Desde los comienzos del cine, a finales del siglo XIX, la pintura ha servido de inspiración para el cine. Muchos directores han reconocido la influencia que el arte estático ha tenido en sus películas.
La visión artificial de la pintura, la perspectiva, la luz y el ambiente ha servido para que algunos cineastas se apoyaran en cuadros clásicos para crear el ambiente de su historia o su escenografía.
Conocido es el caso del cine expresionista con una marcada influencia del expresionismo pictórico; decorados estilizados, iluminación contrastada, gestos y expresiones de emociones y sentimientos por encima de la realidad.
No es el expresionismo el único movimiento que ha dejado huella en el cine, Autores de todas las épocas han servido como modelo para cineastas del siglo XX o contemporáneos.
Alfred Hitchcock en “La ventana indiscreta” realiza una reflexión sobre la soledad de la vida en las ciudades. Lo hace con una visión voyeur, observando el comportamiento ajeno. En la película se pueden reconocer rasgos de la pintura de Edward Hopper, el pintor de la soledad de la vida norteamericana.
De la misma manera que en Hopper en su cuadro “Ventanas en la noche” se ilumina el interior de los apartamentos produciendo una sensación de humanidad enjaulada, en “La ventana indiscreta “ Hitchcock nos muestra el aislamiento en las grandes ciudades.
La casa de “Psicosis” de Hitchcock tiene un gran parecido con “La casa junto a la via del tren” de Edward Hopper. La característica principal de esta casa es que no está ubicada en ningún sitio concreto, no hay nada que nos de información del lugar en el que nos encontramos. Esto enfoca la curiosidad hacia el interior de la mansión, solamente importa qué está sucediendo en el interior.
Ciertos pintores resultan especialmente “cinematográficos” por las características de su pintura. Doré es uno de ellos. Su gran imaginación y talento para las composiciones dramáticas lo convierten en un “pintor de fotogramas”.
Sus composiciones están formadas por un solo foco de luz en el centro del cuadro. El foco crea un punto culminante y al mismo tiempo un fondo oscuro que permite contrastar y crear ambientes épicos.
Gustave Dore nació en Estrasburgo. La mayor parte del tiempo trabajó en Francia. Sus ilustraciones más famosas fueron las realizadas para “El infierno de Dante” (1861) “Las aventuras del Baron Munchausen” (1862) “Don quijote” (1862), “Atala” (1864) y “La biblia” (1866).
Doré influyó sobre famosos pintores como Van Gogh y sobre muchos ilustradores del siglo XX.
No sólo inspiró a pintores, Cecil B.De Mille quedó tan impresionado por las imágenes bíblicas de Gustave Doré que tomo varios de sus grabados para usarlos en varias de sus películas. Algunas ilustran escenas exóticas de “Los diez mandamientos”(1923) o “Sanson y Dalila” (1949)
Influencia de Doré también podemos encontrarla en “King Kong” (1933) en concreto en los escenarios del interior de la isla de la Calavera. Fueron las ilustraciones de “Atala” (1864) las que sirvieron de inspiración.
Otros pintores prácticamente desconocidos han servido como inspiración para el cine.
John Martin es un pintor inglés prácticamente desconocido en España. Su uso de la profundidad y la luz, así como su imaginación romántica lo convierten en una buena fuente de inspiración para escenarios fílmicos. Martin ha realizado espectaculares escenas apocalípticas.
Nació en Northumberland, en el norte de Inglaterra. Realizó su primera exhibición a los 23 años. Su obra “Sadak in Search of the waters of Oblivion “(1812) ha servido de inspiración para “La Isla misteriosa” (Hubbard, 1929).
La luz y la perspectiva de ”Joshua Commanding the Sun to Stand still” (1816) sirvieron de base para los escenarios de “Los últimos días de Pompeya” (Schoedsack, 1935)
”Joshua Commanding the Sun to Stand Still” John Martin
Otro de los pintores, desconocidos que han influido en la escenografía de películas épicas es Joshep Michael Gandy. (1771-1843)
Gandy, fue un artista inglés, visionario arquitecto y teórico de la arquitectura. Más conocido por sus pinturas imaginativas a pesar de que gran parte de su vida profesional la dedicó a trabajar para el arquitecto John Soane.
Su pintura más famosa, “Jupiter Pluvius” fue exhibida en 1819. Sus acuarelas y oleos estaban llenos de arquitectura espectacular.
“Jupiter Pluvius” ha sido una gran influencia para el diseñador y animador de Stop motion Ray Harryhausen. En los diseños realizados para su película “Jason y los argonautas” (Chaffey, 1963) se pueden ver la huella del arquitecto-pintor ingles.
Dibujos realizados para la película «Jason y los Argonautas.»
No solo los escenarios están influenciados por la pintura. El propio Harryhausen reconoce en el pintor americano Charles Robert Knight (1874-1953) una gran referencia para el diseño de sus animales.
Knight fue un pintor pionero en la colaboración con paleontólogos. Colaboró con su amigo Henry Fairfield Osborn, presidente del museo americano de Historia natural , en la reconstrucción de los fósiles localizados por paleontólogos y zoólogos. .
Knight era un pintor meticuloso que utilizaba métodos nuevos. Realizaba modelos en tres dimensiones antes de dibujarlos y texturizarlos en un lienzo.
Los diseños de la película “The Lost Word “ y “King Kong” son dos de los ejemplos donde se ven pinturas de Knight como “Before de dawn”.
Se ha descrito también la influencia del pintor Caravaggio en escenas de Martin Scorsese en cuanto al tratamiento de la oscuridad, la luz y la composición. Nos quedamos con un video en el que el propio Scorsese habla sobre el pintor.
El video mapping es una de las técnicas audiovisuales más espectaculares que existen. La técnica consiste en proyectar imágenes de vídeo en edificios, fachadas, estructuras o casi cualquier tipo de superficie compleja o sobre un objeto 3D para romper la percepción del espectador de la perspectiva.
La proyección permite destacar cualquier forma, línea y espacio.A través de esas proyecciones se crean ilusiones ópticas sorprendentes, sugerentes juegos de luz y se transforman objetos físicos en casi cualquier otra cosa, logrando que el espectador cambie su percepción de la realidad.
El video-mapping es una técnica relativamente moderna que está en plena efervescencia. La razón de su éxito es que el público se involucra emocionalmente en el show. Se encuentra frente a un nuevo espacio virtual que resulta sorprendente y emocionante.
Por tanto es importante aclarar que para vivir esta experiencia es obligado estar presente donde se proyecta el performance. Desde aquí solamente podemos dar un simple testimonio de algunas de los mejores mappeos que se han realizado.
El mappeo de video no es una técnica barata. Se necesita un proyector de una gran potencia (unos 20.000 lúmenes) que ronda los 100.000€, por esta razón, generalmente los mappeos son proyectos patrocinados por empresas que esperan un trabajo artístico y llamativo.
A pesar de lo costoso del proyecto, hay demanda ya que es verde y limpio, no necesita pinturas ni componentes químicos y no daña el edificio-objeto.
El Video mapping se ha utilizado generalmente para el ámbito arquitectónico como servicio público y museístico. Un ejemplo de esto lo encontramos en la proyección que se realizó en Texas para las celebraciones del nuevo año 2010.
El artista tiene que tener en cuenta muchas cosas a la hora de enfrentarse a su proyecto. La música y el sonido son de los componentes más importantes de la perfomance. Todos los efectos especiales tienen que formar parte de la música.
Turismo de Viena para culminar su campaña llamada “Viena Now or newer” proyectó en Londres este espectacular Audiovisual 3d.
Turismo de Dallas tampoco se quedo corto con esta otra proyección sobre uno de los edificios de la ciudad.
No solo se puede proyectar sobre edificios antiguos o en ruinas. Sobre moderna arquitectura, el video mapping logra unos efectos impresionantes como este de Kraft Work en Wolfsburg.
Actualmente la publicidad es uno de los medios que más ha utilizado este tipo de guerrilla creativa, con unos resultados realmente satisfactorios.
Este edificio de Ámsterdam, tienda insignia de H & M. se utilizó para que durante más de 3 minutos, los invitados y una multitud reunida disfrutaran de un cuento de hadas surrealista de luz y efectos mágicos. Una cinta roja envuelta alrededor del edificio se desenredó y transformó el edificio en una casa de muñecas de colores en el que nada es lo que parece.
¿Qué se obtiene cuando se combina un castillo milenario con la última tecnología de proyección y una música realmente cañera ? Eso fue lo que se planteó al enfrentar ACDC contra Iron Man en un innovador proyecto arquitectónico de mapeo. La fachada frontal del castillo de Rochester, fue El protagonista absoluto de este edificio que cobró vida usando lo último en técnicas de animación en 3D.
Ralph Laurent es otra de las marcas que se apunta a la guerrilla creativa proyectando sobre su edificio un completo desfile de modelos y sus catálogos de ropa
[vimeo http://vimeo.com/16723278]
A pesar de que los edificios son generalmente los lienzos sobre los que se proyecta el audiovisual, cualquier objeto puede ser el elemento sobre el que se pueden realizar proyecciones de video. La publicidad de coches en muchas ocasiones se ha realizado con esta técnica. Con esta técnica se pueden presentar nuevos modelos o acudir a ferias protagonizando momentos inolvidables.
Simples cajas pueden servir también para despertar los sentidos y crear un proyecto artístico y visual. Como el caso de este video que se proyecto en el Congreso Mobile de Barcelona. Alcatel la encargó para deleitar a todos los asistentes.
[vimeo http://vimeo.com/10692284]
El Video mapping es una de las técnicas que más está evolucionando en la actualidad. Realizar un video para proyectar se ha convertido en una realidad al alcance de cualquiera. Existe software gratuito (como VPT) que permite aprender la técnica y ensayar en el propio domicilio simplemente con una caja de cartón.
El futuro nos va a deparar muchas sorpresas, sin duda.
Me quedo con el primer Video Mapping permanente de Europa. Desde el año 2013, las ruinas de castillo de Breda, una fortificación de principios del siglo XIX situada cerca de la frontera oriental de Hungría, se han convertido en nueva atracción turística de la zona.
Millicent Patrick, cuyo nombre real era Mildred Elizabeth Fluvia di rossi, Baronesa de Polomara, entró en el mundo del cine cuando en las películas oscuras de fantasía, los diseñadores, ilustradores y técnicos de efectos especiales ni siquiera salían en los créditos. La Universal nunca vio bien que se supiera que una mujer era la que creaba sus monstruos.
La criatura del lago negro de “La mujer y el monstruo” (1954) y los mutantes de “Regreso a la tierra” fueron algunos de los monstruos que diseño esta artista desconocida, creaciones que han influido en generaciones de monstruos de películas que vinieron después.
Además de estos monstruos, Millicet creó Eeri un alien de un solo ojo que llego a la tierra en “ llegados del espacio exterior” y una docena de otras espeluznantes criaturas que se fabricaban en los departamentos de efectos especiales de los estudios Universal y en teatros sobre los años 50.
La reina de los creadores de monstruos, nació en El Paso, Texas. Sus padres enseguida descubrieron en ella una niña prodigio con un talento artístico fuera de serie. Con 14 años daba conciertos de piano. Después de ganar innumerables premios infantiles se empezó a dedicar a otras artes. Destacaba en la ilustración y la pintura.
En 1940 entró a trabajar de animadora en los estudios Disney. Convirtiéndose en la primera mujer animadora de la Disney. Su belleza y arte le llevo durante un corto periodo de tiempo a realizar p apeles para el cine. Actuó en series y películas, destacando Maru Maru y varios capitulos de Abott & costello y “El mundo en sus brazos “entre otras.
A finales de los 40 comenzó a trabajar en Universal Pictures, allí fue donde el artista de Bud Westmore vió sus ilustraciones, impresionado por sus habilidades decidió convertirla en diseñadora de efectos especiales.
Patrick trabajo durante los años de oro de la ciencia ficción. Sus habilidades fueron puestas a prueba en todo momento, su condición de mujer así se lo exigía y saló victoriosa de todas las pruebas.
Millicent Patrick y sus monstruos
En la película “vienen del espacio” de Ray Bradbury, MIllicent diseño los monstruos y elementos que forman los Alien.
Cuando la Universal comenzó con el proyecto de “Regreso a la tierra”, una precursora de la famosa Star Wars, La productora llamo de nuevo a la diseñadora para hacerse cargo de los trajes de Exeter y su tripulación y para la realización del mutante. Patrick además realizo maquillajes de bárbaros y mujeres bárbaras en Atila, rey de los Hunos.
La obra maestra de MIllicent sin duda fue la criatura del lago negro; Gill man.
Fue en 1953 cuando el productor William Alland mientras viajaba a lo largo de las regiones del Amazonas conoció la leyenda de una criatura anciana que era parte humana y parte pez. Se decía que este monstruo había vivido en la selva amazónica. El productor enseguida llamó a Bud Westmore para que comenzará a diseñar el monstruo.
Todo el departamento se puso manos a la obra. El primer problema sería descubrir a quien podría parecerse un animal semejante? Westmore se reunió con el escultor Christ Mueller y con MIllicet.
El monstruo tenía que ser terrible y sobrenatural, pero tenía que tener una parte humana que provocara empatía. Fue Patrick la que empezó a darle forma. Para la realización la diseñadora se baso en animales prehistóricos, fueron semanas construyendo y modelando al terrorífico animal con cierto parecido humano.
En la tercera presentación, el productor dio el visto bueno. El costo del monstruo fue de 12000$ En la creación intervinieron Millicent Patrick, Mueller y Jack Kevan. Una vez creado el monstruo el traje obstaculizaba la capacidad para nadar del actor. Se optó por retirarlo. Patrick entonces creo unos retoques con pintura, pintando sobre el propio cuerpo humano como si fuera un lienzo, creo las sombras y las escamas.
Las escenas de «la mujer y el Montruo» fueron precursoras del «Tiburon» de Spielberg
Ya estaba preparado el monstruo para habitar el turbio mundo submarino.
La criatura del Lago, a pesar de estar considera como una película de serie B, ha sido de gran influencia en películas posteriores como el gran éxito de Steven Spielberg, “Tiburon”, ha sido inspiradora de un musical, ha tenido varias seculas y remakes.
MIllicent fue parte importante del éxito de la película. Murió en 1998 sin haber recibido el reconocimiento que merecía. Este es nuestro pequeño homenaje a esta pionera en el mundo del cine.
La Fuente de juventud es una pequeña obra maestra para la televisión dirigida por Orson Welles. La película fue producida como un capitulo piloto de televisión para un espectáculo de antología que Welles iba a desarrollar. Finalmente se emitió en la NBC en una sola emisión.
Adaptada de un cuento de John Collier, “Desde Viena” relata el deseo de una pareja por permanecer siempre joven.
Lo curioso de la película es la forma de mezclar la acción en vivo con la voz en off, las capas de narración que traspasan el dialogo creando un espectáculo revelador que elimina límites entre la historia y el narrador.
El propio Rich Jason, El actor del corto define así la forma de trabajar. “Para rodar la escena había un proyector de diapositivas una distancia de sesenta metros. El aparato proyectaba sobre una pantalla enorme. Trabajábamos enfrente de ella. Se necesitaban pocos muebles, la mayoría de los planos eran medios o cortos. Una vez que había terminado el actor, en lugar de cortar era la pantalla de atrás la que disolvía hasta una nueva escena. Para empezar era igual, las luces de la pantalla se encendían antes de iluminarnos la cara”
Welles en su papel de narrador, permanece omnipresente en la pantalla entrando y saliendo del espacio narrativo. Deteniendo el progreso de la historia, rebobinando, adelantando y utilizando la voz de los personajes.
Las fotografías e inserciones del movimiento suponen una anticipación a Chris Market en su La Jette (1962 ). En la secuencia más inquietante, el miedo de Carolyn al envejecimiento, el temor se representa a través de la disolución de las imágenes, como si estuviera desestructurándose el cuerpo.
El corto gano el premio Peabody de la televisión. A pesar de la calidad creativa, reconocida por el propio jefe de programación al calificar el corto como “El capitulo piloto más grande que hemos visto”fue el miedo a que el público no lo comprendiera y también temiendo que Welles no continuara realizando capítulos lo que llevo a suspender el proyecto. Lamentablemente nos hemos quedado sin saber que otros episodios se podían haber producido y que impacto hubiera podido tener en la televisión.
El corto es Orson Welles en esencia pura. Merece la pena disfrutarlo. OS dejo el enlace con el corto completo.
En el enlace de youtube se pueden colocar los subtítulos en ingles y poner su traducción.
Return To Glennascaul
Es un corto realizado en el año 1951 por Edwards Hilton y en el que participa Orson Welles. (aunque se pone en duda quien de los dos dirigió realmente la película. ) Welles por entonces estaba trabajando en una serie de programas de radio basados en el personaje de Harry Lime de “El Tercer Hombre” Mientras grababa los programas realizaba viajes a Dublin con amigos, allí es donde está grabado este corto sobre fantasmas.
Welles había actuado en el Teatro Gate en Dublin donde Edwards fue uno de los directores. Hilton Edwards tenía un papel en la película que Welles estaba intentando sacar adelante, “OTello” ,película que se iba grabando intermitentemente.
Return a Glennascaul (regreso a Glennascaul) se subtitula “Una historia que se cuenta en Irlanda” se trata de la narración de una leyenda. Es un corto realmente interesante,
http://www.youtube.com/watch?v=G6CXJuZkV3w
Hoy como los videos son los protagonistas, termino con agradecimientos.
Quiero agradecer públicamente las nominaciones recibidas en los últimos días. En primer lugar agradecer a Salvela por haber pensado en mi para nominarme a Versatile blog adwards y en segundo lugar agradecer a Rori por pensar en mi con el premio dardos. Ambos tienen blogs que recomiendo visitar.
Me vais a permitir que no siga con las nominaciones pero a cambio si quiero nombrar a dos blogueros que he descubierto recientemente para que os deis una vuelta por sus interesantes blogs. Bvenavista para animarle a seguir con sus críticas originales y diferentes en http://cineregulero.wordpress.com/ y a Aestheticofart en http://aestheticofart.wordpress.com/ porque tiene un blog muy completo y entretenido. Para ellos mis nominaciones.
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