El negocio del cine es uno de los negocios de mayor riesgo que existe. Una buena producción acompañada por un guión óptimo, dirigida por un excelente director y con inmejorables interpretaciones de los actores no garantiza una buena taquilla.
Una gran inversión tampoco es un seguro de éxito. Grandes producciones han supuesto fracasos económicos importantes. En algunos casos, una mala inversión ha llegado a arruinar una productora sólida.
Hasta que una película no está terminada es imposible valorar la calidad del producto. Ni siquiera una película de calidad es un aval de que se vayan a cumplir con las expectativas económicas que se espera de ellas.
Películas sobradamente reconocidas en la actualidad, no encontraron éxito inmediato cuando fueron estrenadas. En muchos de los casos han sido películas adelantadas a su tiempo, en otras errores de distribución, en algunos casos son temas incómodos o inoportunos.
Entre los clásicos de cine mudo, puede considerarse que uno de los primeros fracasos de taquilla fue “Intolerancia” (1916) de DW Griffith.
Después del éxito de “El nacimiento de una nación “(1916). Griffith decidió invertir sus beneficios en esta astronómica producción que por aquel entonces ascendió a 2 millones de $. La mayor parte del presupuesto fue a parar a los espectaculares escenarios de Babilonia que se construyeron, para los más de 4.000 extras que participaron en ella y para la orquestación completa que se utilizo para acompañar la película.
La pobre respuesta recibida en taquilla llevo a Griffith a la quiebra, arrastrando sus deudas durante veinte años.
“Intolerancia” contaba cuatro historias en paralelo que abarcaban diferencias sustanciales en el tiempo y en la cultura. Todos ellos trataban el tema de la intolerancia, la cruel naturaleza humana y la hipocresía. La historia, contada de una forma no lineal estaba separada por abundantes transiciones. La dificultad de esta construcción audiovisual junto con la excesiva duración, 3 horas, colaboraron en su fracaso.
La película no cosecho la popularidad esperada por los temas pacifistas. Y es que la película se estreno poco antes de la entrada de los Estados Unidos en la primera Guerra Mundial.
Más estrepitoso, todavía, resultó el fracaso de “La parada de los monstruos” (1932) de Tod Browning.
El director, que estaba totalmente fascinado con el circo desde que era joven, pretendía redefinir los conceptos del amor, la belleza y la anormalidad a través de una nueva visión. La visión de los monstruos del circo, personajes con malformaciones de la vida real, como enanos, hermafroditas andróginos, gemelos siameses o la mujer barbuda.
La película fue un autentico desastre financiero y de crítica, La propia productora vendió la película enseguida de su lanzamiento a distribuidoras de segunda clase. Para Browning fue el comienzo de su declive.
El público no estaba preparado para entender la dimensión de la película. Años más tarde, treinta años, toda la crítica y el público se rendirían ante esta obra clásica como consecuencia del reestreno en el Festival de cine de Venecia en 1962
“Sopa de Ganso”(1933), a pesar de que en la actualidad, es una de las favoritas de los críticos de los hermanos Marx, fue un fracaso comercial. El público y la crítica no aceptaron la actitud cínica y mordaz hacia la guerra y la política.
A los Marx les supuso la ruptura con la Paramount.
Una de las películas de mayor recaudación de la historia del cine, paradójicamente forma parte de esta lista de fracasos en taquilla. Se trata de “El mago de Oz” (1939) de Victor Fleming.
La que hasta ese momento fue la producción más cara de la Metro Goldwing Mayer, no recuperó su inversión en el momento de su estreno. La película desde el principio fue un pequeño desastre. Más de doce guionistas, tres directores, 6 estudios de sonido y 23 semanas de rodaje que supusieron casi 3 millones de $.
La inversión no se recuperaría hasta 1956 cuando la película se vendió a la televisión, esta la emitiría cada año convirtiéndola en el fenómeno cultural que es en la actualidad. (véase mago de Oz)
Durante todo el tiempo que duro el proyecto se creaban nuevas técnicas de efectos especiales, coincidiendo con la llegada del Technicolor. Ni crítica ni público supieron valorar la película, únicamente la academia de Hollywood quiso reconocer la obra con 6 nominaciones para el Oscar.
Una de las películas más famosas y mejor valoradas por los críticos cinematográficos de toda la historia del cine es “Ciudadano Kane” (1941) de Orson Welles. A pesar de que esta fuera de toda duda la calidad de la obra, la película fracasó en taquilla.
La obra maestra repleta de escenas notables y técnicas cinematográficas y narrativas novedosas y experimentales, tanto en fotografía como en edición y sonido, cautivó desde el primer momento a la crítica que supo valorar la calidad del producto.
Sin embargo, Cuando Hearst descubrió que la historia de Kane era una adaptación desfavorable de su biografía, prohibió cualquier mención de la película en todos sus periódicos y cadenas de radio de todo el país. Lo que influyo negativamente en el funcionamiento comercial de la producción.
Esto, unido a un nuevo lenguaje cinematográfico que el público desconocía hasta ese momento, supusieron unas pérdidas de 160.000$, únicamente atenuados por las nueve nominaciones a los Oscar de la academia incluidos mejor director y mejor película.
Como en otros casos, no fue suficiente una buena crítica y varias nominaciones al Oscar para que el público se acercara a las salas a ver la película. Una narrativa oscura, que no fue del gusto mayoritario, y un tema que no se supo interpretar hicieron perder a la productora 525.000 $.
Entre las películas “incomprendidas” por el público en el momento de su estreno, hay un género que destaca; la ciencia ficción. Se trata de producciones que han encontrado su sitio con el paso del tiempo
Puede considerarse que eso es lo que le sucedió a “Blade Runner” (1982) de Ridley Scott. Actualmente considerada como una película de referencia del género, en su momento fue considerada una película más.
A principios de los 80, los cines estaban saturados de ciencia ficción. La cartelera estaba repleta de producciones como Star Treck, “La cosa” o incluso “ET el extraterrestre”. A pesar de que la película no fue un fracaso estrepitoso en taquilla, como algunas de la lista, no se cumplió con las expectativas previstas de público.
Fue a raíz de la versión del director, que cambió el final, cuando la película comenzó a convertirse en lo que es en la actualidad. La llegada de la versión definitiva de Ridley Scott es la que ha convertido la producción en un clásico de referencia. Actualmente se encuentra en la Biblioteca del Congreso recogida en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos, por considerarse significativa.
Mayor debacle de taquilla sufrió esta otra película de ciencia ficción, “Brazil” (1985) de Terry Gilliam. A pesar de que el director había cosechado gran triunfo con los éxitos de las películas de Monty Python, la Universal se negó a estrenar la película cuando la vio terminada.
La productora no vio con buenos ojos su temática distópica ni la forma de narrar, tan particular. Una vez estrenada, tampoco el público fue capaz de entender la película, castigándola con una pobre recaudación.
A pesar del fracaso, la película desde el año 1996 ha sido lanzada hasta en cinco ocasiones con diferentes formatos para consumo personal.
“Cadena Perpetua “( 1994) de Frank Darabont es otra de las películas que tuvo reconocimiento instantáneo de la crítica pero no del público. Una mala distribución, no llegó hasta el público adecuado, puede ser la razón de que no alcanzara el éxito esperado en las salas de cine.
Sería el VHS el que introduciría la producción entre un público más amplio y convertiría la película entre una de las 100 mejores del último siglo.
David Fincher y Alfonso Cuaron tampoco se libraron de tener que esperar a la distribución en Video o Dvd para hacer caja. Tanto “El club de la lucha” (1999. Fincher ) como “Hijos de los hombre” ( 2005, Cuaron) recibieron modestas recaudaciones de taquilla que posteriormente la distribución casera multiplicaría entre sus beneficios brutos.
“La invención de Hugo”(2011) de Martin Scorcese es uno de los mayores quiebros de los últimos años. Con un presupuesto de 170 millones de $, la película solo logró cobrar en taquilla 73 millones.
A pesar de las 11 nominaciones a los Oscar de la academia, una mala decisión a la hora de programar el estreno parece ser la causa principal del fracaso. La película se estrenó al mismo tiempo que la saga Crepúsculo y los Muppets, ambas producciones destinadas al público familiar.
No son las únicas películas reconocidas que en su tiempo recibieron malos resultados de taquilla, ni tampoco son los peores negocios del mundo del cine. Pero son una muestra de que ni siquiera una gran película te garantiza resultados en taquilla.
Nos quedamos con “La invención de Hugo” y con una pregunta. ¿ Conoceis alguna buena película que no haya sido reconocida como merece hasta el momento ¿
Un cartel raro de la película “Metrópolis”, vendido en subasta por casi un millón de dólares, es el que ostenta el record de poster de cine más caro de la historia. El cartel, según los rumores adquirido por Leonardo Di Caprio, fue realizado para la versión internacional de la película.
No estamos ante un caso aislado, el cartel de cine Vintage se ha convertido en un objeto de lujo en la actualidad. Muchas subastas de arte incluyen entre sus lotes carteles de cine, publicitándolos como autenticas obras de arte. Lo cierto es que el precio al que se cotizan no tiene nada que envidiar a un óleo o acuarela de un pintor reconocido.
Un cartel de cine auténtico (antiguo ), puede costar de 1 500 a 3.000€ aunque en ocasiones aparecen poster más baratos o carteles que se llegan a vender por precios por encima del medio millón de dólares.
El cartel de Frankenstein de la Universal fue vendido en 1993 por 180.000€
La momia fue adquirida en subasta por 435.000$
El coleccionismo de objetos de cine comenzó con libros de recuerdos, autógrafos, fotografías y revistas de cine. Después de la II guerra mundial los coleccionistas comenzaron a buscar todo tipo de material publicitario original. Fue en ese momento cuando el cartel de la película se convirtió en uno de los objetos más buscados.
Hoy en día, los compradores de recuerdos de películas se han convertido en una comunidad reconocida a nivel internacional de acaudalados coleccionistas cada vez más poderosos. Lo que ha convertido todos los objetos relacionados con el cine antiguo en un elemento muy apropiado para la inversión.
La primera subasta de una casa importante que presentó un lote de carteles de cine tuvo lugar el 11 de diciembre de 1990. La prestigiosa casa de subastas Christie subastó 271 carteles de películas de época.
El éxito de los poster de época ha promovido una nueva industria; la venta de carteles reimpresos ya sea con licencia o ilegalmente. Las imágenes son las mismas que las originales, lo que las distingue de las genuinas es el tamaño, calidad de impresión, y el tipo de papel. La mayoría de las casa de subastas, entregan «pruebas de autenticación» para distinguir los originales de las reproducciones.
El cartel de película nace al mismo tiempo que la industria del cine. Se considera el primer cartel de cine el del cortometraje “El Jardinero” de los hermanos Lumiere.
, Primer cartel de cine de la historia. El jardinero de los hermanos Lumiere
Cuando aparece el cine, la publicidad en papel ya estaba inventada. Los recintos feriales y teatros ya se anunciaban con imágenes publicitarias.
El espectáculo cinematográfico enseguida crea un género autónomo en la cartelería.
Fue Thomas Edison el que ajusta el tamaño estándar de poster, que sería conocido como “el general” que sería utilizado en las vitrinas de vidrio del interior y exterior de las salas de cine.
Cartel cinematográfico de Edison
Empresas francesas como Gaumont Pathé editaban sus propios carteles que realizaban ellos mismos o encargaban a artistas o talleres especializados. Ellos fueron los que instauraron la firma del artista, artesano que intervenía en ese nuevo género independiente.
En ocasiones, el estudio presentaba una fotografía para ser utilizada en el cartel. Había reglas estrictas de censura que obligaban a que los dibujos fueran inocentes y no mostraran escenas que resultaran atrevidas. No era habitual que hubiera estrellas de cine en las primeras películas. Los actores eran anónimos.
En la década de 1910, los nickelodeons se empezaron a reemplazar por las salas de cine. En el interior de las salas, los poster de los vestíbulos se cambiaron por grupos de 8 fotogramas que mostraban escenas de la película. Al principio eran en blanco y negro, después se sustituirían por fotogramas en color. A este tipo de imágenes se les llama Lobby cards.
Uno de los primeros Lobby Cards que se conservan.
Los Lobby cards siguieron conservándose durante muchas décadas.
En esa década también aparecieron los grandes anuncios en los cines. Eran poster 24 veces más grandes que los tradicionales que se veían desde los coches. Surgieron también las «tarjetas de ventana», que servía para anunciar próximos estrenos. . Como parte de la campaña de publicidad de películas, en 1917 los estudios creados «libros de prensa», que podría ser parte de un «kit de prensa», que anuncian la película de una manera eficaz.
A finales de la década, el público quiere conocer los nombres de los actores y actrices. Se internacionaliza el cine y la nueva industria norteamericana comienza a convertir en estrellas a los actores. Esta nueva dimensión del cine coincide con la evolución de la tecnología de impresión. Es el fin de la imaginería fin de siglo. Aparece “El cartel de cine” con las características que conocemos en la actualidad.
Cartlel de los años 20 en el que aparece retratada la estrella Mary Miles
En la década de 1920, las salas de cine se transforman en hermosos edificios. Las ilustraciones de antaño se transforman en carteles artísticos. Conocidos artistas se encargan de diseñar retratos de las estrellas famosas. Los carteles empiezan a contar la historia de la película.
Cartel años 20
La famosa It girl Clara bow
Avanzada la´década surge el cine sonoro. Se dispara la asistencia de público, lo que conlleva que el negocio cinematográfico alcance su plenitud.
En los años 30 se asiste a la «Edad de Oro del Cine». Nacen los grandes musicales de Hollywood, las películas de gángsters legendarios y las películas de terror. Esta etapa culmina con una de las películas más legendarias de la historia del cine. “Lo que el viento se llevó.
Ejemplo de cartel Art Decó de final de los años 30
Los carteles de los años 30 estaban influenciados por el Art Decó, popular en ese momento. Este arte se caracteriza por los diseños geométricos y colores muy llamativos. Había variaciones de tamaños y formas de letras. Cada productora fabricaba sus propios carteles con características particulares.
la Gran Depresión lleno las salas de cine de público. Las películas eran una buena forma de evadirse de la realidad. Personajes vacios, historias maravillosas que hacían soñar. No solo los dueños de salas de cine se lucraron del florecimiento del cine, las empresas de carteles de cine se multiplicaron. Eran una buena alternativa para pintores y artistas.
Los años 40 trajeron la a Segunda Guerra Mundial. Muchas de las estrellas como James Stewart y Clark Gable lucharon en el frente, Los actores que no estaban luchando en la guerra, hacían películas de guerra que servían de propaganda patriótica. Cuando la guerra había terminado, había que reflexionar y analizar cómo los acontecimientos habían influido en las vidas de la gente. películas como “La señora Miniver” y” Los mejores años de nuestras vidas.” Son dos ejemplos.
En los años 50 se asiste a la llegada de la televisión. Las grandes estrellas firman contratos millonarios para salir en antena. El cine tiene que buscar una nueva alternativa para luchar con este nuevo competidor.
El cine, se refugia en nuevos temas de fantasía, ciencia ficción y comedia. Se añaden nuevas formas de distribución; autocines al aire libre y sesiones de cine “serie B” Aparecen también nuevas tecnologías que se integran en el cine, como el cinemascope o las películas e inventos 3D de los que William Castle era un maestro. Surgen las grandes superproducciones históricas que vendrían acompañadas de carteles espectaculares.
En los primeros años surgen los enfoques conceptuales, se hace hincapié en la tipografía y se dan pistas sutiles en cuanto al contenido de la película que forma el fondo del tipo.
A mitad de la década, surgen las revistas de cine que tenían grandes fotografías en color de las grandes estrellas de cine. Estas revistas pioneras fueron las que originaron que las compañías cinematográficas adoptaran carteles más parecidos a fotografías. Fue el comienzo de los carteles fotográficos.
En los años 60, la televisión estaba en el punto de mira de la censura. Las películas tenían más libertad de movimientos y esto atrajo de nuevo al público. La posibilidad de proyectar historias más subidas de tono, mostrar desnudos y blasfemias dio cierto respiro al cine durante las siguientes décadas. En cuanto al diseño de carteles, la tipología adquiere un papel más protagonista Las ilustraciones se sitúan en segunda línea, jugando un papel más periférico que adorna las letras. .
Los años70 para el cine son años en los que conviven cineastas clásicos con nuevos directores. Los carteles de este tiempo continúan utilizando la fotografía pero se mezclan con estilos de dibujo y pintura. En ocasiones se utilizaban artistas famosos como Ansel Adams, Frank Frazetta y Bob Peak que crearon algunos grandes carteles.
Con la llegada de los Blockbuster y películas de efectos especiales se inaugura la década de los años 80. A finales de la década y durante los 90 surgirían el video y aparecen nuevos carteles que deben ser aplicados a las cintas de video.
Los carteles empiezan a ser como los conocemos actualmente, fotografías superpuestas sobre fondos fotográficos sobre las que destacan los grandes actores con sus nombres o símbolos que determinan lo fundamental de la pelçicula.
En la década de 2000 nacen las tendencias que se mantienen hasta la actualidad. El diseño sigue siendo el mismo, publicitario y conceptual. Los carteles varían según las modas tipográficas y fotográficas.
Los carteles tienen que transmitir la característica fundamental de la película. En algunos casos se destacan los actores, la estética de la película o el ambiente que predomina.
El cartel forma una unidad con la película. Es la ventana por la que el público debe asomarse a la representación. Realizar un cartel no es una labor sencilla.
Nos quedamos con una recomendación. El documental “ Drew: The Man Behind the Poster” dedicado Drew Struzan, el artista que ha creado varios de los carteles más emblemáticos de los últimos 30 años entre los que se incluyen, «Indiana Jones», «Regreso a futuro «y» Star Wars «,entre muchos otros.
El libro guiness de los records acredita que es Drácula el personaje de ficción que más veces ha sido llevado al cine. Según el ranking Guiness, se puede acreditar que existen 273 películas del Drácula de Bram Stoken en sus diferentes versiones.
El estreno de la película “Drácula, la leyenda jamás contada” de Gary shore y Luke Evans en el papel principal se añade a la lista de películas realizadas sobre el terrorífico vampiro.
Gracias a Drácula el cine de vampiros, se ha convertido en uno de subgéneros más destacados de las películas de terror de todos los tiempos.
La denominación vampiro surge en la literatura por primera vez en 1819, en la novela del mismo nombre de John Polidori. El autor, quiso plasmar con su pluma la historia que había contado Lord Byron, durante unas vacaciones en las que coincidió con Mary Shelley, en Villa Deodari (véase Yo Frankenstein).
Bram Stoker
Casi 70 años más tarde, en 1887, el escritor Bram Stoker crearía el vampiro más famoso de la literatura y el cine, “El conde Drácula”.
La novela estaba influenciada en un cuento corto de Sheridan le Fanu “Camilla” que hablaba de una joven lesbiana que atacaba a jovencitas. La historia de terror gótico tenía un sutil contenido erótico que posteriormente servirá de base para otras tantas películas de terror.
Hablar del personaje del Conde Drácula es hablar de cine. Es difícil realizar un resumen de las versiones de Drácula, son tantas y tan diversas, que no pueden estar todas. Hemos seleccionado algunas por su calidad, otras por su rareza y otras porque han quedado para el olvido.
La primera versión cinematográfica de Drácula, de la novela de Bram Stoker se realizó en 1920 en Rusia. En la actualidad no se conservan copias de dicha producción. Un año después, se realizaría otra versión muda dirigida por Karoly Lajthay.
Si se conserva la película “Nosferatu” (Murnau, 1922). En ella un inolvidable Max Schreck representaba al temible Conde Orlock. A pesar de que no se utilizó el nombre real del vampiro, la película era una versión totalmente fiel a la del libro de Bram Stocker. Los productores utilizaron el cambio de nombre pensando que así evitarían pagar los derechos de la obra a la viuda del escritor. El éxito de la película, entre otras cosas por el maquillaje y aspecto del protagonista, termino costándoles el pago de los derechos de la obra.
http://www.youtube.com/watch?v=rcyzubFvBsA
Poco después Drácula sería llevada al teatro donde cosechó de nuevo un éxito sin precedentes.
La Universal vio la oportunidad y compró los derechos pensando en su gran estrella Lon Chaney. La repentina muerte de Chaney propició la gran oportunidad a Bela Lugosi, que estaba realizando e papel en el teatro. Este papel marcaría al actor para siempre.
Para solventar los problemas de distribución del cine sonoro, la Universal rodó al mismo tiempo dos versiones de “Drácula” pero en diferente idioma. Tod Browning rodaba con Bela Lugosi durante el día, mientras que otro director, George Melford, hacía lo mismo por las noches con un ecléctico elenco de actores y actrices hispanoparlantes. Los decorados y el guión de ambos filmes eran los mismos, pero los resultados finales fueron diferentes. La versión en español es treinta minutos más larga que la americana, una diferencia verdaderamente exagerada teniendo en cuenta que ambas versiones partían de un guión de rodaje idéntico.
En 1931 se estrenan ambas versiones, Los problemas de censura del código Hays , mala planificación de rodaje y la escasa aparición de Tod Browning por el plató, convierten “Drácula” en una de las mas de obras menos destacadas de Browning .
La versión de George Melford , interpretada por Carlos Villarias como el Conde Drácula, se ha considerado considera superior a la versión en lengua inglesa.
Los estudios MGM, donde se había desplazado Browning tras el éxito de “Dracula” realizaron en 1935 “La marca del vampiro” con la interpretación de nuevo de Bela Lugosi. Para solventar los derechos de propiedad sobre la obra , que ostentaba la Universal, cambiaron algunas aspectos de la novela original. Checoslovaquia ahora era la Transilvania de Drácula y se cambió el nombre del Conde. Se suprimieron escenas cómicas que rompían el ambiente de terror y se eliminaron también algunas escenas de Drácula con su hija Luna por miedo a que las consideraran incestuosas.
La Universal, de la misma forma que se había capitalizado el éxito de Frankenstein con varias secuelas., decidió realizar varias secuelas del conde vampiro, “ La hija de Dracula “ o “El hijo de Dracula”, con el joven Chaney debutando, fueron algunas de ellas que cosecharon importantes resultados.
Drácula entro a formar parte de los monstruos de renombre de la productora. En “La casa de monstruos” se puede ver a conde junto con el Hombre Lobo, el mismísimo Franskenstein y otros monstruos protagonizando el film.
La primera película en color del Conde Drácula fue incorporada por la Hammer, productora inglesa, comenzando en ese momento lo que se ha llamado “La era de terror de la Hammer” La clave fundamental del éxito recayó en el nuevo Drácula. El personaje de Drácula interpretado por Christopher lee era más dinámico, sexy y poderoso. (1958)
Christopher Lee mejoró la visión de Drácula pero también su rival, Peter Cushing en el papel de Van Helsing marcaba diferencia. Ambos fueron dominaron el cine de Drácula durante décadas. A pesar de que Lee posteriormente ha hecho otros papeles, ha perdurado la marca de su versión del Conde en el resto de actores.
En los años siguientes surgen nuevas versiones que continúan a la sombra del Drácula de la Hammer.
“El retorno del conde Yorga” (1970) es una de ellas, dirigida por un novato Bob Kelijan e interpretada por Robert Quary que posteriormente realizaría muchos papeles en el cine de serie B , tanto de Zombies como de vampiros.
http://www.youtube.com/watch?v=69svnlZhzU4
En tv, Jack Palance se transformaría en Conde para la producción de Dan Curtis. (1974).
En todos los países se realizaron nuevas versiones de la historia del conde.
Andy Wharhol produce “Sangre de Drácula” llamada también “El Drácula de Wharhol” ,. Película, franco-italiana. Interpretada por un terrorífico Udo Kier representando a un vampiro extremadamente delgado que necesita viajar a Transilvania para conseguir sangre virgen. La película fue estrenada en una versión de 103 minutos en cines categoría X debido a su contenido violento, a sus desnudas y elementos sexuales. Posteriormente se le reduciría el metraje y las escenas conflictivas.
La versión japonesa “El lago de Drácula” (1971) añadió el nombre de Drácula en su distribución en Europa. Es una producción dirigida por Michio Yamamoto e interpretada por Shin Kishida en el papel del conde
“El Gran amor del Conde Drácula” (1974) es la versión española del conde vampiro,por supuesto, de Pau Naschy (Jacinto Molina)
http://www.youtube.com/watch?v=8dtSUlIX-1I
La mejor versión para televisión del exitoso vampiro fue sin duda la adaptación para la BBC interpretada por Louis jourdan como el Conde y Frank Finlay como Van Helsing.(1977). Para muchos esta versión es la mejor de las adaptaciones a la novela de Bram Stoker.
En los años siguientes destaca “ Dracula” de John Badham(1979) con Frank Langella como conde y Laurence Olivier como Hensing.
Capítulo aparte es el ya clásico “ Drácula de Bram Stoker” de Francis Ford Coppola (1992.) Con Gary Oldman como Conde Drácula y Anthony Hopkins como Van Helsing.
Coppola plasma su propio sueño salvaje de lo que debe ser Drácula. La producción contaba con magníficos decorados y vestuario. Efectos especiales alucinantes y un montaje loco que recuerdan a las grandes superproducciones del cine clásico.
“Dracula 2001” (“Dracula 2000 en ingles) es una producción de Wes Craven dirigida por Patrick Lussier e interpretada por Gerald Butler y Christopher Plummer que es sólo el inicio de una saga. La saga , compuesta de tres películas . “Drácula II: Resurrección” y “Drácula III” , acerca la figura de Drácula al siglo XXI.
A principios de los 2000 Universal intento volver a poner de moda el vampiro más famoso. Lo hizo poniendo su punto de mira en Van Helsing. La versión libre en la que Huchg Jackman interpretaba a Van helsing en 2004 contaba con el actor Richard Bronxburgh como el Conde Drácula. La película dio lugar a una franquicia.
Además de películas de terror, el personaje de Drácula ha dado lugar a comedias, entre las que destacan la de Mel Brook “Drácula, un muerto muy contento” interpretado por Leslie Nielsen en el papel principal.
Entre las últimas producciones destaca “Drácula 3d” (o Drácula 2013) una producción italiana dirigida por Darío Argento e interpretada por Rutger Hauer.
“Drácula, la leyenda jamás contada« es una fantasía oscura que más que centrarse en el relato de Bram Stoker inventa una ficción sobre la aparición del vampiro. El enfoque de la película se encuentra a caballo entre las películas románticas, de terror o thriller. La película, rodada en gran parte en Irlanda, pretende evocar las películas clásicas de monstruos en los inicios de la Universal.
Para los fans del terror clásico, todo queda en la simple intención.
Nos quedamos con el tráiler de la película y con una esperanza. Que la mejor película de Drácula aun este por llegar.
El éxito de “Gran Hotel Budapest” (2014) de Wes Anderson, basada en el personaje y la obra de Stefan Zweig, ha vuelto a popularizar uno de los escritores más famoso de la primera mitad del siglo XX.
Hace unos años el director Wes Anderson estaba navegando entre los estantes de una librería en París cuando llegó a sus manos una copia de “La piedad peligrosa” una novela de 1939 del escritor judío austriaco Stefan Zweig.
Desde la primera página, Anderson se vio cautivado por la novela. El descubrimiento de este gran escritor le llevó a emprender un proyecto que terminaría en convertirse en un homenaje al casi olvidado novelista europeo.
A pesar de Anderson considera que su “Gran Hotel Budapest” es básicamente un plagio de la obra de Zweig, en realidad es una fantasía Andersiana sobre temas de la vida y obras del escritor y una refinada visión de la Europa antes de la Segunda Guerra mundial, retratada tantas veces por el novelista judío.
Zweig, representado en el personaje que interpreta Fiennes (de gran parecido con el escritor).es al mismo tiempo un cronista del mundo y una víctima del desastre.
El encuentro del director con la novela fue algo realmente casual. Las obras de Zweig, en estas últimas décadas han ido perdiendo el interés fuera de Europa. Encontrar libros, traducidos al inglés, del escritor austriaco es complicado. No se puede decir lo mismo de los países del viejo continente, en particular Alemania y Francia, donde el autor ha gozado siempre de mucha popularidad.
Lo realmente sorprendente es que el escritor hubiera caído en el olvido teniendo en cuenta que durante los años 20 y 30, las novelas y biografías de Zweig fueron auténticos best- sellers internacionales. Sus obras alcanzaron fama mundial, se le llegó a considerar el autor mas traducido del mundo.
Zweig ha sido un escritor muy prolífico. cómo lo demuestra su extenso legado, entre el que se incluye 36 volúmenes, y más de 500 piezas periodísticas.
El escritor fue un referente intelectual, un viajero incansable, cosmopolita y pacifista convencido.Escapó del holocausto judío pero no fue capaz de superar la segunda guerra mundial. La desesperanza, la tristeza y el desánimo, al ver como se destruía Europa, a la que consideraba su patria y la de los suyos, fue la razón de que decidiera terminar con su vida a los 60 años de edad. Se suicido en 1942 junto con su mujer en Brasil. En la nota que dejo a su muerte.explicaba que ya no se sentía con fuerzas de empezar una nueva vida. “Dejo saludos para todos mis amigos, quizá ellos vivan para ver el amanecer después de esta larga noche.”
Zweig nació en una familia judía próspera de Viena en 1881. El éxito le llegaría prematuramente. Sus ensayos calaron rápidamente entre el público culto de la época. Su reputación le llevaría a traspasar todas las fronteras.
Las obras de Zweig recordaban a los escritores clásicos por una ficción muy apoyada en la trama., por la anticipación y el lenguaje generalmente florido. Además de la convencionalidad en la estructura, llama la atención, la profundidad psicológica de sus personajes. El autor sabía mostrar como nadie las emociones y la motivación.
El estilo sencillo y su gusto por sus obras breves, convertían sus obras en apropiadas para adaptar al cine.
Más de 70 películas se han creado de sus historias.
“Carta de una desconocida” fue versionada en cuatro ocasiones y de ella se llegó a realizar una ópera. La novela escrita en 1922 cuenta la historia de un escritor recibe cartas de una desconocida.
La versión más destacada es la realizada por Max Ophüls en 1948. Entre su reparto se encuentra Jean Fontaine y Louis Jourdan.
“Si sostienes esta carta en tus manos, sabrás que una muerta te está explicando aquí su vida, una vida que fue siempre la tuya desde la primera hasta la última hora”
http://www.youtube.com/watch?v=21873lk7HuE
Otras versiones de esta novela:
“Narkose” (1929) de Alfred Abel.
“Cartas de una mujer desconocida” del año 2004 del director Xu Jinglei .
“24 horas en la vida de una mujer” es otra de las novelas que se han llevado al cine en numerosas ocasiones. En ella el autor sin conocer las técnicas psicoanalíticas las utilizaba literariamente de forma perfecta. La historia relata un día en vida de una mujer que salva del suicidio a un ludópata compulsivo.
“24 horas en la vida de una mujer“(1952. Affair in Montecarlo) fue estrenada en 1952 dirigida por Victor Saville e interpretada por Merle Oberon y Richard Todd
Otras versiones:
1944 de “Veinticuatro horas en la vida de una mujer“ dirigida por Carlos Borcosque.
En 1968 el francés Dominique Delouche ,realiza una nueva versión que en principio iba a ser incluida en el festival de Cannes de ese mismo año, que finalmente se clausuro.
“24 Heures de la vie d’une femme” es otra versión para televisión del 2002 dirigida por Laurent Bouhnik , con música de de Michael Nyman .
“Ardiente secreto”, publicada en 1911 tuvo un éxito inmediato. La crítica y los intelectuales de la época elogiaron la obra, reconociendo su valor.
Uno de los directores que pondría los ojos en la novela sería Stanley Kubrick en 1956. A pesar de que tenía el proyecto preparado no llegaría a llevarlo a cabo. Aún así, puede verse cierta influencia en la película “Eyes Wide Shut” (1999) en cuanto a la confusión entre sueño y realidad o violencia y erotísmo.
En 1988 un asistente de Kubrick, Andrew Birkin, retomó el asunto y filmó “Secreto en llamas” (Burning Secret), con Klaus Maria Brandauer en el papel del barón y Faye Dunaway como Mathilde.
La novela/película cuenta la historia de una mujer que se debate en vivir una aventura amorosa o sacrificarse por su hijo adolescente. La conquista amorosa se convierte en la crónica del paso de la infancia a la adolescencia, casi siempre doloroso.
Otras versiones:
Una versión muda de 1923, dirigida por Rochus Gliese con la participación de Ernst Deutsch, Otto Gebühr y Wilhelm Diegelmann.
1933 “Ardiente deseo” dirigida por Robert Siodmak.
1977, adaptación alemana para la TV. Dirigida por Wilm ten Haaf.
“Amok” (o el loco de Malasia ) es otra de las novelas varias veces versionadas en el cine. La novela publicada en 1922 en el periódico vienes Neue Freie Presse narra la extraña historia de un caso que ocurrió una noche a bordo de un transatlántico. Un médico que provenía de un país exótico resulta afectado por el Amok: “una locura, una especie de rabia perruna” que vuelve locos a los que la padecen convirtiéndolos en asesinos incontrolados.
“Locura en el trópico” (1934) de Fyodor Otsep es una versión francesa, interpretada por Marcelle Chantal y Jean Yonnel.
Otras versiones:
es “Amoki” (1927) de Kote Mardjanishvili, un Uno de los más prestigiosos y profesionales directores de cine y teatro de Georgia, particularmente famoso por sus espectáculos de teatro de lujo.
En 1944 el español Antonio Momplet dirigiría en Mexico a Maria Felix y Julian Soler en una nueva versión del mismo título.
“Maria Antonieta” Biografía que Zweig realizó en 1932 sobre la historia de la reina que murió guillotinada.
S. Dyke realizó en 1938, la película sobre esta biografia del escritor. protagonizada por Norma Shearer, Tyrone Power, John Barrymore, Robert Morley, Anita Louise, Gladys George y Henry Stephenson en los papeles principales
“La piedad peligrosa”,(o La impaciencia del corazón) publicada en 1939 aborda el tema humano de la compasión. Un oficial siente compasión hacia una inválida a la que le promete su amor. La inválida termina por descubrir la mentira y se suicida.
“La piedad peligrosa” (1946) de Maurice Elvey. Es una versión británica interpretada por Lilli Palmer y Albert Lieben
http://www.youtube.com/watch?v=iuoHkZmZm0A
“Novela de ajedrez” 1941 es la última novela de Zweig, escrita en Brasil poco tiempo antes de su suicidio. Publicada en 1944, en ella realiza una crítica contra el nazismo y los métodos de la Gestapo.
Llevada al cine en 1960 por Gerd Oswald con Curd Jürgen y Claire Bloom,.
“Miedo” 1920 Es una novela de infidelidades y miedos sociales. La historia cuenta la infidelidad de una mujer que debe ceder al chantaje para que su marido no la descubra.
Entre las versiones cinematográficas destaca “ La Paura” (1954) de Roberto Rosellini con una inolvidable Ingrid Bergman como Irene, la mujer infiel.
Otras versiones:
“Angustia” Angst.(1928) De Hans Steinhoff. Con Elga Brink, Henry Edwards y Gustav Fröhlich.
“Miedo.” (936) De Viktor Tourjansky.2
“El miedo” (1992) De Daniel Vigne. Con Nicola Farron, Maurice Baquet, Cinzia de Ponti y Hanns Zischler.4
“Oviedo Express”. ( 2007) De Gonzalo Suárez. Con Carmelo Gómez, Benjamín Olmo, Aitana Sánchez-Gijón, Maribel Verdú y Mariola Mayo.5
“La colección invisible” Aborda el tema del desastre económico surgido a partir de la primera guerra mundial. Un coleccionista ciego ignora que su familia ha ido vendiendo sus grabados de colección por su precaria situación económica.
En 1953, el director e cine alemán Hanns Farenburg realizó una película basada en la novela, protagonizada por Käthe Haack y Hermann Lenschau.
“Viaje al pasado” llamado por el autor “Resistencia a la realidad” es otra novela póstuma de Zweig que relata el reencuentro entre dos amantes después de una separación de años. En ella el escritor realiza un delicado perfil del amor y el desamor, del deseo y de la idealización que se sufre cuando se ama.
En 2013 Patrice Laconte ha dirigido “La Promesa”, basada en esta novela. Esta co-producción entre Bélgica y Francia es la primera pelicula del director filmada en inglés con actores la mayoría británicos, como Rebeca Hall y Alan Richman.
Estas son algunas de las novelas del escritor austriaco llevadas al cine.
En los últimos años Zweig vuelve a levantar pasiones. Nuevas ediciones de novelas descatalogadas, Publicación de cartas, Proyectos de reedición de ensayos y bibliografías. Y el estudio biográfico de George Prochnik. “ el exilio imposible”. Zweig vuelve a estar en boga, veremos más peliculas de sus novelas.
En esta ocasión no nos vamos a quedar con una película sino con un libro. O mejor, muchos. Cualquier novela de Stefan Zweis, que ahora mismo se estan reeditando.
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