El director de cine Peter Jackson ha vuelto a insistir en que la secuela de las aventuras de Tintín sigue adelante. A pesar de que el proyecto se ha retrasado por el rodaje de la trilogía de la eternizada saga de los Hobbit, Jackson ha asegurado que comenzará el rodaje en los próximos meses. El estreno de la película está previsto para el próximo 2015.
En la anterior entrada las aventuras de Tintín,hicimos un recorrido por el universo cinematográfico y televisivo de Tintín. En este nos vamos a centrar en la que ha sido hasta ahora la mejor película de Tintín.
La película “Las aventuras de Tintín” supuso una recaudación de más de 300 millones de € en todo el mundo. Fue la primera película en ganar el globo de oro a la mejor película de animación, que no era de la factoría Pixar y Steven Spielberg, el director, recibió las mejores críticas de los últimos años.
Para realizar la película, se utilizó la técnica de captura de movimiento,(Mocap abreviado).El rodaje de dicha captura, se realizó en ocho semanas. Peter Jackson únicamente estuvo presente las dos primeras semanas, posteriormente entraba en contacto con el rodaje a través de videoconfencias.
Los equipos encargados de los efectos creativos de la película, a los que se le debe una parte importante del éxito del film, fueron Weta digital y Weta workshop. Weta digital es una empresa líder mundial en efectos especiales con sede en Nueva Zelanda, de la que Jackson es cofundador. Weta Workshop es un centro de diseño y creación digital con sede también en Nueva Zelanda. Ambas empresas han trabajado la trilogía de El señor de los anillos y King Kong.
Las dos empresas dedicaron a la película de Tintín 5 años de trabajo. Para mejorar la calidad de los matices de iluminación, la empresa Weta junto con NVIDIA desarrollaron un software a base de trazados de luz que daba una resolución mucho mayor que los mapeados tradicionales.
John Williams
La partitura musical fue compuesta por John Williams.“Las aventuras de Tintin” se planificó como una película tradicional de animación. Williams compuso la música a la que posteriormente se acoplarían las imágenes. Adaptar La captura de movimiento, (que difiere de la animación manual) a la música, supuso una dificultad inesperada, Williams tuvo que modificar parte de su partitura.
A pesar de que la película tuvo un gran éxito en Norteamérica, donde de verdad arrasó fue en Europa y resto del mundo. Los comics de Tintín habían formado parte de la infancia de cientos de niños europeos que, convertidos en adultos, esperaban ansiosos esta nueva versión cinematográfica. Spielberg sabía que el éxito de la película dependería de que los lectores de Tintín fueran capaces de identificar al protagonista de la animación con el joven periodista aséptico de los libros de su estantería. Para conseguirlo, tenía lograr que los personajes salieran de su tira de dibujos para convertirse en personajes con volumen, de una forma convincente. La película no decepcionó. Hasta los tintinólogos más convencidos vieron en la cinta de animación a sus personajes favoritos, palparon el ambiente y reconocieron el espíritu de Hergé en sus paisajes.
En ocasiones, se tiende a pensar que la creatividad digital es obra de técnicos que simplemente manejan ordenadores. Los creativos digitales son mucho más que simples técnicos, son los artistas del siglo XXI. En “las aventuras de Tintin” tuvieron que adaptar cada uno de los diseños de Hergé para darle volumen manteniendo la esencia minimalista que caracteriza a estos dibujos tan particulares.
El arte de la película las aventuras de Tintín es el arte de Hergé, (se documentaba para cada una de sus viñetas para copiar la realidad) y es el arte de los creativos de Wetaworkshop que fueron capaces de empaparse de los dibujos de Hergé para crear un producto adaptado a las nuevas tecnologías.
Hergé y Tintín al principio de la película.
Aunque sin duda alguna, la creación de los personajes y por supuesto la del propio Tintín fue el diseño que resulto más complicado de todo, resulta interesante detenernos en los paisajes de la película y el ambiente que está impregnado del estilo de Hergé.
En los archivos de Hergé abundan las fotografías de la flora y de la fauna marinas, peces variados y plantas acuáticas de diferentes clases. Las fotografías las utilizó para ilustrar la exploración submarina que Tintín hace de los restos del Unicornio. Un dibujo de Robert W. Nicholson para el National Geogrphic, que mostraba la exploración de los restos del Vasa, sirvió para ilustrar los restos del Unicornio hundido.
Dibujo realizado para el National Geographic en el que se basó Hergé
Dibujo de Hergé
Diseño para la película
Los creativos de Weta antes de realizar el diseño con el software 3d realizaron nuevos dibujos de las viñetas para adaptarlas posteriormente. Había que conseguir que las cosas parecieran más espectaculares a través de la profundidad, iluminación y ambiente pero conservando la estética y el estilo original.
El ajuste de los creativos a las viñetas fue absoluto. En el caso del hidroavión Short Sunderland el diseñador de Weta Workshop antes de realizar su propio diseño construyó una maqueta del modelo, al realizarla, se dio cuenta que Hergé había cambiado algunas cosas. Cuando las redibujo, decidió ceñirse al diseño del dibujante conservando los cambios que el belga había realizado.
Unicornio de Hergé
Diseño Unicornio para la pelicula
El Unicornio, el barco que es de gran importancia para el argumento, Hergé lo diseñó partiendo de un barco fabricado en el puerto de le Havre, en 1690, Le brillant. Hergé lo llamó Unicornio tomando el nombre y el mascarón de proa de una fragata inglesa del siglo XVIII. Para el diseño de la película, los creativos usaron los planos de Le Brillant y unos libros que explicaban cómo se construían los barcos de 74 cañones. El unicornio realmente tiene 54, así que realizaron un trabajo de adaptación para que resultara realista.
La idea del personaje de Rackham el Rojo, Hergé la tomó de un artículo dedicado a las aventuras erótico- marítimas de “mujeres piratas”. Uno de los trucos que los diseñadores de Weta utilizaron para conservar la fidelidad con los originales, fue mantener en todo momento a los personajes con el vestuario exactamente igual al del comic.
Karaboudjan de Hergé
Karaboujan de Spielberg
En la película también salen paisajes que corresponden al libro de Hergé “El cangrejo de las pinzas de oro”. En el álbum aparece el cuerpo de un marinero ahogado con cinco monedas falsas y una etiqueta rota de una lata que tiene anotado el nombre de Karaboudjan, tras algunas pesquisas, Tintín descubre que ese barco está atracado en el puerto y va a investigar.
Greesgarry
El Glengarry de Glasgow fue el modelo que sirvió a Herge para el Karaboudjan.
En la película ese muelle es el escenario de una lucha espectacular en la que las grúas de carga juegan un papel muy importante.
Para las escenas de acción fue definitivo captura de imagen, a pesar de facilitar las labores, Spielberg tenía claro que la animación tenía que ser retocada y creada fotograma por fotograma. Mocap no era simplemente la solución. A los movimientos se les añadieron los recursos típicos de los dibujos animados, estiramiento, aplastamiento, flexibilidad. Spielberg quiso que el departamento de animación se integrara más en el proceso de la película. Sabía que en este tipo de películas, la actuación del actor no es suficiente, es necesario exagerar los movimientos para que se parezcan a los dibujos animados.
Spielberg durante rodaje
A los directores de animación les dotó de un cierto grado de libertad para retocar los movimientos grabados.
Sin duda alguna la película de Spielberg es la película más lograda de Tintín hasta este momento. El director ha creado un nuevo tipo de animación en el que la captura de movimiento manipulada por el hombre da un resultado sorprendente y fascinante.
Esperamos que para la segunda parte, los directores sepan manejar esta nueva herramienta con moderación. Moderación en los movimientos de cámara, en el abrumador detalle gráfico y en la cantidad de cosas que suceden al mismo tiempo.
Ni Spielberg ni Peter Jackson son Brad Bird, pero tienen un buen equipo artístico a su cargo que pueden corregir los errores en la próxima aventura de Tintín.
Nos quedamos con El asunto tornasol, una de las historias sobre las que está trabajando Anthony Horowitz, guionista de Tintín 2
¿Que hubiera pasado si dos genios como Salvador Dalí y Walter Disney se hubieran encontrado y hubieran decidido colaborar juntos? La respuesta es “Destino”, el corto que tardó más de 60 años en hacerse realidad, que ha estado presente en la exposición del museo Reina Sofía.
Para los surrealistas, el cine era un medio perfecto de expresión. A través de él se podía explorar el reino de lo inconsciente. En el año 1924, Bretón escribió el manifiesto del surrealismo. Ese mismo año, el realizador Rene Clair dirigió “Ent`acte” una mezcla de comedia circense y lógica del sueño concebida para proyectarse en el intermedio de “Relache”, el ballet de Francis Picabia. La que se convertiría en la primera película surrealista
En 1928 Germaine Dulac realizó con un guión surrealista “La Coquille et le clergyman” película que quedó eclipsada por la aplaudida“El perro andaluz” de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
“El perro andaluz” además de considerarse la película surrealista más importante, es el primer acercamiento de Dalí al mundo del cine.
La cinematografía surrealista llegó a Norteamérica En 1932, de la mano de Julian Levy, dueño de una galería de arte de Nueva York. El galerista fue el primero en patrocinar un espectáculo surrealista. En esta exhibición innovadora se proyectaron películas experimentales de Fernand Leger y Man Ray.
http://www.youtube.com/watch?v=V7PQvkYYikU
Cuatro años más tarde, Dalí exponía su pintura en el museo de arte moderno de Nueva York. Por entonces, ya se había percatado de la gran influencia del surrealismo en Estados Unidos, que había encontrado en el mundo del arte en general. Se había sorprendido de que hasta los dibujos animados. hubiera llegado el movimiento vanguardista.
Dalí consideraba que la animación era un medio muy válido para dar forma y expresión al surrealismo. Reconoce que los animadores tienen que estar aplicando los principios del movimiento de una forma consciente en las películas que van creando.
Prueba de ello eran muchos dibujos de la época. Los cortos de Mickey, la escapada en el bosque de Blancanieves o los paisajes de Make mine Music que tienen claras influencias de paisajes de Dalí de Chirico. Esta misma escena de Dumbo es una prueba del surrealismo de Disney.
Cuando en 1937 Dalí visita California. El propio pintor escribe a Bretón para contarle que en Hollywood había conocido a tres grandes surrealistas. Los hermanos Marx, Cecil B. de Mille y Walt Disney.
Dalí y Disney se conocieron en una fiesta de los estudios Disney. Ya desde el primer encuentro descubrieron que podrían hacer cosas juntos. A pesar de que puede parecer que se enfrentaban personalidades diferentes, ambos tenían muchas cosas en común. Los dos eran dos genios con mucha visión empresarial y que les gustaba el dinero.
Además, ambos eran adictos al trabajo, admiraban la pintura realista mezclada con la fantasía romántica y adoraban la ilustración al estilo victoriano. A Dalí le llamaba mucho la atención la animación, la consideraba una forma de arte libre de todas las cosas accidentales que ocurren en acción en vivo. Y Disney admiraba profundamente al Dalí pintor.
Ambos también compartían una mente rápida y una visión extraordinariamente optimista.
En 1945 Dalí se introdujo en el cine comercial gracias a la colaboración que estaba realizando con Hitchcock para la escena onírica del Thriller Spellbound (Recuerda).
Al año siguiente, en enero 1946 Dalí firmo el contrato con Disney, lo hizo por una suma que jamás se reveló, aunque Disney siempre considero que el artista era muy caro. El pintor comenzó a trabajar el 7 de febrero de ese mismo año en el estudio Burbank.
Como punto de partida para lo que sería “Destino” Se contaba con una balada mexicana que había sido desechada de “Los tres Caballeros” La canción hacía referencia al anhelo por el amor perdido. A pesar de que el argumento inicialmente era una simple historia de una chica que ha perdido su amor y busca consuelo, Dalí vio mucho más. El genio quiso expresar el problema de la vida por medio de una exposición mágica que mostrara el laberinto del tiempo.
El pintor pensó en “Destino” como una serie de cortos enlazados con historias independientes que formaran un largometraje completo.
Durante los primeros tres meses, Dali trabajó ocho horas seguidas diariamente creando bocetos y lienzos, en muchas ocasiones le acompañaba Gala. El dibujante, adaptado a la disciplina de Burbank , trabajó estrechamente con uno de los mejores hombres del estudio, John Hench, al que llamaban el “ tio del ratón Mickey “. En esos meses se crearon los primeros 15 minutos de animación. La animación terminada estaba compuesta por las cabezas grotescas encima de caparazones de tortuga que convergían para formar una bailarina con una pelota de beisbol.
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A pesar de que al principio Disney estaba satisfecho con el trabajo de Dalí, al que consideraba comunicativo y lleno de ideas, el proyecto tuvo que suspenderse. Roy O. Disney, cabeza contable de la factoría no vio claro el proyecto. Lo consideraba sofisticado para el espectador y la empresa no podía arriesgarse a un nuevo fracaso.
Unos años antes, en 1940 otro proyecto “Fantasía” había sido un desastre comercial. La película también tenía influencias de los vanguardistas Kandinsky y Miró.
Según cuentan Frank Thomas y Ollie Jhonston (dos famosos animadores de Disney) en su libro “la ilusión de la vida”. En realidad lo que pudo pasar es que el resultado no era exactamente lo esperado. La secuencia de Dalí era realmente surrealista, nada que ver con el “surrealismo” que ellos utilizaban hasta ese momento. Por otra parte el ego de Disney también tuvo que ver en la supresión de la película. Disney estaba acostumbrado a tener el control de todas sus películas, el remodelaba y cambiaba todos los originales a su gusto. En la colaboración con Dali eso era imposible.
A lo largo de los años siguientes, Dali y Disney continuaron siendo amigos. El matrimonio Disney visitó a los Dalí en Cadaques en 1957, allí planearían nuevos proyectos como la creación de Don Quijote, un infierno de Dante y un Cid Campeador. Finalmente, no volvieron a colaborar más.
60 años después del encuentro entre los dos genios, Roy E. Disney, sobrino del famoso dibujante, localizo los bocetos y decidió que sería interesante realizar un trabajo con ellos. La factoria quería volver a las raíces asentadas en el arte de los viejos estudios Disney.
El primer problema con el que encontró Roy fue que las ilustraciones de Destino no pertenecían legalmente a Disney hasta que la película estuviera terminada. Tenían que ponerse, por tanto, manos a la obra a finalizar la obra inacabada de Dalí.
Un equipo de 6 ó 7 personas revisó por encima el material. Era un guion grafico. Imágenes sin numerar. Todos veían claro cuál era el principio de la película y cual el final, pero la parte central de la historia no tenía sentido, era como un puzle lleno de piezas sin unir. Después de recorrer el guión en todas las direcciones posibles encontraron el modo de darle sentido a la historia. Les ayudo un texto de Gala localizado en una revista.
El resultado, una elegante exploración simbólica de las emociones, la alegría y el dolor de una relación amoroso adulta contada a través de constante metamorfosis. Con imágenes sensuales y oníricas. El corto no posee el erotismo desbordado propio de Dali, pero si posee la mayoría de las imágenes surrealistas que se relacionan con el genio; Los relojes derretidos, los vastos paisajes áridos, las sombras alargadas. Incluso hormigas que abandonan su escondite para formar un grupo de ciclistas.
La reconstrucción del corto costó 1,2 millones de Euros.
Un buen homenaje al gran genio de la pintura que fue Salvador Dalí y al rey de la animación Walter Disney y para recordar aquel momento en el que dos genios se encontraron y se miraron de frente a los ojos.
Never Sleep again,(ya nunca dormiras).El Legado De pesadilla en Elm Street es un Making off de lujo. uno de los documentales más completos que se ha hecho jamás sobre una saga de terror, de hecho, puede considerarse como uno de los mejores documentales realizados sobre cualquier película.
El documental cuenta cómo la empresa de distribución, encabezada por Bob Shaye, apostó por un guión que llevaba tres años recorriendo Hollywood, sin lograr conseguir una oportunidad.
El guión mostraba la historia de un pederasta y asesino que atacaba los sueños de los hijos de las personas que hicieron justicia con él.
Cuando la película se estrenó, el mundo entero conoció a Freddy Krueger y surgió el mito de Elm Street. El mito ha sido alimentado por generaciones de fanáticos. Con el tiempo la película se convertiría en una franquicia muy rentable.8 secuelas de aquella primera, una serie de televisión y un sinfín de productos con licencia, libros y otros objetos de interés.
[youtube=http://youtu.be/DAYcLUFelQA]
Todas las películas legendarias de terror tienen en común un personaje con una gran personalidad, capaces de aterrorizar y trascender la pantalla. Jason de Viernes 13, Michael de Halloween y por supuesto Freddy Krueger. En el caso de de Elm Street siempre hay historias más profundas que los simples adolescentes aterrorizados en las aulas. Esta característica logra un gran impacto entre el público.
El documental muestra como la película surgió del entusiasmo de todo un equipo que desde el primer momento creyeron en el proyecto y lo llevaron a cabo con ilusión, logrando una película de culto en el género de terror, sin contar con un gran presupuesto.
La película documental dura 4 horas en las que recogen los testimonios de más de 100 entrevistados, entre ellos, todos los directores que han participado en la saga, gran mayoría del reparto principal, escritores, productores, y los artífices de los efectos especiales y maquillaje. Todo lo que cualquier fan de las películas de Pesadilla o de cualquier película de terror, o incluso los aficionados al cine pudieran desear.
Se cuentan historias del rodaje, detrás de las cámaras, escenas eliminadas, creación de efectos especiales y análisis de todas las personas que han formado parte de un proyecto tan legendario.
La saga Krueger contó con el gran animador Michael Grandberry que realizó muchas de sus escenas animándolas por Stop Motion. Participó así mismo con la composición musical uno de los grandes, Charles Bernstein. Todos ellos junto con varios cineastas entrevistados cuentan la historia de una forma fluida, sin que sea necesario un narrador que de coherencia al relato.
No se puede subrayar cuales son los aspectos más destacados del documental, cualquier minuto aporta información interesante y curiosa.
El Dvd original aporta información sobre los libros, los comics, los guantes de Freddy, los carteles, la música y mucho más.
El único defecto que podemos encontrar en la cinta son las ausencias de Johnny Deep y Patricia Arquette, que a pesar de estar presentes en varias momentos no son entrevistados.
El proyecto ofrece cuatro horas de entretenimiento e información, que están estructuradas en partes diferenciadas lo que permite ir viéndolas con tranquilidad, en diferentes momentos.
El legado de Elm Street es un documental que no puede perderse, con una calidad cinematográfica indiscutible, completo, entretenido y que aporta gran cantidad de información. Una buen regalo.
Nos quedamos con el documental completo (con subtitulos en español) , a pesar de que los subtitulos tienen muchos fallos y ocupan demasiada parte en la pantalla es un lujo poder disfrutarlo.
El maestro de la animación Ray Harryhausen murió el martes en Londres a los 92 años de edad. Ayer la animación Stop motion del mundo entero se detuvo ante la desaparición de uno de los grandes de la historia de los efectos especiales.(Stop Motion, un siglo de mágia)
Harryhausesn se ha convertido en una leyenda al dar vida a decenas de monstruos, que han quedado huérfanos y por inspirar a una generación de cineastas que hoy lloran su pérdida. Directores como George Lucas y Peter Jackson se han visto influenciados por la magia del genio del Stop Motion. “ Sin las imágenes maravillosas y cuentos de Harryhausen El señor de los anillos nunca se habría realizado.”
La familia de Harryhausen comunicaba con estas palabras la muerte del “La genialidad de Harryhausen estaba en dar la vida a cualquier modelo. Si eran dinosaurios prehistóricos o criaturas mitológicas, en sus manos dejaban de ser marionetas. El los convertía en auténticos personajes tan importantes como cualquier actor.
Harryhousen tuvo una larga y próspera carrera en la que animo más de 70 criaturas. El mejor tributo al maestro se encuentra en sus propias obras.
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Para conocer más sobre el genio dejamos un magnifico documental de 6 capitulos The Harryhausen Chronicles (subtitulado) que hará las delicias de los aficionados a los efectos especiales y la animación.
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