La llegada de los drones al mundo del cine ha revolucionado la industria cinematográfica. Los aviones no tripulados, no sólo han sustituido a los helicópteros en producciones con poco presupuesto, las grandes productoras también apuestan por ellos.
Con un drone se pueden realizar planos que hasta ahora eran casi imposibles. Se puede descender y manejarse por espacios estrechos como callejones y cañones para después subir hasta alcanzar una vista aérea. Pueden atravesar puertas y bajar hasta el fondo de un valle. Sus capacidades son como las que nos ofrece una grúa, pero de tamaño infinito.
Muchos realizadores han visto en estos aparatos no tripulados nuevas opciones creativas.
Su aterrizaje en el entorno cinematográfico se puede comparar a lo que supuso la llegada de la Steadycam en los años 70 o la animación por ordenador en los años 90, que cambió para siempre el mundo de los efectos especiales.
A pesar de que desde el principio las productoras de Hollywood echaron el ojo a estos pequeños aparatos, las leyes norteamericanas han sido muy estrictas con el uso de los RPAS. No fue hasta finales del 2014 cuando se permitió el uso de drones para la realización cinematográfica.
Aún así, las productoras se la ingeniaron para rodar (en algunos casos fuera de Estados Unidos) espectaculares planos con drones. En otros casos las películas anteriores a 2015 han ocultado el uso de drones para evitar sanciones.
Una de las primeras producciones en las que se utilizó algo parecido a un drone fue “ La leyenda de Bagger Vance” (Robert Redford, 2000) , en esa ocasión se utilizo un pequeño helicóptero tele dirigido para rodar algunas escenas.
Las sagas de “Transformers” y de “Harry Potter” también se adelantaron a los permisos para utilizar estos pequeños aviones que permiten secuencias tan completas.
Es diez años más tarde, en 2012 , cuando con un sistema novedoso, que más tarde recibiría un premio, se rueda una de las escenas más espectaculares realizada desde un avión no tripulado. Se trata de la escena de apertura de “Skyfall” (Sam Mendes, 2012) en ella, James Bond huye por los tejados de Estambul subido a una moto.
Scorsese tambien recurrió a los vehiculos aereos no tripulados en “El lobo de Wall Street” ( 2013). Fue para la escena de la fiesta en la playa.
La primera escena de “Mercenarios 3” se rodó utilizando drones. No habría sido facil de otra manera resolver una secuencia de estas caracteristicas.
Un tren en movimiento se enfrenta a un helicoptero del que llueven balas, entremezcladas con explosiones. Hay mucha acción y movimiento.
La grabación se realizó desde un dron que volaba casi pegado al helicoptero.
A partir de 2015 las leyes norteamericanas abren la puerta a los RPAS para producciones cinematográficas, lo que convierte ese año en “el año de los drones”.
En “Chappie” (Neill Blomkamp, 2015) un drone era el punto de vista de uno de los personajes robot, además se utilizó en varias escenas, entre otras, una en la que un robot persiguiendo a un humano sale disparado por una ventana de cristal.
Sam Mendes vuelve a repetir la experiencia de drones en su “Spectre” (2015) utilizándolos en innumerable secuencias. Una de ellas realmente complicada es la huída de James Bond de un incendio Esta escena fue grabada en un tejado próximo a Trafalgar Square en Londres. Para el rodaje hubo que conseguir unos permisos especiales a las autoridades de aviación civil, por razones de seguridad.
las saga de “los vengadores” también ha utilizado en sus últimos episodios drones para muchas de sus escenas.
En Jurasic world,( Colin Trevorrow, 2015 ) las grandiosas escenas del parque se rodaron en escenarios de Hawai y de Nueva Orleans.
Para los más curiosos, Jurasic World se grabó con un drone como este, manejada por 3 operadores, con una lente FUJINON’s 19-90mm Cabrio.
No solo las producciones cinematográficas tienen la exclusividad de los drones. Las series de television también hacen sus pinitos con esta nueva herramienta.
“El mentalista” posiblemente ha sido de las primeras series que ha utilizado los drones para sus episodios.
“Juego de Tronos” fue de las primeras en utilizarlo para publicidad.
La recomendable “narcos” utiliza constantemente las imágenes aéreas no tripuladas para mostrar unas buenas imágenes aéreas de la selva.
A pesar de que aparentemente, la llegada de los RPAS puede ser a simple vista una oportunidad de negocio, que nadie se lleva a engaño, Las empresas que ofrecian servicios con helicopteros para grandes producciones, son las que han acaparado el mercado de los drones, para grandes producciones.
Proximamente nueva cita, “Capitán America: Guerra Civil.” Que será estrenada en el mes de abril. En ella se han mezclado las imagenes rodadas por avion no tripulado de la empresa Pictorvisión y filmaciones aéreas con un un helicoptero.
Una esfinge completa es el primero de los tesoros exhumados en el desierto de Guadalupe, a 260 kms de Hollywood en lo que se ha llamado “La ciudad perdida”.
Las excavaciones no corresponden ruinas egipcias, son los restos del monumental decorado que se construyó en 1923para la película muda, en blanco y negro del mítico director Cecil B. DeMille, “Los Diez mandamientos”.
La historia de “La ciudad perdida” comenzó hace 92 años, cuando el legendario director de cine DeMIlle se disponía a rodar la el proyecto cinematográfico más ambicioso y popular hasta el momento. “Los diez mandamientos”. Para el rodaje, el realizador contó con un presupuesto de 1,48 millones de dólares. A pesar de que la productora puso en riesgo la empresa, la epopeya bíblica batió todos los records posibles de taquilla, permaneciendo en los cines de Estados Unidos durante más de un año.
Una de las esfinges que se usaron para la gran producción
Se escogieron las localizaciones en una zona desértica en la costa central de California. El abultado presupuesto de la producción histórica incluía la realización de un decorado que representaba un paisaje de ensueño egipcio. El decorado estaba formado por veintiuna esfinges gigantes alineadas formando una ruta al templo de 800 metros de ancho y 120 metros de altura. Las figuras y el resto del paisaje se construyeron en Los Ángeles y fueron transportados pieza por pieza a Guadalupe, donde se encontraba el equipo de rodaje.
Decorado de la película «Los diez mandamientos» enterrado en el desierto.
Según cuenta la leyenda, después de realizarse la filmación, el conjunto era demasiado caro para transportarlo y demasiado valioso como para dejarlo a los cineastas rivales. Se decidió, entonces, cavar una zanja y enterrarlo en pleno desierto. El equipo de Paramount mantuvo en secreto el lugar donde se enterrarían los restos.
Las esfinges y la puerta del templo han permanecido enterradas durante nueve décadas y durante muchos años olvidados. Hasta que en 1983 un grupo de aficionados al cine, guiados por una pista críptica encontrada en la autobiografía póstuma de DeMIlle localizaron los primeros restos en el desierto de Guadalupe. Durante casi veinte años cineastas y arqueólogos han intentado recaudar dinero para las excavaciones. En el año 2012 una cabeza de yeso de una esfinge fue exhumada pero se terminó el dinero destinado a las obras.
En octubre de 2014 una de las esfinges ha visto la luz. Arqueólogos profesionales están llevando a cabo la original excavación.
La recuperación del conjunto está unida a uno de los más grandes personajes de la historia de Hollywood, Cecil Blount DeMille. El director y productor, hoy casi olvidado, no llevo una vida menos sorprendente de lo que fueron los espectáculos que se convirtieron en su marca como un productor de cine y director.
La impresionante carrera del realizador coincidió con el principio y la edad de oro de los estudios de Hollywood. Sus producciones formaron parte del revolucionario y poderoso entretenimiento de masas. Su extravagante y barroca forma de crear entretenimiento colaboraron en que se creara un modelo de consumo que influyó profundamente en las costumbres americanas contemporáneas.
DeMille cabalgó entre dos siglos lo que le hizo evolucionar y desarrollar un estilo visual muy pictórico que le llevó al éxito en taquilla durante varias décadas sucesivas. Fue el único capaz de realizar películas que aseguraran récords de taquilla y eso le valió el título de «El señor de Hollywood.»
DeMille nació en Ashfield, Massachusetts, el 12 de agosto de l88l. Hijo de un dramaturgo descendiente de inmigrantes holandeses y de una descendiente de familia judía. Estudió en el Colegio Militar de Pensilvania. A pesar de que era un buen estudiante, decidió seguir los pasos de su padre y su hermano, dedicándose a la carrera teatral. Se formó en Academia Americana de Arte Dramático
Tras su graduación en l900, DeMille trabajaba como actor en una compañía con la que viajó por Estados Unidos. A pesar de que le gustaba la actuación, lo que de verdad le gustaba era escribir y producir.
Lasky, Goldwyn y De Mille crearon la productora Lasky.
Fue en 1913 cuando decidió dar el salto. Lo hizo con la creación de una empresa para producir adaptaciones cinematográficas de los éxitos de teatro y vodevil. Contaba por entonces con 30 años. La empresa la fundaron entre De MIlle, Jesee L. Lasky, un productor de espectáculos, Samuel Goldfish (mas tarde Goldwyn) y Arthur un conocido de ellos.
“El prófugo”, The Squaw Man, fue el primer lanzamiento de la compañía a la que siguieron otros muchos títulos de obras de teatro llevadas al cine.
Durante estos años, DeMille trabajó a un ritmo vertiginoso en el estudio de Los Angeles. Supervisaba todas las producciones en el estudio, además de dirigir personalmente unos pocos títulos. Su papel de productor abarcaba la asignación de un el director de una película y la supervisión general de los presupuestos, los horarios de rodaje, y la copia de distribución final.
En tan solo un año, DeMille había amasado una plantilla de cinco directores, cinco cámaras y ochenta actores. Un año más tarde, en 1914 la empresa de De Mille adquiriría los derechos de las obras de teatro más famosas de Broadway para llevarlas al cine. Además se negoció con Paramount Pictures para la distribución de sus películas.
Entre los éxitos cosechados por la productora de De MIlle, destaca “El tramposo” (“The cheat”) un melodrama acerca de la relación interracial protagonizado por Fannie Ward y Sessue Hayakaa un film realmente controvertido para la época.
http://www.youtube.com/watch?v=zRo-e28MqN8
La película se convirtió en la primera de renombre internacional que hizo famoso a De Mille en el mundo entero.
A partir de ese momento las películas de De Mille empezaron a crecer en presupuesto lo que le llevo a reducir el número de estrenos al año.
En 1916 la empresa de Lasky y DeMille se fusiona con la Paramount Picture de Zukor. Uno de los puntos que Zukor consideró interesante a la hora de la fusión fue el talento como director y el gran activo que era Cecil B. para la empresa. Zukor posteriormente adquiriría la mayoría de la empresa creada.
Con la llegada de DeMIlle, la Paramount se convirtió en la “productora del director”.
Parte de la estrategia deliberada de DeMille en el establecimiento del culto del director de cine era un estilo de vida extravagante y muy publicitado. Compró una casa estilo colonial español. Adquirió una finca con varios cientos de hectáreas y construyó un rancho llamado Paraíso. También adquirió un yate, en 1921, como escaparate de su éxito.
Una de las frases más famosas del director, es el consejo que le dio a Paulette Goddard cuando comenzó su carrera. «Nunca vayas por la calle ni siquiera a tirar la basura, sin estar vestida y arreglada hasta los dientes.”
De MIlle era un gran experto en la creación y explotación de su propia persona. Mientras otros ejecutivos del cine posaban de forma convencional con traje y corbata, DeMille lo hacía con el cuello de la camisa blanca desabrochada, con un aura mucho más romántica. Sus extravagancias a la hora de vestir, le llevaron a hacerse un set de trajes de lo más original. Acostumbraba a vestir con polainas, pantalones de montar, una camisa con el cuello abierto, un silbato de plata, y un sombrero a lo Louis XV.
Imagen habitual de Cecil B. DeMille, botas y pantalones de montar.
Además de su original imagen, a medida que sus producciones se hicieron más fastuoso, él mismo se rodeó de un séquito que le acompañaba a todas partes, incluyendo un productor asociado, agentes de prensa, los ayudantes de guión, una secretaria, un ayudante de dirección, ayudante de micrófono, y una persona que le llevaba la silla.
Su oficina era un lugar que impresionaba a todos los visitantes; ventanas góticas, alfombras de piel, armaduras, casos de recuerdos, bocetos y pinturas de producción, y un enorme escritorio tallado.
Despacho Cecil B. DeMille durante sus años en la Paramount.
De Mille fue un defensor a ultranza del papel del director en el cine. La Paramount gracias a su influencia llegó a convertirse en “la productora del director”. Los actores ya no tenían que ser estrellas consagradas, Un famoso director podía convertir desconocidos en estrellas del celuloide.
En la época de cine mudo anterior a la primera guerra mundial, DeMille experimentó con muy diferentes géneros cinematográficos. Hizo westerns, comedias, melodramas domésticos, epopeyas históricas, y películas de guerra.
Después de la guerra, se adaptó a las nuevas necesidades produciendo comedias sexuales y melodramas, historias sobre el estilo de vida de los ricos orientado a las crecientes expectativas de la clase media en una economía de consumo masivo. Varias de estas películas contenían secuencias espectaculares que contribuían al aumento de los costos de producción, pero deleitaban al público que adoraba este tipo de cine. A medida que la «ética de consumo» se fue apoderando del ánimo del país, la «nueva mujer» se convirtió el símbolo de la nueva sociedad. El “Sex Appeal” llego hasta el cine llenando una nueva era de historias inteligentes y comedias sofisticadas «.
La primera de las películas de esta nueva forma de vida es “ Old Wives for the new”
http://www.youtube.com/watch?v=CD53hWdewZ8
La película contaba historias modernas de interés humano. Esta primera historia abrió el ciclo de comedias sexuales que tendrían su momento más brillante, posteriormente, en las películas del Enrst Lubitsch.
“Los diez mandamientos”, (1923) supuso un antes y un después en las relaciones entre DeMille y su productora. Durante el rodaje, las relaciones entre ambos llegaron a su momento más tenso. El presupuesto de la película no paraba de crecer. Escenarios costosos, y gastos añadidos (el director quería filmar en parte en color) llevaron a Zukor a poner restricciones de presupuesto a uno de sus directores favoritos. A pesar de esta experiencia, el director realizó “Rey de Reyes” con un coste Costó 2.000.000$, una cifra realmente astronómica para 1927 lo que creo una crisis en la productora que casi le lleva a la bancarrota.
Cuando llegó el sonido, DeMIlle fue capaz de reinventarse, lo hizo con la ayuda de Mary Pickford en “El signo de la cruz” La película se convirtió en un éxito comercial en su estreno convirtiéndose en el primero de numerosos espectáculos históricos con el sello del director en el período de sonido.
A pesar de que críticos de la época consideraron que el director perdió calidad con la llegada del cine sonoro, son las producciones de esta etapa las que más han transcendido en la actualidad. “Cleopatra”(1939), “Sansón y Dalila”(1949), “El mayor espectáculo del mundo”(1952) (por la cual ganó el premio Óscar a la mejor película) y por supuesto la nueva versión de “Los diez mandamientos” protagonizada por Charlton Heston. (1956)
Como director, DeMille era incapaz de delegar autoridad, no dejaba nada al azar supervisando personalmente los detalles tales como la selección de miles de extras y los animales para sus espectáculos. Era incansable incluso cuando se encontraba enfermo.
En 1954 sufrió un ataque al corazón durante el rodaje del remake que realizó él mismo de “Los diez Mandamientos” en Egipto. A pesar de que le aconsejaron que abandonara la producción de inmediato se negó a cortar el rodaje y terminó la agotadora labor que costó cuatro meses,
Para DeMille, ser director de cine fue lo que le dio sentido a su vida.
Su carácter controvertido, mujeriego y autoritario y sus últimos años en los que tuvo un serio enfrentamiento con John Ford y otros directores por la famosa “caza de brujas” fueron determinantes para que en a su muerte en 1959 cayera en el olvido. Los críticos a su muerte consideraron que había terminado una nueva etapa “ DeMillenium” había finalizado.
DeMille dejó un legado monumental al ser iniciador del concepto del cine comercial de gran éxito, concepto que ha prevalecido entre muchos directores de Hollywood que llenan las arcas de las productoras de Hollywood del siglo XX y XXI
Nos quedamos con las imágenes del la ciudad perdida de DeMille.
Bibliografía.
– Sumiko Higashi – Cecil B. DeMille: “ Una guía para la Referencia y Recursos
La navidad es el momento más mágico del año. Es tiempo de afectos y de crear nuevos recuerdos. Es también un momento de reflexión en el que debemos de plantearnos cuales son las prioridades de nuestra vida.
Cerremos los ojos y pensemos cuales son nuestros deseos reales y las ilusiones que todavía no hemos cumplido.
Llevamos unos años escuchando frases bonitas y optimistas que anuncian que la situación está cambiando. No podemos conformarnos con esperar. Somos nosotros los que debemos decidir cuál es el rumbo que queremos para nuestras vidas.
Aunque no veamos la salida.. Nos queda una alternativa. La salida está dentro de cada uno de nosotros. LA CREATIVIDAD.
La creatividad es un valor inherente al ser humano. Todos hemos sido niños y hemos sido capaces de inventar juegos y entretenimientos y es ese mismo valor el que nos hace capaz de sobrevivir en momentos desesperados.
Este es el mensaje que queríamos transmitir esta navidad.
Mi equipo ha gastado ¡50€! en su realización, porque precisamente queríamos que fuera una labor simplemente artística.
En los 50€ están incluidos los materiales de los regalos hechos a mano, unas nuevas baterías para la Black Magic Pocket (para que aguantaran el rodaje), los derechos de la música y materiales para crear iluminación totalmente caseros. (Gracias Roberto)
No hay travelling, ni grúas ni sonido. Tampoco los actores son profesionales. A pesar de que ellos, desde el principio, se involucraron en el proyecto, no quisimos robarles demasiado tiempo. 3 horas de rodaje en las que muchos de los planos no se pudieron repetir porque no había tiempo.
Para el rodaje utilizamos objetivos rusos analógicos q tienen más de 20 años. Nos prestaron el trípode.
En conclusión, un proyecto totalmente manual que está realizado CON TODA LA ILUSIÓN, AMOR Y CREATIVIDAD.
La combinación de nuestro mensaje para vosotros en esta navidad.
FELIZ NAVIDAD A TODOS.
Y ya sabéis. si os ha gustado el mensaje, compartir la creatividad. Y no dejéis de ver los créditos que mi equipo lo merece!.
Un corto de navidad perdido desde 1927 ha sido encontrado en Noruega. El primer corto de navidad de Walt Disney se acaba de encontrar en una biblioteca de Noruega. La película se encontraba en dos carretes claramente etiquetados. Los empleados de la biblioteca estaban digitalizando las películas y los documentos de su colección cuando realizaron el descubrimiento.
En un primer momento pensaron que se trataba de material de archivo de “Felix el Gato”, fue el historiador David Gertein el que les anunció que acababan de descubrir un gran tesoro.
La película llamada “Calcetines vacios” está protagonizada por Oswald el conejo afortunado un personaje creado antes que el propio Mickey Mouse.
Hasta este momento solamente se conservaban 25 segundos de esta película que tiene una duración completa de 5 minutos y 30 segundos.
Junto con “Calcetines vacios se encontró una copia de otra película de Oswald “Tall Timber”
La navidad ha sido uno de los temas favoritos de la Disney desde sus inicios. A finales de los años 20 La factoría comenzó a crear felicitaciones de sus más queridos personajes dedicados a los niños. Hemos seleccionado algunas de ellas que pueden recordarnos a más de uno nuestras primeras navidades.
El primero de los cortos que se conocen de Mickey sobre navidad es “Los huérfanos de Mickey” de 1931 en el que un grupo de gatitos huérfanos aparecen en la casa de Mickey para arruinar la fiesta de navidad que han organizado Mickey, Minnie y Goofy.
En 1932, el corto “El taller de Santa” de Silly Symphony representa Papá Noel y sus duendes preparando la lista y los juguetes de navidad.
De ese mismo año es «Buena acción de Mickey», un corto deliciosamente tierno que cuenta la historia de la víspera de Navidad cuando Mickey Mouse vende a Pluto para ayudar a una familia pobre.
http://www.youtube.com/watch?v=ANlOFyhZJSI
Un año más tarde, en 1933, un nuevo Silly Symphony volvía a abordar el la labor de Santa Claus en la entrega de los regalos a los niños en el mundo en «The Night Before Christmas», basada en el poema clásico de Clement C. Moore.
http://www.youtube.com/watch?v=clf5E3o72Dk
En las décadas que siguieron, la navidad no ha faltado como tema de innumerables promociones y cortos especiales, animados especialmente para estas fechas.
Varios han sido los protagonistas de estos cortos Donald ha protagonizado varios de ellos. En «Juguetes Nómadas» (1949) el pato Donald tiene que luchar con Chip y Chop por los regalos del árbol de navidad.
http://www.youtube.com/watch?v=biy5HrSCSSg
En 1952 Chip y Chop repiten en “Árbol Navidad de Pluto” El corto narra cómo Mickey y Pluto talan el árbol de navidad para descubrir A Chip y Chop
http://www.youtube.com/watch?v=dNndjpMRgtU
Los cortos de animación con los años se fueron convirtiendo en algo más que pequeñas felicitaciones. La duración aumentó y la dificultad en cuanto a guiones y movimientos. Las historias rondaban los 25 minutos contando ya historias más complejas.
Entre estas nuevas producciones, “The small” (Pequeño, el burrito) es uno de las producciones menos conocidas. La original historia cuenta las dificultades de un niño de Judea que busca para el burrito llamado Pequeño un hogar para vivir. Tanto los dibujos como la animación tienen los ingredientes más genuinos de los clásicos animadores de Disney. Es uno de los cortos más recomendables.
http://www.youtube.com/watch?v=IB-PTkRv50Q
De entre toda la selección de cortos producidos por los estudios Disney, posiblemente el más querido y familiar sea “La navidad de Mickey” de 1983. Es una nueva versión de cuento de navidad (versión que no aparece en mi post sobre Cuento de navidad). El inmortal clásico de Charles Dickens está protagonizado por la mayoría de los clásicos personajes de Disney. el tío Gilito en el papel de avaro tiene como protagonistas, Mickey como Bob Cratchit, Goofy como el fantasma del socio. Y los tres espíritus retratados como Pepito Grillo, Willie el Gigante y “Pata de Palo” Pete.
Este corto recibió una nominación al Oscar como mejor corto. Ha sido uno de los cortos de referencia en muchos hogares durante las vacaciones de navidad.
En los últimos años Disney ha rentabilizado la navidad por medio de largometrajes o versiones de sus grandes éxitos adaptados a la navidad. A pesar del gran éxito comercial de todos ellos, en ocasiones se ha vuelto a utilizar la magia del corto-felicitación. Es el caso de la película “Mickey descubre la navidad” (1999) que estaba formada por tres historietas cortas, muy al estilo clásico protagonizada por protagonizada por Mickey, Minnie, Donald y sus tres sobrinos y Goofy e hijo.
http://www.youtube.com/watch?v=707doH_n6SY
Su secuela en 2004 “Mickey descubre la navidad” estaba formada por cinco cortos, también con los personajes más conocidos de Disney, creados por primera vez por ordenador.
Los dibujos de navidad de Disney ya son una tradición en los hogares de todo el mundo. Todos los años la compañía edita nuevas recopilaciones remasterizadas y mejoradas, porque sabe que las nuevas generaciones también van a crecer soñando con estos queridos personajes que se han ido transmitiendo de generación en generación.
Nos quedamos con una recopilación de varios cortos y con una pregunta. ¿ Cual es tu corto favorito?
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