrentaban personalidades diferentes, ambos  tenían muchas cosas en común. Los dos  eran dos genios con mucha visión empresarial y que les gustaba el dinero.

Además, ambos eran adictos al trabajo, admiraban la pintura realista mezclada con la fantasía romántica  y adoraban la ilustración al estilo victoriano.  A Dalí le llamaba mucho la atención la animación, la consideraba una forma de arte libre de todas las cosas accidentales que ocurren en acción en vivo.  Y Disney admiraba profundamente al Dalí pintor.

Ambos también compartían una mente rápida y una visión extraordinariamente optimista.

spellbound

En 1945  Dalí  se introdujo en el cine comercial gracias a la colaboración que estaba realizando  con Hitchcock para la escena onírica del Thriller Spellbound (Recuerda).

Al año siguiente, en enero 1946 Dalí firmo el contrato con Disney,  lo hizo por una suma que jamás se reveló,  aunque Disney siempre considero  que el artista era muy caro.  El pintor comenzó a trabajar el 7 de febrero de ese mismo año  en el estudio Burbank.

Como punto de partida para lo que sería “Destino”  Se contaba con una balada mexicana que había sido desechada de “Los tres Caballeros” La canción hacía referencia al anhelo por el amor perdido.   A pesar de que el argumento inicialmente era una simple historia de una chica que ha perdido su amor y busca consuelo, Dalí vio mucho más. El genio quiso expresar  el problema de la vida por medio de una exposición mágica que mostrara el laberinto del tiempo.

El pintor pensó en “Destino” como una serie de cortos enlazados con historias independientes que formaran un largometraje completo.

john Hench y Dali

Durante los primeros tres meses,  Dali trabajó  ocho horas seguidas diariamente creando bocetos y lienzos,  en muchas ocasiones le acompañaba Gala.  El dibujante, adaptado a la disciplina de Burbank , trabajó  estrechamente con uno de los mejores hombres del estudio,  John Hench, al que llamaban el “ tio del ratón Mickey “.  En esos meses se crearon los primeros 15 minutos de animación. La animación terminada estaba compuesta por las  cabezas grotescas encima de caparazones de tortuga  que convergían para formar una bailarina con una pelota de beisbol.
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 A pesar de que al  principio Disney estaba satisfecho con el trabajo de Dalí, al que consideraba  comunicativo y lleno de ideas, el proyecto tuvo que suspenderse.  Roy O. Disney, cabeza contable de la factoría no vio claro el proyecto.   Lo consideraba sofisticado para el espectador y la empresa no podía arriesgarse a un nuevo fracaso.

Unos años antes, en 1940 otro proyecto “Fantasía” había sido un desastre comercial.  La película también tenía influencias de los vanguardistas Kandinsky y  Miró.

Según cuentan Frank Thomas y Ollie Jhonston  (dos famosos animadores de Disney) en su libro “la ilusión de la vida”. En realidad lo que pudo pasar es que  el resultado no era exactamente lo esperado. La secuencia de Dalí era realmente surrealista, nada que ver con el “surrealismo” que ellos utilizaban hasta ese momento.  Por otra parte  el ego de Disney también tuvo que ver en la supresión de la película.  Disney estaba acostumbrado a tener el control de todas sus películas, el remodelaba y cambiaba todos los originales a su gusto.  En la colaboración con Dali eso era imposible.

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A lo largo de los años siguientes, Dali y Disney continuaron siendo amigos. El matrimonio Disney  visitó  a los Dalí en Cadaques en 1957, allí planearían nuevos proyectos como la creación de Don Quijote, un infierno de Dante y un Cid Campeador.  Finalmente, no  volvieron a colaborar más.

60 años después del encuentro entre los dos genios,   Roy E. Disney, sobrino del  famoso  dibujante,  localizo los bocetos y  decidió que sería interesante realizar un  trabajo con ellos.  La factoria quería volver a las raíces asentadas en el arte de los viejos estudios Disney.

El primer  problema con el que encontró Roy  fue que las ilustraciones de Destino no pertenecían legalmente a Disney hasta que la película estuviera terminada.  Tenían que ponerse,  por tanto, manos a la obra a finalizar la obra inacabada de Dalí.

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Un equipo de 6 ó 7 personas revisó por encima el material.  Era un guion grafico.  Imágenes sin numerar. Todos veían claro  cuál era el principio de la película  y cual el final,   pero la parte central de la historia no tenía sentido, era como un puzle lleno de piezas sin unir.  Después de recorrer el guión en todas las direcciones posibles encontraron el modo de darle sentido a la historia.  Les ayudo un texto de Gala localizado en una revista.

El resultado, una elegante exploración simbólica de las emociones,  la alegría y el dolor de una relación amoroso adulta contada a través de constante metamorfosis.  Con imágenes sensuales y oníricas.  El corto no posee el  erotismo desbordado propio de  Dali,  pero si posee la mayoría de las imágenes surrealistas que se relacionan con el genio; Los relojes derretidos, los vastos paisajes áridos, las sombras alargadas. Incluso hormigas que abandonan su escondite para  formar un grupo de ciclistas.

La  reconstrucción del corto   costó 1,2 millones de Euros.

Un buen homenaje al gran genio de la pintura que fue Salvador Dalí y al rey de la animación Walter Disney y para   recordar aquel momento en el que dos genios se encontraron y se miraron de frente a los ojos.

http://www.youtube.com/watch?v=1GFkN4deuZU

Les enfants du Paradis(Los niños del paraíso). Una obra maestra durante la ocupación alemana.

Les enfant du Paraise

“Los niños del paraíso” (Les enfats du paradis ) ha sido considerada por críticos y profesionales galos como la mejor película francesa de todos los tiempos.  La obra maestra de Marcel Carné fue  rodada durante la ocupación alemana aunque no vió   la luz hasta después de la liberación de Francia. En  España no llegó a comercializarse hasta la llegada del DVD.

boulevard du crimeLos niños del paraíso está ambientada en el escenario parisino del siglo XIX, en torno al “Boulevard  del crimen,” un nombre  que hace referencia a la pantomima y el melodrama, en pleno apogeo  en el Paris de la época.   Artistas callejeros atraen a las  multitudes ociosas.  En las  Calles bulliciosas se encuentran los cinco  personajes principales de la historia. Baptiste (Jean-Louis Barrault) Un mimo que vive del teatro de la calle. Lemaitre (Pierre Brasseur) un aspirante a actor, Lacenaire (Marcel Herrand) ladrón con aires de escritor y el  Conde aristócrata(Louis Salou). Todos ellos se entrecruzan luchando por el amor de Garance(Arletty) una mujer de espíritu libre que vive de su apariencia y habilidades de cortesana.

http://www.youtube.com/watch?v=6FA_Pv0ylIY

El guión de Jacques Prevert profusamente romántico  es una esplendida epopeya que trata sobre  relaciones entre el teatro y la vida.  El resultado concurre con un gran poema que engloba  todas las variedades del amor. Lo sagrado, lo profano, lo desinteresado y lo posesivo.

El “paraíso” del título hace referencia a los asientos del gallinero en el que se sientan los amantes más pobres. Donde la realidad  mezcla el amor con el teatro.

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Durante la ocupación alemana, en Paris,  el público estaba ansioso por evadirse de la vida cotidiana llena de guerra y tristezas. Los alemanes habían prohibido el cine inglés y americano. Estaban también censuradas las películas francesas anteriores a 1937.  Todo esto supuso para muchos directores una oportunidad, aunque había unas cuantas condiciones que las películas  debían cumplir. Estaban prohibidas las películas antinazis y no  se permitía trabajar a ningún judío en  producciones cinematográficas.

 De las 220 películas rodadas en Francia durante la ocupación. Destaca “ Los niños del paraíso” sobre todas las demás. La película de tres horas de duración,  tuvo que realizarse en dos mitades, porque el gobierno de Vichy no permitía más de 90 minutos de metraje.

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La idea de la película nació en 1943 durante una vista de Carné a Niza para hablar con Prevert sobre su próxima película.  Paseando  por el boulevar, Carné se encontró accidentalmente con Barraul (actor ya famoso que interpretaría a Batipste), éste le contó diversas  historias sobre el teatro.  Entre las historias estaba la de un famoso mimo del siglo XIX (Baptiste Debureau) que mató accidentalmente a un borracho con su bastón, lo que provocó que todo Paris acudiera al juicio para poder oírle la voz.

La historia le gusto tanto a Carné que convenció a Prevert para que hiciera el guión. Para el papel de Garance, Carné enseguida pensó en Arlette.  Arlette en ese momento tenía 48 años.

El rodaje de la película, que fue la más cara del cine francés,  resulto toda una aventura.  El Boulevard del Crimen se construyó en Niza justo antes de que las fuerzas aliadas desembarcaran en el sur de Italia.  Esto provoco que los alemanes ocuparan  la zona y puso en peligro la financiación de la película (que era francoitaliana), Cuando de nuevo se puso en marcha el rodaje, los decorados se habían estropeado.

boceto los niños del paraiso

Surgieron nuevas complicaciones con los actores. Algunos de ellos eran perseguidos por la Gestapo y había que sustituirlos, posteriormente ante la eminente  liberación, otros (como Le Vigan, pro nazi) tuvo que ser sustituido porque huyo a Alemania .

A pesar de las dificultades, la determinación de Carné hizo posible que la película se terminará de Rodar.

El 9 de marzo de 1945 los niños del Paraiso se estrenó en el Palais de Chaillot y fue un éxito inmediatamente.

La combinación entre el potente guión de Prevert y la dirección magistral de Carné convierten a esta obra realizada durante la ocupación francesa en una autentica obra maestra.

http://www.youtube.com/watch?v=Ff1Bxvrbgrk

Las mejores versiones de Un Cuento de Navidad de Charles Dickens

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Un cuento de navidad (A Christmas Carol) de Charles Dickens es una de las obras más conocidas de la literatura del siglo XIX. La enorme popularidad de la historia de Scrooge ayudó convertir la Navidad en una fiesta importante en la Inglaterra victoriana.

Dickens, en 1843, se encontraba con algunos problemas financieros. Ya por entonces se había convertido en un hombre famoso pero su última novela no se estaba vendiendo bien. A pesar de sus preocupaciones y de la extraña sensación de ya había llegado a la culminación de su carrera, Dickens estaba muy en sintonía con la profunda miseria de los trabajadores en Inglaterra.

Charles Dickens

Una visita a la oscura ciudad industrial de Manchester fue el detonante que le llevó a contar la historia de un hombre de negocios codicioso, Ebenezer Scrooge, que sería transformado por el espíritu de la navidad.

Las navidades de 1843 se publicó “Un cuento de navidad”, convirtiéndose en un éxito sin precedentes. La novela se convirtió en el relato por excelencia de la navidad. El libro de Dickens con el paso de los años elevó la popularidad de la navidad durante el siglo XIX, convirtiéndola en una tradición como la que ahora conocemos.

Dickens , en su novela, realiza una crítica a la sociedad victoriana llena de avaricia, condena las desigualdades, culpando a las clases pudientes de la miseria de los trabajadores. A través de la transformación de Scrooge el autor logra lanzar un mensaje optimista, lleno de esperanza. La historia despierta el deseo de caridad y fraternidad hacia los menos afortunados o con problemas y lo identifica con la navidad.

A partir de 1849 Dickens comenzó a adaptar su obra para los escenarios. Realizó lecturas públicas de la misma. The New York Times, años más tarde, realizaría una entusiasta crítica de la lectura pronunciada en la ciudad de Nueva York por el propio Dickens que interpretaba el papel de Scrooge.

Dickens murió en 1870 pero “Cuento de Navidad” permaneció para siempre. Se realizaron obras de teatro basadas en la novela durante años e innumerables películas.

La primera película que se tiene conocimiento sobre la novela de Dickens es “Scrooge or Maileys Ghost”. Del año 1901. La película dirigida por Walter R. Booth aunque pueda parecer plana en la actualidad, en aquel momento era un proyecto ambicioso que contó con impresionantes efectos especiales como la superposición de la cara de Marley en la puerta y las escenas de juventud que se proyectaban sobre un telón de fondo en el dormitorio. La película estaba formada por 12 escenas y es una de las primeras películas que se conocen con intertitulos.

En el año 1912 se realizó la película “la virtud de Rags que también estaba basada en la famosa novela de Dickens. La película Dirigida por Theodore Wharton estaba interpretada por Francis Bushman y Helen Dunbar.

La siguiente versión conocida es la interpretada y dirigida por Rupert Julian, en 1916.

La versión de 1935 “Scrooge” estába dirigida por Henry Edwards e interpretada por Seymour Hicks, Donald Calthrop y Robert Cochran

http://www.youtube.com/watch?v=_Sr2ow_ZH9w

Esta película británica tiene la peculiaridad de ser la única adaptación de esta historia con un fantasma invisible de Marley. Su cinematografía es esencialmente expresionista.

 

En 1938 Metro Goldwin Mayer realizó una nueva versión de la novela del avaro. “Cuento de Navidad”

La superproducción inicialmente estaba enfocada hacia el lucimiento de la estrella Lionel Barrrymore, que era el que interpretaba a Scrooge en la radio, cada año, pero la artritis le impidió realizar el papel completo. Se cambió la historia dándole un giro que la convertía en una novela romántica alejada de la novela original.

 

 

En 1951 “Scrooge” Un cuento de Navidad , dirigida por Brian Desmond Hurst. Interpretada por Alastair Sim y Jack Warner. La adaptación de la novela la realizó Noel Langley.

http://www.youtube.com/watch?v=-dMWFO-Hyys

La historia se amplía con un nuevo personaje, Jorkin que es un prominente hombre de negocios que corrompe a Scrooge y la aleja de la benevolente Sra. Fezziwig. Scrooge y Marley descubren que Jorkin es un estafador. La película también introduce una escena (que antes no existía)en la que Ebenezer viene a la casa de su sobrino el día de Navidad con un poco de miedo por ser a rechazado a causa de su comportamiento anterior. Sin embargo, descubre que Fred y su esposa están encantados de darle la bienvenida a su cena.

 

En 1970 se estrena el musical “Muchas gracias Mr. Scrooge” (Scrooge , en V.O)

http://www.youtube.com/watch?v=_fLB0vmCoPU

La película dirigida por Ronald Neame e interpretada por Albert Finney, Alec Guinnes, Edith Evans, con música de Leslie Bricusse fue nominada a 4 Òscar de Hollywood, siendo premiado en los globos de oro como mejor actor Albert Finney que interpretaba al anciano cascarrabias Scrooge que va recibiendo a los tres fantasmas.

Confieso que esta versión no ha faltado en ninguna navidad en mi casa, no puede existir una navidad sin villancicos y la música de esta película siempre ha formado parte del ambiente de los días navideños.

 

 

A pesar de que en el listado no se incluyen películas infantiles ni series que han sido ambientadas en algún capítulo con la novela de Dickens, sí que hay que incluir, con honor, la versión realizada en el año 1971 en dibujos animados por Richard Williams. De nuevo titulada “Cuento de navidad”

Una versión muy recomendable por la estética que solo grandes animadores como Ken Harris, un gran maestro de la animación, y el propio Williams pueden lograr. La voz en ingles de Scrooge fue interpretada por Alastrain Sim, el mismo que interpretó la versión de 1951. También repitió Michael Hordem, como el fantasma de Marley. El propio hijo de Williams (de 4 años) participó poniendo la voz a Tini Tim. El mítico animador Chuck Jones trabajó como productor ejecutivo.

Aunque inicialmente la película fue producida como un especial de televisión, acaparó tanto éxito que terminó presentándose en cines. La Academia de cine le concedió el Oscar al mejor cortometraje de animación al año siguiente. Hasta este momento, es la única versión de la novela de Dickens que tiene ha sido premiada con un Oscar de Hollywood

 

En 1984 llegó una nueva adaptación. En este caso producida para televisión, “Un cuento de navidad La película está dirigida por Clive Donner, adaptada por Roger O. Hirson, interpretada y producida por George C. Scott.

La película se rodó en Shrewsbury, Inglaterra. Fue estrenado en el canal CBS el 17 de diciembre de 1984 en los Estados Unidos, aunque posteriormente se estrenaría en los cines de Gran Bretaña. El debut en Estados Unidos fue patrocinado por IBM, que compró todos los spots publicitarios para las dos horas de estreno. La produción se publicitó con el lema «Una Película ambiciosa de la historia de fantasmas más queridos de todos los tiempos!» Scott fue nominado al Emmy como Mejor Actor Principal.

 

En 1999 otra nueva versión televisiva, en este caso menos ambiciosa, dirigida por David Hugh Jones , interpretada por Patrick Stewart, Richard E. Grant y Joel Grey.

La película fue producida después de que Patrick Stewart realizará una versión teatral de éxito en Broadway y Londres sobre la novela navideña.

 

2004 trae de nuevo una versión musical “Un Cuento de navidad: El Musical”. Las canciones del musical corrieron a cargo de Alan Menken (música) y Lynn Ahrens (letra). La película dirigida por Arthur Allan Seidelman, interpretada por Kelsey Grammer, Jason Alexander y Jennifer Love Hewitt.

http://www.youtube.com/watch?v=ZR2-GJmXOGw

Esta versión recuerda mucho a la musical de 1970, aunque mejorada con los nuevos efectos especiales.

 

En 2009 se rueda la versión en 3d, “Un Cuento de navidad” realizada con un equipo de animación de captura de movimiento. Está protagonizada por Jim Carrey en infinidad de papeles. Con el apoyo de Gary Oldman, Colin Firth, Bob Hokins y Robin Wright Pen ,

“Un cuento de Navidad” la versión animación comenzó a filmarse en febrero de 2008, y fue lanzada el 3 de noviembre de 2009 con una gran Premiere en Londres , que coincidío con el encendido de las Luces de navidad de Oxford Street y Regente Street, Luces que estaban ambientadas en el tema de Dickens.

Esta es solo una muestra de cómo el espíritu de la navidad de Dickens sigue vivo y muy vivo 170 años después. ¿Con qué versión te quedas?

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