La generación VCR o VHS (término acuñado por críticos cinematográficos) es un grupo de cineastas estadounidenses de principios y mediados de los años 90 que nunca fueron a la universidad, se educaron a si mismos viendo películas. Comparten la creatividad y la innovación propia del cine independiente Nos estamos refiriendo a nombres tan importantes como Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Kevin Smith, Paul Thomas Anderson y Richard LInklater.
En un anterior post “Super 8 el Iphone de los 60”. Hacíamos referencia a la llegada de las cámaras Super 8 a los hogares norteamericanos y la influencia posterior en una generación de cineastas. En este caso tenemos que referirnos a una generación de directores de cine nacidos bajo la estrella del VHS.
El reproductor analógico, la nueva tecnología de video, irrumpió en los hogares de medio mundo durante la década de los 70. El nuevo invento daba la posibilidad a los usuarios de grabar de modo analógico, por medio de un cassete estándar, todo lo que se emitía en televisión. Aunque en el primer momento la industria del video se vio envuelta en una serie de guerras de formato, fue JVC, (Japon Victor Company) la que logro ganar la batalla del video imponiendo su formato VHS como el video domestico dominante. El formato reinó en solitario hasta que nuevos formatos digitales convirtieron las cintas en un objeto vintage sólo apto para nostálgicos.
La llegada del video casero revolucionó los hogares. Las posibilidades que ofrecía el nuevo sistema iban mucho más allá que la grabación de la televisión. Entraron en los cuartos de estar las sesiones de gimnasia con Jane Fonda, espectaculares videoclips como el “Thriller” de Michael Jackson y por supuesto el porno.
La industria cinematográfica también vio una oportunidad de negocio en el nuevo invento. Las películas que quedaban grabadas podían reproducirse de la forma que se quisiera. Se podía rebobinar y adelantar y en algunos casos hasta cambiar la velocidad para reproducir escenas a cámara lenta y poder observar los trucos y efectos especiales. Todo esto unido a la comodidad del sofá, volvía loca a una generación de jóvenes que acudían a los videoclubs de una forma masiva.
Los “hijos” del VHS ya no coleccionaban revistas y poster de sus películas favoritas. Ahora podían atesorar esas películas en cintas de video para reproducirlas de una forma compulsiva.
Por aquel entonces algunos profesionales consideraban esa fiebre como una amenaza para el sector audiovisual. Así lo muestra David Cronenberg en su “Videodrome” (1982). Cronenberg (más cercano a la generación Super 8) alertaba de los peligros del video en esta película de terror.
Años más tarde, el panorama del VHS ha quedado relegado a una pequeña industria que nutre a nostálgicos que coleccionan y guardan esas cintas para poder visionarlas, rebobinarlas y manejarlas casi de una forma manual. Algo parecido a lo que sucede con el vinilo en música.
El legado del VHS es mucho más importante que este grupúsculo de resistentes. El sistema JVC ha dejado una generación de directores de cine que se han formado y criado visualizando películas de los videoclubs de sus barrios de una forma casi sistemática.
Los videoclubs eran las “bibliotecas” a las que se asomaban estos futuros cineastas para saciarse de su sed de cine. En estas tiendas se podía encontrar todo el cine clásico pero también otros productos casi “imposibles” serie B o Z, reciclados y todo tipo de géneros. (Cine de Culto, Trash, Asíatico, Indie, Exploitation etc..).
Es precisamente esta variedad la que enriquece la formación de este grupo de directores que han sabido reconocer en productos menores una forma de cine, que no se aprende en la universidad.
La generación VHS son directores que sin duda han aprendido a amar el cine independiente, o de poco presupuesto, en el que la creatividad es lo más importante.
La comedia de Michael Gondry “Rebobine por favor” ( 2007) es la representación más evidente de lo que supuso el VHS para sus incondicionales. El argumento gira en torno a dos jóvenes que se hacen cargo de un videoclub. Un accidente borra todas las cintas de video de su tienda. Los trabajadores se ven obligados a rodar de una forma casera todos los videos borrados. Estas nuevas películas reciben un éxito inesperado.
Quentín Tarantino es el director que mejor representa a este grupo de directores. Su experiencia como trabajador de un video club le formo como un experto en cine y le ha influido en toda su obra posterior.
El director demuestra conocimiento en el cine clásico pero también el cine de segundo nivel lo que le ha permitido crear su propia visión del cine. Esta mezcla de géneros está presente en cada una de sus producciones.
La mezcla de comedia y violencia en las películas del director, que busca la sorpresa del público y el gran amor que demuestra para los diferentes géneros que van desde de serie B a la Nouvelle vague francesa, ha llevado savia nueva al mundo del cine.
La saga “Kid Bill” es buen ejemplo de ello. Cine asiático, samurái y ánime mezclado con música de spaghetti western. Cine occidental y de televisión perfectamente mezclado desde la pasión y el amor de un fan incondicional.
Tarantino además posee un arte especial a la hora de reformular el material que toma prestado de sus ídolos.
A Pesar de que en ocasiones la crítica lo ha tachado de ser uno de los directores más violentos de la cinematografía, el director se justifica diciendo que lo que hace diferente una película es su capacidad de sorprender.
Tarantino toma el ejemplo de las películas de Explotación que le han impresionado, entre ellas destacan las Ozploitation, género de explotación australiano de poco presupuesto que se distinguen por su absoluta libertad y tendencia al exceso.
Brian Trenchard-Smith es uno de los directores que el realizador tiene como inspiración. Trenchard-Smith es un cineasta australiano, colaborador habitual de Joe Dante en su página web http://trailersfromhell.com/, junto con Guillermo del Toro y John Landis. El director tiene en su haber el honor de haber contado con Nicole Kidman, en uno de sus primeros papeles con tan solo 15 años de edad en la película “los bicivoladores” (1983).
Entre las producciones de Trenchard-Smith destaca la película de culto “El imperio de la muerte” (Turkey Shoot, 1982) una distopía de ciencia ficción que mezcla el terror con la el humor más negro con muchas dosis de violencia y sangre.
En “Grind house” (Tarantino, Rodriguez, 2007) Tarantino, junto con Robert Rodriguez homenajean al Grindhouse, género surgido en los años 70 que recopilaba todo el cine de bajo presupuesto. La producción estaba compuesta de las películas “ Death Proof” (Tarantino) y “ Planet Terror” (Rodriguez), además de un conjunto de trailers falsos que homenajean al cine serie B y le dan título a la película.
En “Death proof” se pueden ver muchos elementos de las películas de terror de los años 80 además de escenas de “Bullit” (1968) y un especial homenaje a “Fair Game” (1986 )de Mario Andreacchio.
Robert Rodriguez en” Planet terror” por su parte homenaje a las películas de Zombis de la línea de George A. Romero mezclándolo con toques de su idolatrado Carpenter.
Rodriguez es otro de los directores surgidos del VHS. Sin estudios particulares de cine el director aprendió viendo peliculas.
Al igual que Tarantino tiene un estilo muy personal en el que predomina la estética del cine de bajo presupuesto. Zooms rápidos, cámara en mano y efectos especiales caseros son elementos clásicos del director que siempre se ha considerado un defensor del cine independiente. Para Rodriguez los problemas de producción se deben resolver con creatividad no con dinero.
Kevin Smith es otro de los directores independientes que solo cuenta con cuatro meses de estudios en una escuela de cine. Fue en sus años de trabajo en una tienda local donde comenzó a plasmar la que sería la película que le lanzaría a la fama. “Clercks” se realizó con un presupuesto de 27.000 $ y en ella el director realizó un análisis de la cultura de consumo estadounidense, realizada bajo el prisma de un vendedor detrás de una caja registradora con un particular sentido del humor.
La película está llena de diálogos ingeniosos. Refleja la cultura cinematográfica adquirida por los jóvenes de la época.
Paul Thomas Anderson nacido en 1970 fue uno de los primeros de la generación «videoclub» de cineastas. Su padre fue el primer hombre en su bloque de poseer un reproductor de vídeo, y desde una edad muy temprana Anderson tenía una infinidad de títulos disponibles para él.
Anderson comenzó a realizar películas a una edad muy temprana. Considerado desde muy joven un niño prodigio del cine, apenas asistió dos días a una escuela cinematográfica,
Las películas de Anderson presentan personajes complicados y desesperados generalmente con relaciones familiares disfuncionales.
Como el resto de los compañeros de generación introduce elementos atrevidos como como la cámara en constante movimiento, tomas largas realizadas con Steadicam y utiliza la música de una forma muy personal, utilizando muchas capas de audio mezcladas. Entre sus películas más conocidas están “Magnolia” (1999), “Pozos de ambición” (2007) y” The Master”. (2012).
No se puede hablar de la generación VCR sin referirnos a una de las películas más importantes que definen lo que ha sido este grupo de autodidactas. Nos referimos a “Slacker” (1991) de Richard Linklate. “ Slacker” es una de las películas independientes americanas clave de la década de 1990. Primer largometraje del director, que supone una mirada audaz a la cultura veinteañera en la ciudad universitaria de Austin.
Este primer experimento realizado con la cámara al hombro daba muestras de la capacidad innovadora del director.
A pesar de que la película captó la atención de muchos aficionados, linklate no llegó a convertirse de la noche a la mañana en un director de culto como sucedió con otros compañeros suyos. Sin embargo su carrera cinematográfica ha brillado cada vez con mayor intensidad.
Linkate aprendió viendo películas pero su cinefilia no tiene mucho que ver con Tarantino o Rodriguez, el ojo cinéfilo de Linklate ha sabido absorber la esencia de de grandes cineastas como Max Ophuls o Michelangelo Antonioni logrando que el uso sensible de su cámara funcione.
Su ultimo experimento “Boyhood” asi lo demuestra. Linklater ha llevado hasta la pantalla del cine una historia apasionante y conmovedora desde una mirada nueva.
Nos quedamos con el tráiler de la película independiente del año. Espero sus críticas.
Mark Cousins nació en Brefast en 1965, es un director y crítico cinematográfico, inquisitivo, inquieto, global y entusiasta que ha sido presentador ocasional y ha buscado mostrar una perspectiva diferente sobre el cine.
En 2009, Cousins y la actriz Tilda Swinton crearon un proyecto en el que montaron un cine portátil en un camión de 33.5 toneladas. Este camión recorrió las tierras escocesas. Esta iniciativa termino convertida en un festival de cine independiente itinerante. El resultado se plasmó en un documental llamado “Cinema is everywhere”.
En 2011 Cousins realiza “The Story of Film: An Odyssey”, su documental más famoso y controvertido hasta este momento “Nuestra historia del cine es una “Road movie” donde buscamos a la gente innovadora, a las personas y las películas que dan vida al arte sublime que es el cine. “ Así define el propio Cousins su documental.
Seis años de preparación le llevó a Cousins producir esta serie documental. La serie de 15 horas de duración, en 8 capítulos está basada en un libro del propio autor escrito en el año 2004.
Para realizar el documental, el crítico y director cinematográfico contó con un corto presupuesto. Trabajaba con un cuaderno de viaje en el que tenía apuntados todas sus notas. Como un trotamundos fue grabando por todo el mundo. Trabajo con poco dinero porque quería conservar la independencia, realizar un trabajo en el que no tuviera que comprometerse con nadie.
Las motivaciones que han llevado a Cousins a realizar su propia versión de la historia del cine es la certeza de que la industria cinematográfica se ha convertido en un negocio y la necesidad de mostrar un cine universal en el que no caben las “etiquetas” que hemos conocido hasta ahora.
El director con una voz envolvente y un ligero acento irlandés recorre medio mundo para mostrar cuales son las innovaciones que han creado estilo y han supuesto un cambio en la forma de realizar cine.
El estilo poético acentuado por su propia voz susurrante y la nueva visión de la historia del cine, más como un aficionado que como un estudioso del séptimo arte, no ha gustado a algunos expertos en cine.
El planteamiento que realiza Cousins sobre la necesidad de modernizar los planteamientos de la historia del cine son validos y el documental resulta realmente interesante y emocionante.
En 2013 Cousins vuelve a realizar un documental titulado “una historia sobre los niños y el cine”
http://www.youtube.com/watch?v=v6caIr0LdyU
Se trata de la primera película del mundo acerca de los niños en el cine mundial. Es un apasionado y poético retrato de las aventuras de la infancia – su surrealismo, la soledad, la diversión y los aspectos destructivos visto a través de a través de 53 grandes películas de 25 paises. Incluye películas clásicas como ET el extraterrestre y El Globo Rojo y también docenas de obras maestras (muchas dirigidas por mujeres) que son casi desconocidas. Habrá que esperar que salga en Dvd.
Mientras tanto no os perdáis su historia del cine. Espero los comentarios.
En el año 2011 el director coreano Park Chan- Wook pasaba a la historia por ser el primer cineasta en grabar una película filmándola únicamente con dos teléfonos móviles iPhone. La película “Night Fishing , de 30 minutos de grabación fue producida por 80 personas.
La llegada masiva de los teléfonos móviles y Smartphone a los bolsillos de los usuarios ha llenado la red de películas amateurs. No importa cómo se realiza la película, si se filma con teléfonos móviles, cámaras Reflex o cámaras semiprofesionales. Tampoco importa el formato. La red está repleta de cortometrajes, largometrajes, videoclips o incluso webseries. Lo único que importa es la creatividad y la ilusión por comunicar.
A pesar de que puede parecer una nueva práctica, no estamos ante la primera generación de cineastas amateurs.
A finales de los años 50, cuando las cámaras Super 8 llegaron a los hogares norteamericanos, sucedió un fenómeno cultural que tendría consecuencias transcendentales en la historia del cine. Grupos aislados de adolescentes saldrían a la calle a grabar con su cámara. Pusieron de moda lo que se ha denominado las “Blackyard Monster Movies”. Se trataba de películas caseras de terror grabadas sin presupuesto y con muy pocos medios.
Los adolescentes echaban mano a todo lo que encontraban para que sus películas de miedo y ciencia ficción tuvieran un aspecto profesional. Efectos especiales en Stop Motion, maquillaje rudimentario y mucha imaginación.
J.J. Abrahams en “Super 8” (2011) realizaría un homenaje a todos estos niños. La película producida por Steven Spielberg es la más autobiográfica de las películas de Spielberg. Aunque paradójicamente no fuera dirigida por el propio realizador.
En “Super 8” aparecen elementos de la vida del “joven Stevie” que ha sido uno de los famosos directores creadores de estas celebres “Blackyard Monster movies”. Además de la afición de estos niños por el cine, en la película aparece el descarrilamiento de un tren. Steven Spielberg tenía una maqueta de tren el garaje de su casa. El juego favorito de Spielberg era hacer descarrilar el tren. Una de las primeras grabaciones del realizador sería su tren de juguete saliendo de las vías. El tercer elemento que forma parte de la biografía de Spielberg, fundamental en la película, son las alienígenas. El realizador estaba obsesionado con la ciencia ficción y los monstruos desde muy pequeño.
Spielberg llegó a convertirse en uno de los más famosos directores de cine de la historia. No puede decirse que fuera el único surgido de esta práctica, que duró hasta mediados de los años 70. Otros nombres, realmente importantes, forman parte de esta generación de cineastas que comenzaron grabando con su Super 8. Todos ellos formaron una nueva generación en la que han integrado películas de ciencia ficción, terror con espectaculares efectos especiales.
A pesar de que se ha apuntado como principal causa del fenómeno cultural a la comercialización de las cámaras portátiles hay otras circunstancias que propiciaron la práctica.
A finales de los años 50 en pleno auge de la televisión, los canales programaban sesiones de cine en las que se emitían dos y tres películas de ciencia ficción y fantaciencia. Las sesiones estaban dirigidas por personajes mediáticos, grandes agitadores que se disfrazaban, interrumpían las emisiones y contaban historias de miedo convirtiendo los programas en auténticos shows que causaban furor entre los adolescentes.
Vampira y Zacherely son dos de los presentadores más famosos.
Maila Nurmi, más conocida por Vampira, es una de las presentadoras más famosas de los shows de los monstruos de los 50. Tal como relata David Skoal en “Monster Show”, (un libro obligado para los amantes del cine clásico de terror), Vampira , con su gótica imagen y una sorprendente cintura de avispa , llegó a imponer su moda. Una corta relación con James Dean y su presencia en todos los círculos de famosos de la época la llevo a conseguir una gran popularidad. Tim Burton en “Ed Woods” guarda un papel para este famoso personaje.
Otros de los famosos presentadores de esa época era John Zarcherle. Zacherley (nombre con el que era conocido) apareció por primera vez en el papel de enterrador en un programa de televisión. Esto le marcaria para toda su carrera posterior. Cejas arqueadas, dientes puntiagudos y una risa profunda formaban parte de su papel de agitador animador de las sesiones de miedo. Los fans lo conocían por el “Cool ghoul”.
En la actualidad Zacherle continúa viviendo en su casa de Nueva York.
La enorme popularidad de los shows se extendió a la música. Una canción de Bobby Picket llamada Monster Mash , se convirtió en uno de los grandes éxitos entre los adolescentes de Norteamérica.
En este contexto, James Warren, un editor con olfato para los negocios decide publicar una revista de un solo número que recogería toda esa cultura tan de moda. Se puso en contacto con Forrest Ackerman, un coleccionista de ciencia ficción, imprescindible en cualquier evento relacionado con la Sci fi (termino creado por el propio Ackerman) para juntos lanzar un número único de la revista.
La revista Famous Monster of Filmland se publica en 1958 con una edición de 2000 ejemplares. Contaba con innumerables fotografías pertenecientes a la impresionante colección de Forry. La revista tuvo un éxito rotundo. Se realizaron varias ediciones más y se decidió lanzar nuevos números.
La publicación tuvo su mayor apogeo durante los años 60. Forrest Acerkman (del que hablaremos en otra próxima entrada) fue el elemento fundamental para que la revista tuviera el alcance y la influencia que tendría en los niños de esa generación.
Innumerables jóvenes y niños se convirtieron en fans de la publicación. Esta les hablaba de sobre las películas de monstruos y ciencia ficción que estaban reponiendo en la televisión y las películas que veían en las sesiones matinales de sus ciudades. Los” Matinee” que tan bien describe Joe Dante en su película del mismo nombre.
La publicación mostraba el “making off” de las películas y promovía concursos de cine de monstruos. Además, ponía a disposición de los lectores, a través de una tienda por correo, todo lo necesario para realizar películas, maquillajes, caretas y hasta cámaras en formato super 8.
La respuesta de los lectores no se hizo esperar. Los jóvenes comenzaron a crear filmaciones caseras que enviaban a la revista. La revista no tenía la posibilidad como tenemos aquí de mostrar los resultados, pero premiaba los mejores trabajos y mostraba fotografías de las películas ganadoras y de los ganadores. Uno de los primeros niños-cineastas que realizaría películas de cine fue Don Glut. Pueden verse videos de esas primeras películas realizadas de una forma totalmente artesanal en youtube. “Atom Man vs Martian Invaders (MPC Fireball XL5 Toy)” es una de ellas.
http://www.youtube.com/watch?v=RbimXDkGQQM
Don Glut igual que muchos de estos niños continúo dedicándose al cine, aunque de otra manera. Actualmente escribe guiones y ha escrito muchos libros sobre el cine de fantaciencia.
Con más éxito que Glut oscarizados especialistas en efectos especiales, guionistas, productores y directores de televisión se han dedicado al cine alentados por la revista y por supuesto una legión de directores de cine que posteriormente han querido mostrar su gran conocimiento del cine de ciencia ficción de los años 50 y de fantaciencia de los años 20 hasta los 60. Los nombrados Spielberg, Lucas, Landis y Dante así como Tim Burton, Peter Jackson, Guillermo del Toro y el propio Alex de la Iglesia.
Nos quedamos con “Super 8” y la historia que Steven Spielberg quiso contarnos sobre sus recuerdos de la infancia.
“El amanecer del planeta de los Simios” la secuela del planeta que trata sobre los la lucha de simios y humanos por establecer sus dominios arrasa en las taquillas de los Estados Unidos. La película en formato 3d ha recaudado 73 millones de dólares en ventas el fin de semana pasado.
«El planeta de los simios» con sus cuatro secuelas, y sus dos series de televisión, así como su montaña de productos de merchandising se ha convertido en un fenómeno cultural.
Para poder comprender el éxito de la nueva versión de la serie hay que comenzar desde el principio. La historia comienza con la película “El planeta de los Simios” en 1968. Ese mismo año se estrenaba “2001 Una odisea del espacio“(Stanley Kubrick).Ambas películas marcaron un antes y un después del género de la ciencia-ficcion al marcar un realismo, verismo y verosimilitud que no existía hasta entonces.
El origen de esta saga mítica se la debemos a la visión de dos hombres; el novelista Pierre Boulle y el productor de Hollywood Arthur P. Jacobs.
Jacobs, nacido en 1922, comenzó su carrera como mensajero en Metro Goldwing Mayer. Su gran ingenio le hizo destacar y lograr un puesto en el departamento de relaciones públicas. Su deseo de promoción le condujo hasta la Warner Bross. Terminó creando su propia empresa de relaciones públicas.
Entre sus clientes se encontraban celebridades como James Steward, Gregory Peck , Judy Garland y Marilyng Monroe.
Fue Marilyn la que ayudo a Jacobs a saltar de publicitario a productor, a principios de los sesenta, al aceptar protagonizar su película “A Way to go”. Marilyn nunca llegó a protagonizar la película. Su muerte truncó toda esperanza, pero no impidió que el productor siguiera adelante con el proyecto. La producción se convirtió en una película taquillera lo que le supuso un gran trampolín para su carrera de productor. Jacob no tuvo problemas para producir su siguiente proyecto, Doctor Doolitle, con la estrella Rex Harrison. Fue durante la preproducción de esta película cuando surgió la idea de crear una nueva película de animales con un concepto diferente. “El planeta de los simios”
Jacob adquirió la obra del autor francés que hablaba de dos astronautas que viajaban a un planeta que estaba dominado por simios muy inteligentes que manejaban a los humanos.
Durante los siguientes meses se trabajó en el diseño del planeta donde Vivian los simios. Siete artistas fueron realizando diseños para los escenarios de la película. Trabajaron en los conceptos principales y en la historia. Crearon un libro lleno de las diferentes líneas que serviría de guía. Se contactó con Rod Serling , el guionista de las series de televisión “Twiling zone”, que comenzó a realizar la adaptación.
Un año después, con todos los diseños y la historia completa, Jacob comenzó a recorrer las major para conseguir la financiación. Contaba con el apoyo de Charlton Heston. Fue el propio actor el que recomendó a Franklin Schaffner como director.
A pesar de que el proyecto contaba con nombres prestigiosos, los estudios no terminaban de ver el proyecto posible. Nadie podía entender cómo se podían crear efectos especiales que fueran realmente realistas, temían que todo resultara ridículo. Finalmente Richard Zanuck creyó en el proyecto y le dio una oportunidad para que realizara una prueba. La prueba de rodaje costó 5.000$ . El famoso Edward Robinson, maquillado como un simio se ofreció a realizar la prueba. El experimento sirvió para dar el visto bueno a la película.
El maquillaje era una parte muy importante, había que buscar al mejor. Alguien con experiencia en prótesis. John Chambers.
John Chambers maquillando a un actor
Chambers era un veterano médico de la segunda guerra mundial. Durante la guerra había a comenzado a experimentar con prótesis con heridos. A finales de los 50 ya estaba trabajando para la industria emergente de televisión. Enseguida llego a lo más alto de la profesión. Chambers contó prácticamente con la mayor parte del presupuesto de la película. Casi un millón de dólares. El médico tuvo que idear un maquillaje personalizado. Los gestos con la prótesis tenían que resultar realistas. Su imaginación y dotes artísticas lograron hacer realidad la civilización de los monos.
Jacob ahora se enfrentaba a un nuevo problema. El presupuesto se había cubierto con el maquillaje, no sería posible crear la civilización futurista que había creado Serling.
El guión se modificó para poder abaratarlo. El guionista Michael Wilson, introdujo los cambios necesarios para crear una sociedad prehistórica. Los simios pertenecerían una sociedad primitiva. Los caballos sus medios de transporte. Sus casas serían cuevas. El nuevo guión se centraría más en los personajes que en las ideas de ciencia ficción.
La nueva sociedad creada por Wilson resultó ser uno de los pilares fundamentales de la historia. A lo largo de la película se representa con realismo el compendio de la evolución y la historia de la humanidad. Podemos encontrar la imagen de los primeros hombres que viven como animales salvajes, nombres de los simios de la antigua roma. Enfrentamiento de ideas tradicionales frente a modernismo y numerosas herramientas modernos.
Para crear escenarios, el diseñador se inspiró en los escenarios de Turquía en los que están cavadas las casas en las rocas.
La película contenía un fuerte mensaje político. La sociedad americana se encontraba inmersa en plena guerra fría. A esto se añadía el movimiento antivietnam. La película intentaba concienciar hasta donde los valores clásicos podían llevar a la sociedad. El fantasma del apocalipsis nuclear estaba presente. También la contracultura de los sesenta, representada en los simios interpretados por Roddy Mcdowally Kim Hunter. (Zira y Cornelliuos, los simios que les ayudaban).
Toda la película se realizó en locailzaciones de Norteamérica. Este video muestra los lugares escogidos y la forma en la que se realizaron los escenarios sobre ellos.
En 1970 Jacob realiza “El regreso del planeta de los simios”, la segunda parte de la película, mostraba como para el hombre la bomba nuclear se había convertido en el objeto de adoración. Taylor y Nova, en esta ocasión con Brett, un astronauta que había ido en busca de los astronautas perdidos. Todo terminaría con una nueva explosión nuclear. El hombre de nuevo se destruye por culpa de sus ansias militaristas.
http://www.youtube.com/watch?v=63xvNzKzByM
A pesar de que generalmente las películas con jergas políticas envejecen mal, en el caso de El planeta de los Simios el mensaje se ha ido adaptando a las diferentes épocas. El mensaje actual de estas cintas se relaciona con los problemas raciales y las diferencias sociales.
Las cinco películas de “El planeta de los simios” tienen un fondo moral consistente que habla del entendimiento entre los individuos de la sociedad que choca contra las locuras de los lideres que les representan.
En 1971 Jacob realiza su tercera película de la saga“Huida al planeta de los simios.” En ella Zira y Cornellius, los simios viajan en el tiempo al planeta tierra a intentar detener el apocalipsis nuclear. En un homenaje a “Ulimatum en la tierra”( Wise, 1971) los simios vuelven a la tierra con intención de avisar lo que puede suceder si no frenan el armamento. Los simios no logran cumplir el objetivo con el que viajan a la tierra.
http://youtu.be/8poa1_KT3Bo
En 1972 en “La conquista del planeta de los simios”, los simios tienen la oportunidad de vengar el comportamiento que han recibido de los hombres en “Huida al planeta de los Simios”, a pesar de eso, el simio determina que puede decidir y no comportarse como un “humano”
La quinta entrega de los simios, “La batalla del planeta de los simios” es sin duda la peor de todas ellas, La saga había llegado al final. La magia había desaparecido, únicamente un pequeño papel de simio de John Huston salvaría la película.
El productor Arthur P . Jacobs participó en las cinco películas. Murio el 25 de junio de 1973, el mismo año que se estrenó la última.
http://www.youtube.com/watch?v=oUw5hiWTOE8
En 1974 se realiza la serie de televisión “Un planeta de los simios” Protagonizada por el único actor que había intervenido en todas las películas de la saga hasta el momento. “Roddy McDowall”(Cornelious) En la serie McDowall realiza el papel de un chimpancé llamado Galeno. Intervienen tambien dos astronautas interpretados por Ron Harper y James Naughton. La serie se estrena en CBS y dura solamente 14 capitulos
En 1975 llega a tv la serie animada. “El retorno al planeta de los Simios” Los dibujos animados presentan la civilización más avanzada, fiel a la novela original de Boulle. La serie estuvo formada por 13 capítulos.
En 2001 Se estrena la película de Tim Burton “El planeta de los simios. Sería la primera película en la que no actuara Roddy McDowall, fallecido tres años antes. La película protagonizada por Mark Wahlbeg y Helena Bonham_Carter, recibió innumerables críticas por un guión flojo y un final sin sentido.
Charlton Heston sí realizaría un cameo en homenaje a las películas originales de la saga. El maquillador Rick Baker, (La guerra de las galaxias,) realizaría un trabajo espectacular con los simios.
En 2011 la película “El Origen del planeta de los simios” de Rupert Wyatt que cuenta una historia previa a la novela de Boulle resulto un gran éxito. La razón principal la combinación de espectaculares efectos especiales, mezclado con un ritmo trepidante. La película logra transmitir emociones en el espectador manteniendo elementos de la saga clásica.
“El amanecer del planeta de los simios” (Matt Reeves) estrenada en EEUU, previsto su estreno en nuestro país el próximo mes de agosto promete ser mejor que la anterior. Los críticos norteamericanos la consideran inteligente, fuerte y con el compromiso que mostraban las primeras de la saga. Con la ventaja añadida de una nueva tecnología CGI que permite efectos realmente asombrosos.
Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.
ACEPTAR
