Las escaleras de Odessa. El montaje rítmico de Eisenstein.

http://youtu.be/XYzsPHr-608]

“El acorazado Potemkin” es una de las obras maestras de la historia del cine.

Para poder còmprender el cine de Eisenstein,  hay que entender contexto histórico en el que se realizó  la película.

Después de que Lenin se hiciera con el poder tras el derrocamiento del zar Nicolás II de Rusia se hace  necesario un adoctrinamiento de las masas. El cine es uno de los principales instrumentos para propagar las nuevas  ideologías que trae la nueva revolución. El atractivo que despierta en las masas así cómo las posibilidades que ofrece  como objeto persuasivo lo convierten en un aliado imprescindible.

Dese la llegada de la revolución  a Rusia, directores y todo el mundo del cine  se ponen al servicio  de las nuevas ideas bolcheviques.

La dimensión que adquiere este arte propicia que se experimenten nuevas técnicas narrativas y artísticas. Entre los cineastas al servicio del aparato propagandístico, que posteriormente conoceremos como la escuela  soviética, destaca Sergei Mikhailovich Eisenstein. El cineasta estaba convencido que el  cine era un medio perfecto para inducir una nueva conciencia en el pueblo.

eisenstein

Eisenstein  es un narrador de acontecimientos reales, pero los sucesos los  mediatiza a través de su mensaje y la censura del gobierno bolchevique. Los soviéticos  consideraban que el espectador solamente debía ver el punto de vista del director.  Al espectador había que guiarlo siguiendo unas ideas establecidas  Las técnicas que utilizaba eran;  atraer, excitar y convencer. Eisenstein logra sus objetivos desarrollando una original estética basada en el montaje.

El Acorazado Potemkin narra un episodio real sucedido en 1905, cuando los marineros de un acorazado se amotinan por las malas condiciones  en las que viven.

Los marineros reciben  en Odessa el apoyo de todos  los ciudadanos que se unen a su revolución,  hasta que las tropas del zar intervienen disparando  indiscriminadamente sobre toda la población. El acorazado finalmente  logra que se les una a la causa varios barcos de la armada.

La película está dividida en cinco episodios, todos ellos cargados de imágenes de brutalidad y violencia. Destaca sobre las cinco partes la secuencia que se produce en las escaleras de Odessa por la fuerte carga emocional que desprende.

Es sobre  «Las escaleras de Odessa», la secuencia principal de la película y  mítica de la historia del cine, sobre la que vamos a realizar un análisis del montaje, Eisenstein demuestra cómo las imágenes montadas de una manera particular y original  son capaces de despertar esas emociones.

La visión que el director quiere que el espectador viva en primera persona es la  crudeza y brutalidad de las tropas zaristas, que se presentan como una maquinaria casi perfecta de matar, deshumanizada, ante la que nada se interpone. El pueblo se encuentra sometido a ellas por la fuerza.

Los planos de la secuencia están perfectamente estudiados en su conjunto para conseguir un buen paisaje emocional; vestuario,  encuadre, movimientos de la cámara y situación de los actores dentro del encuadre. El montaje de esos elementos en los que se mezclan planos generales con primeros planos es un factor esencial de la expresividad argumentativa del film.

En la primera parte de la secuencia, los planos son largos, acompañados por una música que logra que el espectador  se  oriente y se haga  cargo de  la situación y del escenario introduciendo la secuencia. Predominan los planos generales, pero están mezclados con algunos planos cortos de menor duración  que intensifican  más la emoción de la escena por reconocerse rostros y gestos de personas concretas. Algunas de ellas aparecerán en el ataque posterior.

potemkin antes

Un texto anuncia  que algo va a suceder. Un rostro de mujer con gesto de horror da paso a la parte principal de la secuencia. Las escaleras marcan el escenario. Los soldados del zar aparecen en la parte superior y comienzan su descenso rítmico hasta la parte más baja de las escaleras.

Comienzan los disparos. El plano general, en el que los soldados están de espaldas en la parte superior de las escaleras, muestra el tamaño de la escalera desde arriba del todo hasta el puerto. Tal como nos transmite el personaje  sin piernas que se desplaza a toda velocidad.

soldados

  La gente huye despavorida. Recorrer esa distancia (70 escalones)  para una persona con ambas piernas huyendo puede costar segundos, como mucho un minuto,  sin embargo,  la secuencia dura unos siete minutos, lo cual nos muestra que el metraje que vamos ver no corresponde al tiempo en el que transcurre la acción. Por otra parte, a pesar de que hemos visto el tamaño de las escaleras,  la acción en las escaleras,  no sigue una continuidad, provocando una sensación que impide saber dónde empieza y termina el escenario.

Durante toda la secuencia,  se enfrentan los planos de los soldados, con sus pasos firmes, generalmente enfocados desde un ángulo vertical, con los planos de sus víctimas en el plano horizontal. La vista de los cosacos  siempre está rodada con  planos generales, se les pueden ver los pies o formando una fila,  en ningún caso se ven las caras de los soldados, sin embargo, la gente del pueblo, tiene rostros, cuerpos, tienen expresión, lo que transmite un efecto mucho más emocional.

verticalpotemkin horizontal potemkin

Las primeras tomas son más largas, se alternan imagen de los soldados dando pasos mientras disparan, con los de los ciudadanos bajando las escaleras a ritmo de huida.

Las tomas tienen una longitud igual,  sincronizada por los primeros compases de la música. Enseguida los fragmentos se  comienzan a acortar.  Los pasos de los soldados ya no coinciden con los compases musicales. Ahora el ritmo se ha acelerado al acortar la longitud de las tomas, el ritmo lo marca  la velocidad a la que los protagonistas anónimos ruedan escaleras abajo para huir del ataque.  Las víctimas  están filmadas desde diferentes ángulos y con planos medios o cortos.

Además de las botas de los soldados y de los individuos que huyen, aparecen de una forma repetida, primeros planos de personajes que muestran gestos dramáticos. Son los testigos de la gran masacre.

En una de las tomas, un niño suelta la mano de su madre al caer abatido. La madre al descubrir a su hijo herido comienza a subir con el niño en brazos las escaleras en sentido contrario al paso de los soldados. La música se para al mismo tiempo que las sombras de los soldados cubren a la madre con su hijo en brazos. El plano mantiene el dramatismo, la emoción y el suspense de los espectadores. Los soldados disparan, la mujer cae. Un cartel avisa de quienes son los causantes del horror: ” los cosacos”

madre con niño

Esta toma de la mujer en brazos con el niño expectante dura unos 20 segundos, tiempo  mucho mayor que cualquiera de los planos anteriores que van alternándose con una media de 2-3 segundos.

De la misma forma, la imagen de la madre que intenta proteger el cochecito de su hijo y es disparada por los soldados tiene una duración también de más de 25 segundos en la que también se mantiene el suspense sin perderse para nada el ritmo ni la emoción de la secuencia.

Durante toda la secuencia, las tomas están cortadas y pegadas, entrelazadas unas con otras, de modo que el tempo en el que van sucediendo las secuencias no es interpretable. Un ejemplo es que cuando los soldados  disparan sobre la madre y el hijo, desde que la madre comienza a caer, hasta que termina de caer, podemos ver  3 segundos de otro plano en el que la gente huye, se esconde.

Durante toda la secuencia de las escaleras la estructura del montaje es todo el tiempo una repetición.Se alternan las imágenes de los soldados con la de los ciudadanos perseguidos, y se introducen rostros que ejercen el papel de testigos.

El objetivo es repetir el mensaje hasta lograr persuadir y convencer.

En la última parte de la secuencia, el cochecito que cae es el que marca el ritmo. Eisenstein sabe que los espectadores van a dirigir sus miradas y su tensión hacia el coche que cae, aunque se entremezcle con otra toma. La tensión del bebé cayendo  logra mantener la palpitación tanto de los testigos que asisten a la escena como los espectadores que asisten a la película.

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En esta última parte de la secuencia,  se puede ver claramente que el montaje de las escaleras es rítmico, ya que no solamente la longitud de los fragmentos marca el ritmo, el contenido también acompaña. Los cuadros con mayor contendido emotivo son los que marcan el ritmo. Crean una longitud afectiva y eso es  lo que logra calar en el  espectador.

Lo mismo podemos extrapolar al resto de las escenas de la secuencia. A pesar de que  los fragmentos de los soldados descendiendo sean iguales de duración que los de la gente rodando por las escaleras, los primeros planos que presentan el drama tienen una duración afectiva, diferente por su gran carga lírica y expresiva y son los que logran que se mantengan el mensaje  incluso al terminar la película.

Eisenstein pensaba que el director debía de controlar las emociones del espectador. Solamente a través de ellas sería posible que el mensaje implícito de la película impregnara en ellos. Para ello, el montaje debía ser una herramienta esencial que fuera capaz de lograr despertar esos sentimientos que debían perdurar en el tiempo.

Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

Nos quedamos con los intocables de Elliot Ness

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Never Sleep Again. El legado de pesadilla en Elm Street. Un extraordinario documental de cine .

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Never Sleep again,(ya nunca dormiras).El Legado De pesadilla en Elm Street es un Making off de lujo. uno de los documentales más completos que se ha hecho jamás sobre una saga de terror, de hecho, puede considerarse como uno de los mejores documentales realizados sobre cualquier película.

El documental cuenta cómo la empresa de distribución, encabezada por Bob Shaye, apostó por un guión que llevaba tres años recorriendo Hollywood, sin lograr conseguir una oportunidad.
El guión mostraba la historia de un pederasta y asesino que atacaba los sueños de los hijos de las personas que hicieron justicia con él.
Cuando la película se estrenó, el mundo entero conoció a Freddy Krueger y surgió el mito de Elm Street. El mito ha sido alimentado por generaciones de fanáticos. Con el tiempo la película se convertiría en una franquicia muy rentable.8 secuelas de aquella primera, una serie de televisión y un sinfín de productos con licencia, libros y otros objetos de interés.
[youtube=http://youtu.be/DAYcLUFelQA]

Todas las películas legendarias de terror tienen en común un personaje con una gran personalidad, capaces de aterrorizar y trascender la pantalla. Jason de Viernes 13, Michael de Halloween y por supuesto Freddy Krueger. En el caso de de Elm Street siempre hay historias más profundas que los simples adolescentes aterrorizados en las aulas. Esta característica logra un gran impacto entre el público.

El documental muestra como la película surgió del entusiasmo de todo un equipo que desde el primer momento creyeron en el proyecto y lo llevaron a cabo con ilusión, logrando una película de culto en el género de terror, sin contar con un gran presupuesto.

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La película documental dura 4 horas en las que recogen los testimonios de más de 100 entrevistados, entre ellos, todos los directores que han participado en la saga, gran mayoría del reparto principal, escritores, productores, y los artífices de los efectos especiales y maquillaje. Todo lo que cualquier fan de las películas de Pesadilla o de cualquier película de terror, o incluso los aficionados al cine pudieran desear.
Se cuentan historias del rodaje, detrás de las cámaras, escenas eliminadas, creación de efectos especiales y análisis de todas las personas que han formado parte de un proyecto tan legendario.

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La saga Krueger contó con el gran animador Michael Grandberry que realizó muchas de sus escenas animándolas por Stop Motion. Participó así mismo con la composición musical uno de los grandes, Charles Bernstein. Todos ellos junto con varios cineastas entrevistados cuentan la historia de una forma fluida, sin que sea necesario un narrador que de coherencia al relato.
No se puede subrayar cuales son los aspectos más destacados del documental, cualquier minuto aporta información interesante y curiosa.
El Dvd original aporta información sobre los libros, los comics, los guantes de Freddy, los carteles, la música y mucho más.
El único defecto que podemos encontrar en la cinta son las ausencias de Johnny Deep y Patricia Arquette, que a pesar de estar presentes en varias momentos no son entrevistados.
El proyecto ofrece cuatro horas de entretenimiento e información, que están estructuradas en partes diferenciadas lo que permite ir viéndolas con tranquilidad, en diferentes momentos.

El  legado de Elm Street   es un documental que no puede perderse,  con una calidad cinematográfica indiscutible, completo, entretenido  y que aporta gran  cantidad de información.  Una  buen regalo.

Nos quedamos con el documental  completo (con subtitulos en español) , a pesar de que los subtitulos tienen muchos fallos y ocupan demasiada parte en la pantalla es un lujo poder disfrutarlo.

http://youtu.be/eNmo6UkDFZY

«Man of Steele». El nuevo icono norteamericano.

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El próximo estreno de  “The man of steele“, la nueva película de Superman prevista para el verano del 2013, está creando una gran expectación. Una fuerte campaña promocional en la que los tráiler van sirviéndose con cuentagotas y el gran misterio que envuelve la trama de la que será la próxima historia del héroe más icónico de la cultura americana, alimenta las los interrogantes sobre la secuela del hombre de acero.

Superman es mucho más que un héroe cinematográfico, es por excelencia el  símbolo de los Estados Unidos de America.

Para conocer el origen del famoso superhéroe, debemos remontarnos al año 1933. De la mano de Jerry Siegel, un aspirante  a escritor y del ilustrador Joe Shuster, gran amigo del primero, surgió “El imperio de Superman”.  La historia  en forma de cuento se comercializó en una revista de creación propia.

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Poco tiene que ver el personaje que conocemos ahora con aquel villano calvo que no tuvo la más mínima acogida. A pesar del fracaso,  sus autores siguieron confiando en que la historia podía  funcionar, por esta razón decidieron crear  una segunda versión. En esta ocasión, renovaron el personaje, su intención era crear un comic periódico. En pleno proceso de gestación del personaje es cuando Siegel el escritor tuvo un sueño. En el sueño, según las palabrasde Siegel,  Superman se presentó con su apariencia actual. La aparición Resultó tan relevadora que cuando la mañana siguiente Shuster llegó a la oficina, el escritor había preparado trabajo para varias semanas. Tiras como para rellenar varios tebeos.

Donenfeld dueño de una editorial viendo la necesidad  de buscar ideas nuevas se lanzó a publicarlos, los encontraba coloridos, diferentes y llenos de acción.

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En junio de 1938 En Action Comics, se publico la introducción de lo que iba a ser el mundo de Superman. El éxito obtenido en esta primera revista le valió al personaje su propio Tebeo.  Superman era  el héroe que luchaba frente a las injusticias que las personas estaban sufriendo durante la Depresión.  Los lectores estaban enganchados, proyectaban sus deseos a través del comic viéndose a sí mismos como los mansos Clark Kent. Anhelaban  poder rasgar sus camisas y que debajo apareciera el héroe.

Tras el éxito cosechado, nuestro héroe  saltó al mundo de la radio convirtiéndose en un personaje muy popular.  En 1941, de la mano de leishcher Studios, Superman debuta en el cine con 17, capítulos en dibujos animados que recibieron los aplausos  de crítica y público.

En 1948 los dibujos se transforman en una serie rodada con actores reales. Estos  104 episodios de la serie de televisión de Superman que se emitió entre 1951 y 1957 fueron los que  introdujeron el personaje a toda  una  generación que creció manteniéndose en contacto con sus hazañas.

http://youtu.be/YtcUvrJCGao

Durante estos años, se forja la imagen de  Superman como icono de la cultura americana. Ropa con los colores primarios de la bandera. Lemas como lucha de la verdad, la justicia y defensa del estilo americano. Superman con su potencia y fuerza se convierte en el símbolo de los Estados Unidos de America, una potencia mundial, una entidad nacional fuerte, que es capaz de defender la paz ante los enemigos más poderosos.

La popularidad cosechada por la serie, posibilitó el rodaje de la inolvidable película Atom Man vs Superman.

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En el 1978 el héroe más grande de Estados Unidos, vuelve a  irrumpir con fuerza en el cine. La película protagonizada por Marlon Brando, Gene Hackman, y Christopher Reeve, como Superman arrasó en los cines del mundo entero. El nuevo Superman se presentaba como una figura mesiánica norteamericana. La película colmó de  esperanza a una nación cansada de la guerra fría  y de  una economía inestable. A la Película de Reeve le siguieron 3 más, las dos últimas resultaron un fracaso de taquilla.
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En el año 2006, vuelve Superman al cine en “Superman returns”. Era la primera vez en casi 30 años que Superman no estaba interpretado por Christopher Reeve. El personaje no aportó nada nuevo, Sirvió de homenaje al malogrado Reeve, para algunos el auténtico hombre de acero.

Superman ha logrado mantener su estatus de icono en Estados Unidos en la época actual.

La nueva película del 2013 deberá representar el nuevo icono norteamericano. De momento sólo tenemos la pista de los trailers.  Y el hecho de que el propio Superman lo interpreté un actor británico ya está dando que hablar…

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Ray Harryhausen. Un genio de la animación

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El maestro de la animación Ray Harryhausen murió el martes en Londres a los 92 años de edad.  Ayer la animación Stop motion del mundo entero se detuvo ante la desaparición de uno  de los grandes de la historia de los efectos especiales.(Stop Motion, un siglo de mágia)

Harryhausesn se ha convertido en una leyenda al dar vida a decenas de monstruos, que han quedado huérfanos y por inspirar a una generación de cineastas que hoy lloran su pérdida. Directores como George Lucas y Peter Jackson se han visto influenciados por la magia del genio del Stop Motion. “ Sin las imágenes maravillosas y cuentos de Harryhausen El señor de los anillos nunca se habría realizado.”

La familia de Harryhausen comunicaba con estas palabras la muerte del “La genialidad  de Harryhausen estaba en dar la vida a cualquier modelo. Si eran dinosaurios prehistóricos o criaturas mitológicas, en sus manos dejaban de ser marionetas. El los convertía en auténticos personajes tan importantes como cualquier actor.

Harryhousen tuvo una larga y próspera carrera en la que animo más de 70 criaturas. El mejor tributo al maestro se encuentra en sus propias obras.

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Para conocer más sobre el genio dejamos un magnifico documental de 6 capitulos The  Harryhausen Chronicles (subtitulado)  que  hará las delicias de los aficionados a los efectos especiales y la animación.

[youtube=http://youtu.be/I4DnutvUv9g]

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